Comunicación de Alan Carrasco que denuncia una censura en la feria ART LIMA

Ayer por la tarde uno de los artistas que había sido seleccionado para la exposición 'Iniciando Colecciones', Alan Carrasco, hizo público que a menos de 24 horas de inaugurar la feria le comunicaron sin mayores explicaciones que su obra no iba a ser expuesta en la feria ART LIMA. Como se sabe la feria decidió instalarse en la Escuela Superior de Guerra del Ejército (algo ya cuestionado por muchos oportunamente). El hecho denunciado ocurre a vista y paciencia de todos, incluidos los organizadores de la feria y de aquellos que convocaron la exposición. No hay aún comunicación oficial de por qué se quitaron las obras, pero si se comprueba esto resulta evento que es absolutamente inadmisible. Sea cual fueran las excusas NO las aceptamos. Un evento del mercado no justifica la prepotencia, y menos aún la impunidad. 

Carrasco ha hecho un llamado público sobre este hecho. Reproduzco sus palabras y su pieza en cuestión, y además un comentario que ha hecho circular vía mail el artista Raimond Chaves.
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COMUNICACIÓN DE ALAN CARRASCO

Ayer, a menos de 24 horas de la inauguración de ART LIMA (qué está ocurriendo en estos precisos instantes), se me comunicó que mi tríptico 'Iconoclasia' no será exhibido en esta primera edición de la Feria Internacional de Arte de Lima. Inicialmente estaba incluido en la sección 'Iniciando Colecciones', curada/comisariada por Giuliana Vidarte.

La sección 'Iniciando Colecciones' se distribuía como una serie de mini-curadurías temáticas, y en la que yo participaba se incluía también los trabajos de Santiago Quintanilla, Gianine Tabja y Lici Ramírez. Todos los proyectos de este apartado versaban, a petición de la curadora, sobre el pasado reciente de la historia peruana.

La organización de Art Lima aún no me ha facilitado el escrito oficial que he reclamado (como creo que me corresponde) en el que expresen sus razones para la retirada de la obra. Por prudencia esperaré hasta que se manifiesten para esgrimirlas y analizar los acontecimientos.

Alán Carrasco
En Lima (Perú), a 24 de abril de 2013

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COMUNICACIÓN DE RAIMOND CHAVES

Estimados amigos y colegas:

Alán Carrasco, artista español y profesor afincado en Lima desde hace un buen tiempo, y que estaba exponiendo en una de las muestras no-comerciales de la feria de arte Art-Lima: "Iniciando Colecciones", ha sido víctima de un nuevo e inaceptable caso de censura esta vez por parte del Servicio de Inteligencia. Este estamento militar pasando por encima de la curadora de la muestra, Giuliana Vidarte, y con la anuencia callada de los organizadores hasta el momento, ha decidido unilateralmente retirar la pieza "Iconoclasia" de la muestra aprovechándose del hecho de que la feria se celebra en un edificio de su jurisdicción y sin exponer ni una sola razón ni haciendo pública de alguna forma su decisión.

Por el presente mensaje expreso mi más rotunda protesta, exijo el retorno de la pieza a la muestra e invito a la comunidad artística a emprender cuantas acciones sean posibles para denunciar este nuevo caso de censura y posicionarse claramente al respecto.

El caso muestra claramente lo perverso y lo nefasto de esta alianza entre el mercado del arte, el grupo El Comercio y el ejército del Perú y es una nueva señal para que la comunidad artística empiece a organizarse, articularse y fortalecerse cuanto antes no sólo para enfrentar mejor este tipo de situaciones si no para plantear otras maneras de estar, proponer y hacer en relación al arte, la cultura y la política en el país.

Añado el post de FB del artista dando cuenta del caso.

Atentamente

Raimond Chaves -artista plástico y profesor-

Politics and 'The Political' at the 29th Sao Paulo BIennial - Octavio Zaya

Y ya que estamos en el tema, publico el durísimo texto de Octavio Zaya sobre la reciente Bienal de Sao Paulo ---la cual aún no he visto, por lo cual me abstengo de comentarlo. No obstante, creo que texto bien podría permitir seguir pensando sobre los modos complejos de nombrar lo político en un evento como la Bienal. El texto ha sido publicado en Art Agenda, y de momento solo en inglés, idioma en el cual lo reproduzco.
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Politics and 'The Political' at the 29th Sao Paulo BIennial.

The Hanged and the Unhanged

How do you follow, and what do you do after "The Void," the so-dubbed 28th edition of the São Paulo Biennial (2008)? Its Artistic Director, the internationally known and experienced curator Ivo Mesquita, left the huge second floor of the Oscar Niemeyer building entirely empty as a comment on the intricate bureaucratic politics of the event, and on biennials in general. His budget had been reduced as well, from the $12 million of the previous 27th Biennial to a mere $3.5 million, and he left a debt of some $2 million. He selected just over 40 artists to convey a radical curatorial statement, while trying to place the 28th Biennial "in living contact" with the art of the world.

In contrast, this year's 29th edition, said to be anchored by the notion that "it is impossible to separate art from politics," has benefited from major advantages: the commitment and resolve of the new president of the Foundation (elected last year), the well-respected consulting executive Heitor Martins, who presided over a spectacular turn in the finances of the SP Biennial; as well as a new Biennial Council, directly linked with the arts. On top of all that, this edition had at its disposal a very healthy and generous budget of $17.5 million and 159 artists to boot.

In July 2009, Moacir dos Anjos was appointed Chief Curator of the 29th edition of the SP Biennial. He served as Director of the Museum of Modern Art of Recife, Brazil, between 2001 and 2006; and as co-curator of the Brazil participation as guest country at ARCO'08 in Madrid. A specialist in Nelson Leirner, Cildo Meireles, and Rosângela Rennó, dos Anjos immediately revealed his intention of "reasserting the relevance of the São Paulo Biennial" after its rather serious institutional crisis, and of vindicating what he called the "experimentalism" of biennials as the fundamental principle of his platform. He conceived an ambitious project, inspired by the Brazilian poet Jorge de Lima's major work, Invenção de Orfeu (1952), from which dos Anjos took the title of the 29th edition: "Há sempre um copo de mar para um homem navegar" (There's always a cup of sea to sail in).

By mid-November 2009, at the same time that dos Anjos disclosed the composition of the international team of curators who were to assist him in developing his project, it was announced that he was about to share the directorship of the Biennial with Agnaldo Farias, better known for his involvement and work in the two worst biennials in the history of São Paulo, those directed by Nelson Aguilar (1996) and Alfons Hug (2002). When the Biennial opened to the public on September 25th, the Brazilian press covering the Biennial devoted its attention to Farias, often without mentioning dos Anjos, who had already disappeared from the public eye. Farias had become the de facto Chief Curator of the 29th edition of the Biennial.

What happened in between I cannot say. It will most likely remain a subject of speculation and dispute, among the secrets that always surround events of this kind. The story is very telling, however, not only about the dynamics that may have doomed this promising edition, but also the shortsightedness of those in a position to prevent it. For this Biennial not only has a spectacular team of curators—Rina Carvajal, Sarat Maharaj, Chus Martínez, Yuko Hasegawa, and Fernando Alvim (who nevertheless ended up fighting among themselves for lack of proper direction)—but it also has the support and enthusiasm of a whole art community, a public ready to turn the corner from oblivion and irrelevance, the means to get there, and a multitude of artists with impressive works to make it happen.

The result, instead, is boring, to say the least. Forget the utopian dimension that dos Anjos envisioned from the verses of Jorge de Lima, whose Invention of Orpheus sings of "the power to sail on, even without ships, / even without waves and sand". Forget experimentation and forget risk. But please don't get it wrong: when Rina Carvajal announced in November 2009 that the Biennial was going to take up the relations of art and politics, I'm sure she could not have foreseen the dispersal and misplacement of artists and their works—works that, in context, could have offered a compelling, even revisionary understanding of the complex ideas and influences that preceded what today passes as "political art." And I'm almost convinced that the contributions of Chus Martínez would have made clear the direction of those routes and openings that talented artists such as Jonathas de Andrade, Tobias Putrih, Mário Garcia Torres, Tamar Guimarães or Antonio Vega Macotela could only manage to insinuate, individually, in this general confusion.

In truth, there was enough to have "an extraordinary Biennial," as Carvajal had dreamed of, but not enough to make sense of it. A purpose, a direction, or a clear idea of how to relate artists, artworks, times, and places to one another was missing. And the 29th SP Biennial really has it all: from wonderful terreiros (meeting places) with a variety of functions to art-fair-style, monumentally ugly-tacky sculptures; from political manifestos to social documentaries; from opportunist trivialities to philosophical conundrums; from porno-misery to graffiti; from anthropological entertainment to psycho-poetry; from light shows to poetic pedagogy. It was all there together, leveled, as if in an art fair, without purpose and without sense; loosely framed, instead, between Flávio de Carvalho's revelation ("All of the ideas here exposed, all of the conclusions reached, are attempts to attain a supposed truth… an illusory phenomenon imperceptible to the naked eye") and Anri Sala's predicament via The Clash (Should I Stay or Should I Go?).

There are also "political scandals," some more entertaining than others. The one instigated by Roberto Jacoby's work, a sort of electoral office managed by an Argentine Brigade for Dilma Rousseff, the Workers' Party candidate to the Brazilian presidency, threatens to be milked until the end of the Biennial. According to the Biennial Foundation, a report by the Electoral Attorney General's office considered the work to be "an electoral offense," breaking the law that prohibits "the transmission of propaganda of any nature" in places run by public authorities. Agnaldo Farias declared to the press: "We can not contest the court ruling because we even run the risk of going to jail. If we had known in advance that the work dealt with Dilma, we would have warned the artist, because we'd have known there would be problems." Consequently, the work was covered from view, literally censored from the exhibition. As for the curator's claim not to have known the nature of the work: he could have seen it perfectly reproduced in his Biennial's catalogue and its website.

The apparent paradox that this situation has happened within the context of an exhibition that insists on the relations of art and politics attests to what Jacoby wanted to achieve in the first place: "forcing the art establishment to become involved in a discussion on the verifiable fact that, today, in a geopolitical space like Latin America, there is more experimentation, more creativity, and—ultimately—more hope in the realm of politics—from institutions to social movements—than in the contemporary art system."

Whatever you may think of the work, it seems beyond the pale when a curator decides to censor a work by protecting himself behind the alleged decision of a tribunal that expressed the possibility that Jacoby's work may be required to comply with an electoral law. The least that an artist could expect from a curator is the total and unequivocal defense of the art space as "territory of full liberty," as editor Marcos Augusto Gonçalves characterizes it. But instead of evaluating and answering for Jacoby's politically confrontational work with artistic and aesthetic criteria, Farias allows it to be judged by an electoral law to which he subscribes his authority and his exhibition, thus confusing politics and the political. That is, Farias's decision dangerously obliterates any distinction between what Jacoby is dealing with (politics) and that other meeting ground between politics and the police (the political), where rights and freedoms confront the established order of control.

In brief, under Farias's conservative and reactionary direction of the 29th edition of the SP Biennial, scattered and adrift, is a missed opportunity, lacking much sense or much guts. As if playing a game of daring to fall with a noose around his neck from a place high enough off the ground that the fall would hang him, Farias’s failure was already foretold. And so, the complexity and poetry that dos Anjos proposed became, simply put, a matter for the police to deal with. I’m almost sure that this is precisely what the three live vultures in Nuno Ramos’ gigantic and brutalist sculpture were anticipating.

—Octavio Zaya

Octavio Zaya is a curator and writer based in New York since 1978. Director of the journal Atlantica (CAAM, Canary Islands), Curator at Large of MUSAC (Leon, Spain), and co-Director of RADAR, MUSAC's journal. He was one of the curators of Documenta 11 (2002) under the Direction of Okwui Enwezor.

Inauguran 29 Bienal de São Paulo, y censuran obra de Jacoby / Arde San Pablo: el fantasma de la política en la Bienal

Por exceso de trabajo tuve que dejar el blog sin actualizar durante las últimas dos semanas. Pronto colgaré información sobre lo que generaron esas pequeñas labores (la exposición Teresa Burga. Informes. Esquemas. Intervalos. 17.9.10, que inauguró en el ICPNA hace una semana entre otras cosas), y varios anuncios que he dejado colgado todo este tiempo. Pero de momento reproduzco de forma urgente algunos de los documentos que han empezado a circular a propósito de la reciente inauguración de la Bienal de Sao Paulo y la censura de la obra de Roberto Jacoby, 'El alma nunca piensa sin imagen' organizada por la Brigada Argentina por Dilma, una instalación de diseminación de propaganda a favor del Partido de los Trabajadores. Una obra que apuesta por intervenir de forma explícita en el contexto de la coyuntura electoral presidencial que se define este domingo 3 de octubre, a través de un mecanismo de publicidad que fomentaba la discusión política sobre las macroestructuras institucionales y la toma de posición (electoral, política, social, ciudadana) al interior del espacio artístico.

Reproduzco de momento una nota de la web de O Globo, y luego el manifiesto a propósito del intentó de censura de la obra de Jacoby, impulsado por la Brigada argentina involucrada en el proyecto, y con adhesiones públicas actualizadas hasta el día de ayer. Pego aquí también algunas vistas de la instalación y como luce ahora censurada. Seguiré subiendo otros documentos al respecto en los siguientes posts. Pueden sumarse las adhesiones y enviar comentarios a este correo: elalmanuncapiensasinimagen@gmail.com


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Bienal de SP abre neste sábado com Lygia Pape e promessa de nova polêmica com artistas argentinos
25/09/2010

SÃO PAULO - Depois da decisão judicial que determinou que a obra do argentino Roberto Jacoby fosse coberta, neste sábado (25/09), o pavilhão do Ibirapuera abre suas portas para o público visitar a Bienal das Artes de São Paulo. A instalação "El Alma Nunca Piensa Sin Imagen", de Jacoby, que reproduzia uma campanha política com assistentes do artista apoiando a candidata Dilma Rousseff (PT), não estará acessível aos visitantes. Os convidados argentinos do artista, que realizariam atividades pré-agendadas, divulgaram que continuarão com a programação normal em e-mail enviado para a imprensa:

Veja a programação completa das duas primeiras semanas

"Comunicamos que, apesar da censura, continuamos com nossas atividades planejadas para o mesmo espaço. O mural com imagens de Dilma e Serra foi coberto e levaram os vídeos e papeis impressos que continham os nomes dos candidatos e menções ao PT. Mas convidados a todos para participar das oficinas, palestras e jornadas de trabalho que estaremos promovendo no local, com entrada gratuita"

No sábado, às 14h, Alejandro Ros coordena a Oficina de Desenho Gráfico Entrepierna e há também a Oficina Sala preta, para crianças. Daniel Joglar faz show de magia às 15h e, às 16h, Ana Longoni, André Mesquita, Cristina Ribas e Gavin Adams ministram a palestra "O que faz um espaço de campanha eleitoral em uma Bienal de arte contemporânea". Domingo, o Teatro de Títeres apresenta a peça "El propietario", de Tomás Espina.

Leia também: Artista 'mata' Lula, FH e outros políticos na obra mais polêmica da Bienal de SP

À parte da questão argentina, peças de teatro, dança, performances e muitas outras obras poderão ser vistas ate 12 de dezembro nesta 29ª edição do evento. A partir das 10h, qualquer um pode entrar no pavilhão Ibirapuera para curtir a programação da Bienal. As três primeiras performances acontecem simultaneamente, às 11h: "Divisor", de Lygia Pape, na Marquise; "Fogueira de gelo", dePaulo Bruscky, em frente à entrada da exposição; o Balé da Cidade de São Paulo e Quarteto de Cordas apresenta uma versão da obra recente "Crônicas do Tempo", montada concebida para o Terreiro de Performances.

Ainda no sábado, filmes como "Surname Viet", "Rouch in Reverse" e "Margem" serão exibidos a partir das 15h. Haverá performance também de Sue Tompkins, às 18h, e bate papo com o artista mexicano Antonio Macotela, ás 14h, e com o pioneiro da arte conceitual Joseph Kosut, ás 16h.

No domingo, a programação começa às 13h, com o debate entre Jean Plantu e Chico Caruso sobre "Cartoons Políticos - Humor e Política". Às 15h, haverá exibição de filmes ("Thinking in Loop", "Une visite au Louvre" e "Out of the Present") e a esperada participação do Teatro Oficina (de José Celso Martinez) apresentando de "Bailado do Deus Morto", peça de Flávio de Carvalho, de 1933. Às 17h30, o português Pedro Barateiro faz uma leitura performática desenvolvida para a Bienal.

Em "Bailado do Deus Morto", cinquenta artistas dirigidos por José Celso Martinez Corrêa vão interagir com as obras e com o público da Bienal, numa performance intitulada "Experiência Flávio de Carvalho nº 6". Trata-se de uma versão do texto de Flávio de Carvalho, e contará com atores do Associação Teatro Oficina Uzyna Uzona, dançarinos do Bando Cavallaria (dirigido por Lu Brites) e aprendizes oriundos das oficinas do Movimento Bixigão, promovidas pelo Teatro Oficina.

[imagen: 'Língua apunhalada', obra de 1968 da artista plástica brasileira Lygia Pape]

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Arde San Pablo: el fantasma de la política en la Bienal

"La 29º Bienal de San Pablo está anclada en la idea de que es imposible separar el arte de la política". A tenor de lo sucedido en las últimas 48 horas, hay serios motivos para dudar de la honestidad de esta declaración.

La obra de la Bienal de San Paulo que promete ser la más interesante no ha sido realizada por ningún artista, sino por la propia institución cuando ordenó cubrir unos imponentes paneles con papel de embalar, para impedir que puedan verse dos ampliaciones fotográficas: el rostro amistoso y atractivo de Dilma Rousseff frente al gesto agrio de José Serra, su opositor socialdemócrata en las elecciones a la presidencia de Brasil.

La obra propuesta por el argentino Roberto Jacoby ha consistido en socializar su espacio para que sea gestionado por una Brigada Argentina por Dilma que se dispuso a diseminar abiertamente propaganda favorable a la candidata del Partido de los Trabajadores en sucesión de Lula, apostando a ser parte del momento histórico excepcional de unidad, solidaridad, redistribución y democracia que se abre en América Latina.

De acuerdo con la —poco convincente— justificación hasta ahora emitida por la Fundación Bienal de San Pablo, un informe de la Procuraduría Electoral General habría decretado que la obra incurre en un "delito electoral" por quebrantar la Ley que impide la "vehiculación de propaganda de cualquier naturaleza" en espacios cuyo uso dependa de los poderes públicos. Sin embargo fue la propia Bienal la que concurrió a sede judicial para denunciar la obra que habían invitado.

Uno de los curadores de la Bienal, Agnaldo Farias, ha declarado a la prensa que "no podemos contestar la decisión de la justicia, porque corremos incluso el riesgo de que nos lleven presos. Si hubiésemos conocido de antemano que se trataba de Dilma, sabedores de que habría habido problemas, hubiéramos avisado al artista". El argumento de los curadores de que habrían “sido sorprendidos” por el desarrollo de la pieza no se sostiene, ya que la misma fotografía censurada figura tanto en el catálogo de la Bienal como en su sitio web.

A esta afirmación pusilánime no se puede sino responder con una pregunta: ¿qué piensa que convoca un curador de arte establecido cuando invoca la palabra "política"? Más allá de este caso puntual, no son infrecuentes las propuestas curatoriales que apelan a la relación “arte y política” para exhibir cementerios documentales o retratos de pobres o raros distantes. Esta obra política de Jacoby se opone eficazmente a esta despotenciación del arte político que ejerce actualmente el mainstream institucional.

Pero ¿qué sucede cuando un artista se toma en serio la necesidad de convertir un espacio artístico en un espacio público, para producir confrontación política —y no falso consenso— en tiempo real y en el mismo vientre del sistema del arte? El alma nunca piensa sin imagen —que así se titula la obra— consiste en algo más que la propaganda electoral favorable a Dilma: el espacio de la muestra asignado a Jacoby se transformó además en una máquina de producir antagonismo entre opiniones diversas, tomando partido e imponiendo al establishment artístico implicarse en una discusión sobre el hecho constatable de que, en un espacio geopolítico como América latina, existe hoy más experimentación, más creatividad y —en definitiva— más esperanza en el área de la política y de lo político —desde las estructuras institucionales hasta el campo de los movimientos sociales— que en el sistema del arte contemporáneo.

Jacoby participa en la Bienal por partida doble, pues integró asimismo el colectivo de artistas, sociólogos, militantes de varias ciudades que en 1968 produjo la histórica Tucumán Arde, documentada erróneamente —y se trata de un síntoma grave y elocuente— en el web de la Bienal como una obra del Grupo de Arte de Vanguardia rosarino. Ésta fue clausurada en la central obrera en Buenos Aires, bajo presiones militares durante la dictadura del general Onganía: su provocación consistía en desbordar el sistema del arte para abrazar el movimiento de protesta social en contra del sistema vigente. A la inversa, El alma nunca piensa sin imagen parece haber sido censurada por instalar en el centro del sistema del arte una actividad a favor de un proceso extraartístico que sucede en la institución política. La Brigada Argentina por Dilma nos lo expone como algo mucho más real —porque resulta más imperfecto y complejo al fin— que la pulcritud inmaculada con que habitualmente brilla la palabra "política" en los textos curatoriales.

Buenos Aires/San Pablo, 23 de septiembre de 2010

Integran la Brigada Argentina por Dilma:

Adriana Minoliti, Alejandro Ros, Ana Longoni, Alina Perkins, Cecilia Sainz, Cecilia Szalkowicz, Daniel Joglar, Fernanda Laguna, Francisco Garamona, Florencia Hipolitti, Paula Bugni, Hernán Paganini, Javier Barilaro, José Fernández Vega, Julia Ramírez, Kiwi Sainz, Laura Escobar, Lidia Aufgang, Lucas Rubinich, Mariano Andrade, Mariela Scafati, Mariela Bond, María Granillo, Nacho Marciano, Roberto Jacoby, Santiago Villanueva, Syd Krochmalny, Tomás Espina, Víctor Florido, Victoria Colmegna.

Adhesiones (al 28/9/2010):

Marcelo Expósito (Barcelona/Buenos Aires).
Gachi Hasper (Buenos Aires)
Diana Aisenberg (Buenos Aires)
Cecilia Sainz (Buenos Aires)
Federico Geller (Buenos Aires)
Helena Chávez (México)
Fernanda Nogueira (Sao Paulo)
Miguel López (Lima)
Francisco Reyes Palma (México)
Marina de Caro (Buenos Aires)
Octaviano Moniz Barreto (Bahia)
Damián Ríos
Inés Patricio (Rio de Janeiro)
Hugo Salas
Guadalupe Maradei (Buenos Aires)
Federico Brollo (Buenos Aires)
Hugo Vidal (Buenos Aires)
Leo Ramos (Resistencia)
Ramiro Larraín (Buenos Aires)
Inés Martino (Rosario)
Compartiendo Capital (Rosario)
David Gutiérrez Castañeda (México/Bogotá)
Hernán Rodolfo Ulm (Argentina)
Beba Eguía (Buenos Aires)
Ricardo Piglia (Buenos Aires)
Mariana Serbent (Mendoza)
Laura García Hernàndez
Magdalena Jitrik (Buenos Aires)
José Curia
Leandro Katz (Buenos Aires)
Adrián Pérez (Buenos Aires)
Eduardo Grüner (Buenos Aires)
Carolina Senmartín (Còrdoba)
Mariana Botey (México)
Carlos Aranda (México)
Daniel Duchowney (Argentina)
Aldo Ambrozio (Brasil)
Carlos Banzi (Argentina)
José Luis Meirás (Buenos Aires)
Gabriela Nouzeilles (Princeton)
Lía Colombino (Asunción)
Museo del Barro (Asunción)
Taller Crìtica (Asunción)
Fernando Davis (Buenos Aires)
William López (Bogotá)
José Ignacio Otero (Buenos Aires)
Leonardo Retamoso Palma (Santa María)
Emilio Tarazona (Lima)
María Cristina Pérez (Rosario)
Gustavo López (Bahía Blanca)
Marcelo Diaz (Argentina)
José Luis Tuñón (Comodoro Rivadavia)
Carlos Dias (Brasil)
Claudia del Río (Argentina)
Juan Manuel Burgos (Còrdoba)
Marcos Ferreira de Paula (Sao Paulo)
Amalia Gieschen (Argentina)
Suely Rolnik (Sao Paulo)
Cristina Ribas (Rio de Janeiro)
Gustavo Marrone (Barcelona)
Marcelo Novoa
Darío Corbeira (Madrid)
Mane Adaro (Chile)
Cuauhtémoc Medina (México)
Clemente Padín (Montevideo)
Diana Laurencich (Buenos Aires)
Saulo di Tarso (São Paulo)
Jorge Gaggero (Buenos Aires)
Víctor Costales (París/ Quito)
Claudia Crea (Buenos Aires)
Victoria Sacco (Buenos Aires/Barcelona)
Bernadette Siqueira Abrão (Brasil)
Enrique Aguerre (Montevideo)
Rosalía Maguid
Rosario Güiraldes (Argentina)
Tania Bruguera
Ana Tiscornia
Halim Badawi (Bogotá)
Emilia Casiva (Córdoba)
Pablo Andrés Carvajal (Rancagua, Chile)
Andrea Giunta (Buenos Aires)
Fabricio Caiazza (Rosario)
Víctor de Zavalía (Buenos Aires)
Néstor Martínez Celis (Colombia)
Gabriela Gabelich (Rosario)
Diego Petrate (La Plata)
Ariel Gerardo Luquez (La Rioja)
Ana Gallardo (Buenos Aires)
Ana Laura Rivara (Buenos Aires)
Damián Selci (Buenos Aires)
Analia Regue (Rosario)
Grupo Analítica (Colombia)
Mayra Rojo (México)
Gene Ray (Berlin)
Franco Ingrassia (Rosario)
Bojana Piskur (Ljubljana, Slovenia)
Miguel Andrade Valdez (Lima)
Oscar Salamanca (Pereira, Colombia)
Alicia Benítez
Raul Antelo (Florianópolis)
Ricardo Arcos-Palma (Colombia)
Jimena Ferreiro (Buenos Aires)
Francisco Godoy (Madrid)
Teresa Velázquez (Madrid)
Fernando Pertuz (Colombia)
Luciana Ponte
Rachel Weiss (Chicago)
Maria Gabriela de la Cruz (Buenos Aires)
Roberto Amigo (Buenos Aires)
Rodrigo Peiretti (Buenos Aires)
Gustavo Buntinx (Lima)

DSF es censurado por Lima Photo - Colectivo Desenfranquiciados

Nota de prensa
Colectivo artístico es excluido por presión de las galerías

Luego de haber sido invitados por los organizadores de Lima Photo, la primera gran feria de arte fotográfico en la ciudad, el colectivo artístico e independiente Desenfranquiciados (DSF) recibió la noticia de su separación del evento, pese a haber cumplido con todos los requisitos establecidos para su participación.

DSF es un colectivo artístico caracterizado por poner en contacto directo al artista y al comprador, no cobrar comisiones por las ventas y apostar por artistas ajenos al circuito establecido por las galerías. Su lema es: “independencia estética y precios bajos sin intermediarios”. Las galerías son locales destinados a exposiciones artísticas y pretenden monopolizar el mercado del arte en el Perú. Según la Real Academia de la Lengua Española, el miedo es una: “sensación de angustia por la presencia de un peligro o mal, sea real o imaginario”.

Hace aproximadamente un mes, DSF fue invitado a participar en el primer Lima Photo, evento vendido como el más grande dedicado al arte fotográfico en el país, luego de que se hiciera evidente que el colectivo era un éxito tras las siete ventas de arte realizadas a lo largo de varios años. Una vez que DSF hubo pagado la cuota establecida, tuvo hecha la curaduría de los artistas y había hecho pública su participación, recibe la noticia de su apartamiento. El argumento de Gastón Delau, director de Arte Al Día y organizador de Lima Photo, fue que las galerías habían insistido en la separación de DSF por ser éste un evento creado únicamente para beneficio de ellas.

Si bien DSF no es una galería, cosa que los organizadores sabían bien antes de invitar al colectivo, sí asume las funciones de éstas: promover el trabajo de los artistas y vender sus trabajos, con la única diferencia de que no le cobra comisiones al artista por ello. Además, por irónico que parezca, el mismo Gastón Delau ha sido cliente de DSF y conoce perfectamente la modalidad con la que trabaja el colectivo: ninguna pieza cuesta más de US$ 100, lo que puede explicar en cierta medida el recelo que sienten las galerías privadas ante la participación de DSF en un evento con estas características.

DSF no es un colectivo anarquista, outsider o subversivo; es simplemente un colectivo artístico sin fines de lucro, que ha logrado posicionarse porque ha entendido una cosa: que el mercado no solo está conformado por quienes venden obras, sino también por quienes las compran. Un concepto de mercado difícil de entender en mentes modernistas e ignorantes de lo que está pasando en el mercado del arte a nivel mundial. DSF es independiente y siempre está comprometido con sus artistas y con sus clientes, por eso inaugurará su propio Lima Foto, el mismo día y a la misma hora que Lima Photo, como se tenía planificado desde un principio.

Colectivo Desenfranquiciados

Comentarios de Marcelo Expósito a propósito de la suspensión de la exposición de E. Villanes

Recupero algunos comentarios de Marcelo Expósito en este blog a propósito de la suspensión de la exposición 'La Extinción del Maíz' de Eduardo Villanes luego de que Fundación Telefónica, institución que invitó al artista a exhibir en sus salas, borrara sus referencias institucionales del catálogo impreso dado que éste se negó a retirar una de las frases de su texto escrito. Reproduzco los comentarios de Expósito a propósito de la continua 'incompatibilidad' entre las lógicas corporativas de incentivo al arte y el develamiento de esas responsabilidades al interior del propio arte que pretenden promover, ya que como dice Expósito más allá de la censura 'artística' lo relevante se encuentra precisamente en lo que ese gesto señala de autoafirmación cómplice de las estructuras neocoloniales dominantes. Por cierto, ¿dijo algo Fundación Teléfonica en Lima al respecto?

Léanse los siguentes comentarios como respuesta a un post mio anterior sobre esta misma circunstancia:

marcelo expósito dijo...

se diría que la responsabilidad que tienen en la destrucción del planeta y en la implantación de modelos económicos neocoloniales en áreas del planeta como américa latina es el límite frente al que se detiene la libertad de expresión en las fundaciones patrocinadas por multinacionales como telefónica. en el año 2000 fui invitado a escribir un texto para el catálogo de la exposición de un amigo artista, que habría de tener lugar en la fundación telefónica de madrid. titulé mi texto "Arte, sistemas, subjetividad. Algunas consideraciones sobre arte, ecologismo y (otras formas de hacer) política". incluía una nota al pie mencionando a telefónica entre los artífices del expansionismo neocolonial capitalista español, y criticaba duramente el proyecto antiecológico del intocable escultor eduardo chillida para las islas canarias, respaldado por grandes instituciones y confrontado valientemente por pequeñas organizaciones ecologístas locales. (valga decir que chillida es de los nombres estrella de la colección de arte de telefónica, o al menos lo era en aquel momento). por supuesto se me exigió retirar dichas afirmaciones de mi texto para que pudiera ser publicado, y por supuesto que me negué, y no fue publicado. dos meses después ganó uno de los premios de la asociación de críticos de arte de catalunya a los mejores ensayos del año. cabe también decir que la exposición de mi amigo trataba de temas... ecológicos. pero una cosa es mostrar el negro como metáfora de la contaminación, y otra bien diferente es escrachar a los responsables con nombre de esa contaminación, algunos de los cuales incluso patrocinan mensajes pseudoecologistas. un abrazo solidario, por tanto, desde acá.

6:15 PM, junio 22, 2010

marcelo expósito dijo...

postdata: releo mi comentario anterior para comprobar si está todo bien, y observo que, por no cargar las tintas, me quedé corto. mejor llamemos a las cosas por su nombre y apellidos completo. donde dije modelos económicos neocoloniales, falta el segundo apellido: modelos económicos neoliberales asesinos, responsables de genocidio. las celebraciones abstractas de la fogosidad de la vida en el planeta que se pueden permitir las multinacionales a través de sus fundaciones son incompatibles con el desvelamiento exacto de su responsabilidad en múltiples formas de crímenes contra la vida en el planeta, incluyendo (pero no sólo) la vida de la humanidad. el burócrata responsable de la fundación telefónica de madrid que quiso "negociar" (por teléfono de telefónica, por cierto) sobre mi texto, primero de buenas maneras, intimidando después, se desesperó ante mi tozudez, y acabó espetándome: "que sepas que si yo quiero puedo llegar a ser en mi vida tan anarquista como tú, pero prefiero ser responsable". He ahí la doble condición de tantos amables gestores culturales de las fundaciones que dependen de multinacionales asesinas: joven alma libertaria, madura manu economicus militari.

pero pido por favor que no nos dejemos enredar ni llevar por el ombliguismo característico de la condición de artista: el problema principal no es la censura; el problema es la verdad que se oculta tras el hecho censurado: en última instancia, el carácter asesino de este sistema dominante. lo que hemos de reivindicar en último término no es la libertad de expresión, sino la urgencia de suspender la vigencia de un sistema global genocida. no lo perdamos nunca de vista.

6:33 PM, junio 22, 2010

Vergonzosa, grosera y torpe censura de Fundación Telefónica a exposición de Eduardo Villanes

Reproduzco un post que ha publicado el artista peruano Eduardo Villanes en su blog en torno a una digamos peculiar, pero no por ellos menos triste y deplorable, (auto)censura de la institución Centro Fundación Telefónica de Lima que había invitado al artista para una exposición individual en la Sala Plasma. Una 'autocensura' que implicó el borrado del nombre de la institución (Fundación Telefónica), la dirección y los horarios de visita del catálogo impreso. El comentario de Villanes explica las razones de aquella decisión y su decisión comprensible de suspender la exposición. Tal actitud, por demás grosera y torpe, no sólo pone en serio entredicho la seriedad, responsabilidad y capacidad ética de tal institución para asumir las dimensiones críticas de la producción cultural, cuyo papel --de la producción artística, así como de toda manifestación estética-- es precisamente poner en agenda pública una serie de cuestiones que nos competen a todos como sociedad civil; sino adicionalmente deja en evidencia que para esta institución el responder a las lógicas e intereses corporativos ya impuestos son mucho más importantes que asumir su papel como mediador público de un debate tan urgente y necesario en el cual estamos todos involucrados. Es realmente lamentable y vergonzoso.
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Saturday, 19 June 2010

CENSURAN EXHIBICION EN FUNDACION TELEFONICA (LIMA)

El 10 de junio del 2010 se inauguró mi exhibición "La Extinción del Maíz" en la Sala Plasma de la Fundación Telefónica.

El catálogo de la exhibición llegó de imprenta recién la noche de la apertura. Para sorpresa de los asistentes, el catálogo no contenía ninguna información sobre la muestra: nombre de la sala, direccion ni horarios.

La historia que llevó a Telefónica a imprimir un catálogo anónimo es la siguiente: El 1ro de junio envié a Telefónica mi texto para el catálogo, recibiendo en respuesta un email solicitándome que retire la última frase, por considerarla peligrosa. Respondí que nó y sugerí que agreguen “Telefónica no comparte necesariamente las opiniones del artista” al final de mi texto.

Dos días antes de inaugurarse la exhibición me escribieron que mi texto finalmente recibió el visto bueno. Me enviaron la prueba de imprenta para mi aprobación.

El catálogo entregado por telefónica la noche de la inauguración era distinto a la prueba de imprenta. Mi texto estaba completo pero faltaba la información básica de la muestra. Recibí una llamada de Telefónica informándome que hubo una decision de ultimo minuto y el catálogo se entregaría únicamente en la galería, no sería difundido externamente, por ello borraron el nombre, ubicación de la sala y cualquier mención a Telefónica.

A raíz de esta censura les informé que cancelaba mi exhibición y retiraba las piezas. A continuación mi texto introductorio:

La Extinción del Maíz

Hay Quienes no Consideran a los Integrantes no Humanos de la Familia Planetaria como Formas de Vida Equivalentes a la Nuestra.

George Naytowhowcon vivió en una reservación india por dos décadas hasta que se mudó a un pueblo en el norte del estado de NY, donde lo conocí. Entre los temas de interés que compartimos están la textilería con chaquiras y la contaminación ambiental. Para dar una idea de la personalidad de George mencionaré que durante el derrame del petrolero Exxon Valdez, él fue a Alaska a bañar focas con un shampoo especial cuya formula inventó.

George me informó sobre varias formas de contaminación desconocidas para mí. En nuestras caminatas por el campo acostumbra señalar en el cielo ciertas estelas sospechosas, algo distintas a las que dejan los jets; en realidad son químicos rociados para manipular el clima del planeta, aquí los llaman chemtrails. En estas conversaciones también me enteré, por primera vez, sobre el tema de la contaminación transgénica que afecta al maíz y otras plantas. A partir de entonces tuve la idea de dedicar mi textilería con chaquiras a la reproducción y almacenamiento de códigos genéticos.

George ha llegado a la terrible conclusión que la contaminación no es un hecho accidental, sino que es un acto deliberado. Existe el plan de contaminar la naturaleza hasta destruirla y luego sustituirla con formas de vida artificial de propiedad de las multinacionales, como los transgénicos, por ejemplo.

George me presto un ejemplar del libro “Otros Concilios De Fuego Hubo Aquí Antes Que El Nuestro” de Twyla Nitsch, shamán de la reservación india donde él vivió. “Hay quienes no consideran a los integrantes no humanos de la familia planetaria como formas de vida equivalentes a la nuestra” es una frase que encontré en este libro, hace referencia a la arrogancia que no nos permite comunicarnos con los lenguajes empleados por nuestras contrapartes planetarias.

Al leer a Twyla me sorprendió encontrar varias referencias al ADN, como en el siguiente pasaje sobre el origen de la Tierra: “Un Gran Misterio habló a nuestros corazones y decretó que la Tierra sería la madre de incontables formas de vida que se manifestarían físicamente cuando les llegara su momento…Cada una de las combinaciones de luces coloreadas que habitan en el interior del cuerpo de la Tierra, son futuras manifestaciones que viven como pensamientos, hasta el tiempo de su nacimiento a la fisicalidad.”

Prefiero esta definición del ADN a aquella que usa la ciencia y las multinacionales que actualmente la financian. Me gusta pensar que fui creado a partir de instrucciones almacenadas dentro de una clave de espectros de luz, y no dentro de algo parecido al software de una computadora.

Thomas, un amigo que me presentó George, fue asesinado el año pasado por oponerse a la introducción de una empresa de casinos en su reservación, historia parecida a lo que sucede en la selva peruana. George dice que si un día vienen por él, no se dejará llevar, los esperará con la escopeta cargada.

Eduardo Villanes, 2010

catálogo

prueba de imprenta

Vista de la Sala Plasma durante el montaje de "La Extinción del Maíz"

www.eduardovillanes.com

DRIK reabre sus puertas

Reproduzco la nota de Escuelab.
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A continuación, la traducción de la carta de Shahidul Alam:

"Acabo de volver de la corte. Difundamos la gran noticia!

Los abogados del gobierno confirmaron ante tribunal de la Audiencia Nacional que hoy la policía que se habia desplegado frente a la Galería DRIK se retiraría y que no habría ningún obstáculo, de ahora en adelante, para la exposición de Crossfire.

- Shahidul Alam"

Exposición de Shahidul Alam, curada por Jorge Villacorta, es impedida de abrir en Dhaka

Hace cinco días la exposición del fotógrafo Shahidul Alam, en la organización DRIK de Dhaka, Bangladesh, fue intervenida por la policia impidiendo su apertura pública en una acción represiva que desde este blog públicamente rechazamos. La exposición titulada Crossfire, curada por Jorge Villacorta, mostraba distintos lugares donde muertes extrajudiciales había tenido lugar por el Rapid Action Battalion (RAB) del gobierno de Bangladesh. Reproduzco la información circulada hace un par de días por Escuelab y además el editorial del diario The Daily Star de Bangladesh un día después de la censura. La bitácora de Micromuseo también ha informado aquí. Cabe decir que tanto el curador, el fotógrafo y demás personas del equipo se encuentran bien, aquí se pueden ver más imágenes de la conferencia que dieron posteriormente y de la exposición.
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Nuestro Apoyo a la organización DRIK, a Shahidul Alam y a Jorge Villacorta

Escuelab y ATA quiere expresar su apoyo a nuestros amigos de DRIK en Bangladesh, debido a lo sucedido en los ultimos dias. Asimismo, mostramos nuestra especial preocupación por nuestro amigo Shahidul Alam, director de Drik, y a nuestro director Académico y presidente de ATA Jorge Villacorta, que en estos momentos se encuentran en Bangladesh.

Este pasado lunes 22 de Marzo a las 3pm, el gobierno de Bangladesh no permitió la inaguración de "Crossfire" (fuego cruzado), una muestra frotográfica sobre las matanzas extrajudiciales en las que el Batallón Especial de Bangladesh (el "RAB") es acusado de dichas muertes. La muestra ha sido curada por Jorge Villacorta.

Escuelab

Para más información:

BBC http://74.125.47.132/search?q=cache:pFrWFZsIfzwJ:www.investors.com/NewsAndAnalysis/Article.aspx%3Fid%3D110338063%26source%3DNewsfeed+crossfire+shahidul+alam+villacorta&cd=1&

Reuters http://www.alertnet.org/thenews/newsdesk/HRW/74c86b8e5b4a45a608ed625a74ed6cc6.htm

New York Times

http://lens.blogs.nytimes.com/2010/03/23/behind-39/

otros links

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http://bdosintmonitors.blogspot.com/2010/03/bangladesh-where-death-squads-strikes.html

http://www.demotix.com/news/283513/crossfire-exhibition-sparks-angry-police-reaction

* Las fotos pertenecen a www.demotix.com y bdosintmonitors.blogspot.com

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Published On: 2010-03-24

Editorial

Police action against Drik exhibition

It undercuts people's political and cultural rights

THE police action, stopping the Drik gallery exhibition of images relating to the incidents of 'crossfire' in Bangladesh, is a case of oppression and curtailment of our fundamental rights of freedom of expression, speech, information and cultural expression. On Monday, just before the exhibition was to be inaugurated by eminent Indian intellectual Mahasweta Devi, policemen positioned themselves before the gallery in Dhanmondi and simply refused to let anyone enter or come out of its premises. By way of explanation, they told the media that Drik gallery did not have permission to organise the exhibition.

The question of permission is totally uncalled for. There are hundreds of photo exhibitions and other such functions of public viewing happening everyday in the capital city. Did their organisers have to seek permission in each case to be holding these? Drik itself has been organising such events since 1993. Never was any permission required or sought or demanded by any agency. Exhibitions such as these have educative, informational and instructive values. Free flow of ideas helps enrich intellectual wealth of the country, broadens its outlook and enhances the level of tolerance in a society of contrary or dissenting views. There may be a debate on an issue but it doesn't mean people on one side of an issue need not hear or refuse to see the other's point of view.

This is exactly the level of maturity we crave for and have actually reached in certain areas of national life which must not be allowed to be undone through any ham-handed act of indiscretion. If the police become the arbiter of what is right and what is wrong for our society, then God help us.

Let certain facts be made clear. Democracy entails a guarantee and preservation of the political and cultural rights of citizens. In such a setting, the sensitivities of certain individuals or groups or bodies cannot override the bigger demands of an open, liberal society which the present government espouses as policy. Now, if the police or any other agency is upset at a revelation of the sordid truth that 'crossfires' have been, they should be making sure that such extra-judicial killings do not recur. The fault lies not with Drik gallery that it organised the exhibition. It lies in the inability or reluctance of the authorities to dig into the question of why 'crossfire' killings are today a reprehensible affair. Besides, why must the authorities forget that by preventing what they think is adverse publicity for the country they are only making it more pronounced before the nation and the outside world?

We condemn the police action. And we would like the home minister to explain to citizens how such acts that clearly militate against the people's right to know and observe and interpret conditions can at all take place.

Censuran dos obras del Salón Regional de la Zona Caribe en Colombia

Via Esfera Publica ha circulado la noticia de censuras en el Salon Regional. Copio la nota entera que pueden ver también aquí. Para más información sobre los salones y actividades ver aquí.
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Censuran dos obras del Salón Regional de la Zona Caribe

Camo Oh Sailor!

El pasado lunes, fecha en la que se esperaba que fuera abierta la muestra de HACER DEL CUERPO- 13 SALÓN REGIONAL DE ARTISTAS ZONA CARIBE en las instalaciones de la Fundación Universitaria Tecnológico Comfenalco, a donde por mutuo acuerdo fueron trasladadas las obras de diez artistas que se encontraban en un principio en la Institución Educativa Nuestra Señora del Carmen (y que por motivos académicos sólo prestó sus instalaciones hasta el 24 de enero pasado), fueron censuradas las obras de dos de nuestros artistas.

Las obras que, según el Rector de esta fundación universitaria el señor Claudio Osorio, propenderían al vandalismo y a la obscenidad son las del joven fotógrafo cartagenero Camo y el esquema instalado del Grupo Roztro. La fotografía de Camo, de la serie Oh Sailor!, que muestra un desnudo masculino sin ninguna intención lasciva y que según las directivas de esta institución afectaría la moral de las mujeres que asisten a esta universidad (en las que se incluyen señoritas de 16 años), fue retirada sin previo aviso a los curadores por trabajadores de la Universidad. Por su parte, la obra de Roztro Chasís de la Ética Contemporánea, que aborda el tema de los derechos fundamentales del hombre y los animales, incluyendo los tópicos de raza, género, sexualidad, cultura y (paradójicamente) libertad de expresión, comenzó a ser borrada en horas de la mañana también, sin haber sido notificado ni el grupo curatorial ni los artistas, gracias a que, según las directivas, “el dibujo parecía un esquema satánico, invocaba al vandalismo y al grafiti y era recurrente el tema del sexo”.

Roztro Chasís de la Ética Contemporánea

Es claro que este problema es un caso de censura, y que la Fundación Universitaria Tecnológico Comfenalco truncó lo que en un principio se había acordado. El Grupo Curatorial respeta las políticas que tenga cada institución, sin embargo, en miras del compromiso que se tenía, funcionarios de la Fundación debieron haberse dirigido a la muestra en la Villa Olímpica a tiempo, con el fin de alertar acerca de la inconformidad con las obras y no hacerlo justo en el momento del montaje, afectando la exhibición de los diez artistas que conforman este componente.

Es una lástima que por unas pocas personas se vea torpedeado el esfuerzo de más de un año de juiciosa investigación y que en ciudades como Cartagena (ciudad que ostenta ante el mundo una pluralidad cultural a través de sus fiestas y sus festivales) aun haya gente que se escuda en retrógados principios moralizantes, demostrando a su vez una completa ignorancia de las prácticas artísticas contemporáneas y rechazando lo que es natural: el cuerpo humano y su fisionomía, como si se tratase de algún demonio sacado de alguna caja de Pandora, y lo que es peor, desconociendo al cuerpo como elemento comunicador y provocador de relaciones. Las obras censuradas poseen una alta calidad formal y conceptual y son producto de las inquietudes de artistas que están inmersos en investigaciones claras y contundentes y que son producto del contexto en el que viven.

Negar el desnudo como tema y la pared como soporte es negar la Historia del Arte. Censurar las piezas y esquivar la discusión, impide que el público amplíe su mirada y que la sociedad siga consumiendo lo que lo aliena o lo que le imponen, minando sustancialmente el carácter crítico de cualquier individuo, sin importar la edad.

Es claro también que en Cartagena, a pesar de los esfuerzos de la administración local, falta aun bastante tela por cortar en cuanto al apoyo público a proyectos en los que se visualicen realmente los procesos plásticos de la ciudad y en cuanto a la creación de espacios (fuera de los muy poco peleados que existen) donde se puedan mostrar las manifestaciones plásticas contemporáneas y discutirlas de una manera abierta, esas pocas que se escapan del espíritu decimonónico conformista presente en esos grandes dinosaurios que promueven una cultura sesgada de la Región (que se deslumbran con lo que llega del foráneo, pero que igualmente le dan la espalda a lo propio o lo abordan de una manera irresponsable) y que han ralentizado la proyección de nuestros artistas. Está más que presente la crisis de nuestros museos y galerías y fuera de las murallas, como lo había anotado no hace mucho el Maestro Oscar Collazos en una columna de El Universal, no se han implementado lugares para que el arte llegue verdaderamente a las comunidades. Y mientras no existan espacios aptos para la exhibición de obras contemporáneas, más difícil se va a llegar a que la gente comprenda las verdaderas dimensiones que abarca el arte actual.

Esperamos que la coyuntura del Salón Regional de Artistas y del próximo Salón Nacional de Artistas sirva para abrir espacios no sólo de discusión y diálogo alrededor del tema, sino también de solución a los problemas que afronta esta ciudad en el campo de la Cultura.

Juan Fernando Cáceres

Director del Proyecto

13 SALÓN REGIONAL DE ARTISTAS ZONA CARIBE

Miedo a la opinión

Esto debe recordarnos algo. Una pieza del caricaturista Chócolo, cuyos varios dibujos han aparecido ya en la prensa colombiana, fue tapada para una actividad del Ministerio de Comunicaciones de ese país en el marco de uno de los Salones Regionales que se llevan acabo anualmente. Reproduzco una nota aparecida en El Espectador.
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Miedo a la opinión

Con cartulinas y cinta pegante se tapó el texto de la caricatura (en gran formato) para que los asistentes no leyeran el mensaje, alusivo a los ‘falsos positivos’.

Sorpresa, decepción o inconformidad han sido algunas de las expresiones de los curadores y participantes del Salón Regional de Armenia (organizado por el Ministerio de Cultura), cuando se encontraron con la obra Falso positivo, del caricaturista Chócolo, tapada con cartulinas y cinta pegante.

La caricatura mural, que alude con humor crítico un hecho que ha acongojado e indignado al país, el de los falsos positivos del Ejército, fue censurada durante dos horas en las que se prestó el espacio de la antigua estación del tren de Armenia (donde se aloja el Salón Regional del Eje Cafetero) para un evento del Ministerio de Comunicaciones.

Sin embargo, de entrada el curador de la muestra, Fernando Arias, tomó distancia de lo sucedido: “Autorizamos realizar ese evento dentro del Salón, porque permitiría mayor afluencia de público, pero jamás dimos vía libre para que manipularan las obras y menos para que las censuraran”.

El Salón, que se realiza por primera vez en Armenia, parte de un concepto curatorial que desarrollan los artistas de la zona. MicroMacro, la curaduría de Fernando Arias y Jonathan Colin, es una apuesta que puso a hablar a artistas (en un sentido amplio, pues se invitaron caricaturistas, comunicadores, entre otros) de la realidad económica, social y política, partiendo de los aspectos microscópicos de la vida.

“Invitamos a los participantes a hacer un taller con un bacteriólogo para conocer aspectos de la microbiología y desde ahí hacer una reflexión sobre los aspectos macro de la vida”, explica Arias. En este contexto nació una muestra que comprende obras muy cercanas a lo biológico y otras “menos literales y más macro”.

En el segundo grupo quedó incluida la caricatura de Chócolo (Harold Trujillo Torres) que juega con el episodio de los falsos positivos del Ejército y la actividad de los laboratorios bacteriológicos de clasificar el tipo de sangre.

Por su contenido político, fue precisamente este mural el que despertó la suspicacia de los organizadores del evento, que se realizó en el mismo espacio el pasado 22 de octubre para el Ministerio de Comunicaciones. Ese día, en la inauguración de “Conectando sentidos” —encuentro que busca apoyar a la población con discapacidad sordomuda, llevando equipos tecnológicos y procesos de formación—, los asistentes encontraron —no sin cierta sorpresa— que una de las obras se encontraba parcialmente tapada (ver foto de portada).

Para el equipo que maneja las obras y hace la producción del Salón Regional, fue una sorpresa encontrar cubierto con cartulinas y cinta los textos del mural, puesto que, según explicaron a El Espectador, sólo habían autorizado, en caso de ser necesario, cubrir el fondo de la tarima y sólo el personal que mueve las obras. Arias expresó “que aunque el Salón ha sido una gran cosa para la ciudad de Armenia, este gesto fue un acto de censura y una falta de respeto con el artista y con el Salón”.

En igual sentido se expresó el caricaturista de El Espectador Chócolo, cuyos trazos, muchas veces irónicos y críticos de hechos políticos, han aparecido en los principales diarios del país: “Para mí ha sido motivo de orgullo estar invitado al Salón Regional y ver cómo la caricatura es considerada arte. Pero me tiene muy decepcionado que alguien irrespete mi trabajo de esa manera”, explicó a El Espectador.

¿Quién tapó el cuadro?

Corpocultura, entidad que autorizó y propuso el espacio para realizar el evento del Ministerio de Comunicaciones, negó que ellos lo hubieran hecho: “No hubo censura, puesto que la obra ha estado exhibida ahí desde la apertura del Salón y aun ahora. No di la orden de tapar el mural y no lo hizo nadie de mi equipo”, afirmó el director Manuel Sabogal.

En realidad, la decisión vino de la empresa que contrata el Ministerio de Comunicaciones para organizar la logística del evento. Como lo reconocieron Andrés Beltrán e Íngrid Moreno, “fue decisión nuestra, como organizadores de evento, pues no queríamos que hubiera contenidos políticos en el espacio”. Ellos afirman que fueron autorizados por el encargado del Salón, John Fredy Quinceno, quien a su vez negó haber dado esa autorización.

Lo cierto es que una obra de arte en un recinto dispuesto para el arte no puede ser “censurada”. Por incómoda o políticamente incorrecta que parezca, es una manera de expresarse, protestar o afirmar algo. En pocas palabras, así lo define Vicente Todolí, director de la Tate Modern de Londres: “Un Salón es como un jardín botánico del arte y tiene un discurso, guste o no, que refleja lo que una comunidad tiene para decir”.

Sara Araujo
publicado por El Espectador
http://www.elespectador.com/impreso/temadeldia/articuloimpreso169056-miedo-opinion

Prácticas Subversivas. Arte bajo Condiciones de Represión política. 60s-80s / América del Sur / Europa

Por cuestiones de tiempo nunca pude anunciar en este blog la exposición Subversive Pratktiken. Kunst unter Bedingungen politischer Repression. 60er-80er / Südamerika / Europa (Prácticas Subversivas. Arte bajo Condiciones de Represión política. 60s-80s / América del Sur / Europa) que Emilio Tarazona y yo estamos co-curando, como parte de un equipo de 13 curadores internacionales, en el Württembegischer Kunstverein Stuttgart. La exposición inauguró el pasado 29 de mayo en Alemaniay allí presentamos una lectura del arte peruano titulado "Pasajes a contracorriente. Tácticas disidentes en el arte peruano, 1968-1992", que es una extensión más del proyecto amplio de investigación y recuperación -que llevamos a cabo junto a Emilio- en torno a un conjunto de experiencias estético-políticas generadas durante el último medio siglo en el arte peruano. En alguna medida el eje de la exposición parece devolvernos a las urgencias de un presente local sin duda de represión agravada (solo basta pensar que ahora mismo intentan encarcelar al dirigente indígena Santiago Manuin -luego de ser víctima de ocho balazos en el cuerpo- y que el aprista probadamente corrupto Rómulo León cumple tan solo detención domiciliaria).

Nuestra sección ‘Pasajes a contracorriente’ es una cartografía de prácticas estéticas disidentes producidas en el Perú enmarcadas literalmente de golpe a golpe: partimos del golpe militar del general Velasco en 1968, y nos detenemos en el autogolpe de Alberto Fujimori de 1992. Como el nombre lo señala lo que se intenta mostrar es precisamente un conjunto de acontecimientos negados, cuya circulación fue marginal o directamente reprimida. Lo que caracteriza gran parte de esta producción – y quizá por ello su invisibilidad – es su rechazo abierto a las formas convencionales de representación artística. No es algo casual: son experiencias dirigidas a impugnar el sistema y el orden social que lo sostenía, y eso implicaba precisamente reinventar permanentemente los modos de imaginar el arte a través de acciones, intervenciones en el espacio público, obras por correo, trabajo en fotocopias, ensamblajes efímeros, publicaciones baratas, instalaciones con elementos de desecho, entre otros. Hay una anarquía vitalista que recorre todas las obras y que parece intentar revertir e impugnar hoy el olvido al que fueron relegadas. Lo que nos interesaba era la posibilidad de leer la Historia del arte peruano desde sus supresiones, desde aquello aparentemente menor, insignificante o prescindible, que había sido puesto en ridículo, censurado o simplemente ignorado por décadas.

Me extenderé más sobre la exposición y el trabajo curatorial sobre el contexto peruano en el siguiente post, pero de momento dejo el flyer de la exposición y una nota publicada en el diario El Peruano el día de inauguración de la exposición.
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ALEMANIA. SECCIÓN PERUANA PRESENTA RECOPILACIÓN DE ARTE ENTRE 1968 Y 1992
Tácticas y disidentes
- Reúne obras de arte enmarcadas entre dos golpes de Estado
- Curadores son los peruanos Miguel López y Emilio Tarazona


El Perú nuevamente exhibe a sus artistas contemporáneos en Europa. Los curadores Miguel López y Emilio Tarazona muestran la sección denominada Pasajes a contracorriente: tácticas disidentes en el arte peruano, 1968-1992, que se inaugura hoy dentro de la exposición Subversive Practices (Prácticas subversivas), que organiza la asociación de arte Württembergischer en Stuttgart (Alemania).
Esta sección presenta, por primera vez en el contexto internacional, uno de los procesos menos visibles del arte peruano contemporáneo, como es el experimentalismo producido entre las décadas de 1960 y 1980. Se exhiben así más de treinta propuestas pertenecientes a cerca de veinte artistas.
Pasajes a contracorriente es un intento de revisar un conjunto de prácticas disidentes y producciones artísticas en conflicto con los sistemas consensuados de representación y circulación de la obra, enmarcadas entre el golpe militar de 1968 de Velasco y el autogolpe de Fujimori en 1992.
Así, se plantea una lectura para visualizar los pasajes más problemáticos inscritos en veinticinco años de historia reciente, marcados abruptamente por la irrupción de la represión, la subversión y la violencia autoritaria.

Sentir de una época
En varios casos, se trata incluso de obras no vistas en Lima: recuperadas o restauradas para esta exposición, como el registro de las instalaciones reunidas en 1985 con el título de Por el derecho a la vida, con el que Hugo Salazar del Alcázar y Lucy Angulo, entre otros, producen una de las primeras propuestas visuales que aborda de manera directa el tema de los muertos y desaparecidos durante el conflicto armado interno.
También se incluyen las imágenes de las Carreras de Chasquis, que Luis Arias Vera organiza en 1974 y 1976, en diferentes partes del país. O la serie de fotografías titulada Rosa Cordis, realizada por Sergio Zevallos en 1986 –cuando formaba parte del grupo Chaclacayo– y que nunca llegaría a ser exhibida en Lima. Además, habrá una versión actualizada de la instalación Lavatorio artificial para uso especial, que Francisco Mariotti realizara en 1975 y cuya muestra entonces quedaría suspendida.
Pasajes a contracorriente incluye también propuestas de Juan Javier Salazar, Teresa Burga, Alfredo Márquez, Taller E.P.S. Huayco, Sergio Zevallos, Herbert Rodríguez y Jorge Eduardo Eielson.
Se presenta también un conjunto numeroso de piezas de arte conceptual, registros de intervenciones en la esfera pública, ensamblajes, libros de artista, fotografías, manifiestos, objetos y videos, entre otros.

Una censura no sólo religiosa sino de clase

Se empiezan a multiplicar los comentarios frente al reciente cierre de la galería Vértice por parte de la Municipalidad de San Isidro. El diario Peru21 saca otro artículo con declaraciones verbales de la artista sobre la censura y el cierre intempestivo de su exposición 'La Migración de los Santos'. Es significativo como la cantidad de comentarios on-line sobre esta noticia en el diario de Peru21 apuntan, en claro acuerdo con la censura de la Municipalidad, a una suerte de "respeto" místificado sobre las imágenes de los Santos, como la "libertad de exprensión" acaba precisamente allí donde se guarda con celo las creencias y representaciones de la Iglesia, e incluso se preguntan si acaso algo como "esto" [la exposición] permite, efectivamente, "culturizar al país". Es evidente que cada uno podrá tener sus opiniones sobre la exposición, sea favorables o no, ¡pero no se le puede pedir a la producción visual de un sujeto que sirva como afirmador de creencias religiosas -sean católicas o no-!

Cristina Planas utiliza un conjunto de imágenes del imaginario mestizo, aludiendo precisamente su hibridación y desplazamiento popular en el ámbito cotidiano, asociadas a una religiosidad distinta que no responde únicamente al occidentalismo romano sino que se asume desde su condición emergente y vernacular. La presencia de Sarita Colonia, entre otras también conocida como la "santa de los pobres", al ser ella misma no-oficial y no-reconocida por la Iglesia Católica, señala ese límite borroso de la fe en sus deseos fragmentarios y domésticos. Gran parte de los comentarios de vecinos y personas alarmadas que se encuentran en la web de Peru21 son un claro índice de esa expectativa ingenuamente errada del arte, pidiéndole a éste un tipo de "culturización" o cultura ya empacada, facilista y digerible, como esa respuesta fácil que le pedíamos al profesor cuandoe estábamos el colegio. Es curioso además como se articula la defensa ultrapurista de los católicos que protestan, tal vez ignorando por completo cómo se ha entramado el imaginario religioso en el Perú, en su contaminación con la cultura popular y andina, y cómo han atravesado y se han forjado las imágenes en el desplazamiento de un espacio cultural y geográfico a otro (o los vínculos mismos de la religión con el proceso de modernidad colonial). ¿Es que acaso se cree que la religión cayó impoluta del cielo en el Siglo XX?

¿Pero por qué resulta tan difícil asumir una exposición como la de Cristina Planas como un proceso reflexivo capaz de añadir preguntas sobre cómo se configuran cotidianamente esas identidades en relación a los múltiples cultos 'oficiales' y populares? ¿Es precisamente la aparición inmoderada de aquellos santos en ropa interior la que causa tanta alarma, obviando por completo la dimensión humana de aquellos que ahora se reconocen como 'santos' -qué es un 'santo finalmente-? Es evidente que Planas pone en juego mucho más que simples representaciones religiosas, aludiendo directamente a ese aspecto impuro y contaminado -como diría Gustavo Buntinx- de múltiples procesos de modernidad superpuestos, vinculado directamente con una retórica migrante y provinciana que ya los ha hecho suyos, de formas distintas e incluso que algunos podrían considerar irreverentes -la estética 'chicha' de afiches que Planas presenta aluden directamente a ello, por ejemplo-. El conflicto para mí atraviesa claramente también una dimensión política y de clase, donde el dogmatismo occidentalista católico aburguesado no quiere verse tampoco demasiado 'mezclado' con una estética provinciana, que se podría considerar baja, pobre y chocante. Y claro, se trata de "guardar fidelidad" con las representaciones santas sin preguntarnos en lo más mínimo cómo se configuran tales representaciones en las distintas subjetividades. Aquí no existe únicamente un conflicto de legalidades incumplidas -aún cuando la dimensión policial del asunto ya esté desde allí presente-, sino de usos y formas 'adecuadas' de representar. Se trata, sutilmente, de poner a cada uno en 'su lugar', y a cada cosa donde 'se merece'.


[foto de Felipe Mayuri Poma]
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Más fotografías sobre la exposición en el blog El Arte Calato.

Otros bloggers han opinado así sobre el tema:

- Micromuseo Bitácora (de Gustavo Buntinx)
- Puénte Aéreo (de Gustavo Faverón)
- Escuela-de-mArte (de David Flores Hora)
- El Arte Calato (de Felipe Mayuri Poma)
- Palabras van y vienen (de María Isabel Guerra)
- Otras tardes (de Miguel Sánchez Flores)
- Zona de noticias (de Paolo de Lima)

"Intolerancia". El crítico Luis Lama sobre los incidentes y la censura

En su última columna Artes&ensartes de la revista Caretas, el crítico Luis Lama se pronuncia sobre la histigación religiosa y municipal, ahora devenida vergonzosa censura, contra la galería Vértice y la exposición de Cristina Planas. Reproduzco el fragmento del texto con su comentario.
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Intolerancia

Por Luis E. Lama

La muestra de Cristina Planas en Vértice ha originado un conflicto, porque no podemos evitar ser una provincia de los márgenes y escandalizarnos de aquello de lo que no debiéramos. Si creyera en Dios, diría que el cuerpo humano fue su hechura. Los católicos deberán pensar lo mismo, y siendo los santos en primer lugar seres humanos, no imagino las razones del escándalo. Lo verdaderamente obsceno es la avalancha de correos anónimos exigiendo que esta muestra se cancele. Entren a www.fatima.org.pe/contentid-232.html y verán de qué somos capaces en una sociedad escindida donde el oscurantismo intenta imponerse atropellando nuestra libertad de decisión.
Admitamos que lo de Cristina Planas pueda ser esperpéntico en el mejor sentido almodovariano, pero esa es una opción que no invalida la muestra ni justifica la censura, y si bien tengo algunos desacuerdos, basta ver los sillones de combi forrados como bandera peruana y las máscaras de oxígeno que caen del techo creando una perfecta metáfora de nuestra migración. Esa pieza por sí sola con el Cristo morado en el fondo, crea una muestra que permanecerá en la memoria.
Cristina Planas no trasgrede la moral ni las buenas costumbres, pero si viviéramos en un país respetuoso de los demás y practicáramos la tolerancia, se hubiera evitado este escándalo gratuito, porque todo artista tiene derecho a recurrir a íconos que no son exclusividad de la Iglesia Católica, sino de nuestra imaginería popular. Por esta razón allí no se encuentra sacrilegio alguno, más bien una simbiosis de la historia occidental con las manifestaciones populares del Perú contemporáneo. Sin duda, un poquito de blasfemia le hubiera añadido sazón… digamos que unas pepas de rocoto harían todo más provocativo, pero esas son decisiones de una artista valiente que expone en una galería y no ha tenido reparos en exhibir su propuesta. Son dos mujeres corajudas que merecen admiración.

"Otra estúpida, contraproducente censura". Gustavo Buntinx sobre la censura

El crítico Gustavo Buntinx se pronuncia en la bitácora de Micromuseo por la absurda e inconcebible censura por parte de la Municipalidad de San Isidro sobre la galería Vértice. Aquí pueden ver además el comunicado de la galería frente a este hecho denigrante.
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Otra estúpida, contraproducente censura

Escribo en la madrugada y casi dormido, ante la urgencia de no guardar silencio. La Municipalidad de San Isidro ha clausurado la Galería Vértice, donde culminaba ya la muestra en que Cristina Planas ensaya ciertas parodias de algunos íconos católicos (o casi: entre ellos se encuentra Sarita Colonia). Aunque la autoridad –llamémosla así– pretexta problemas de licencias, resulta flagrante la sumisión edil a imposiciones de minorías ínfimas y fanatizadas que con su intolerancia denigran a los propios valores religiosos que dicen defender.

Se trata, en realidad, de una comedia de equivocaciones donde todos pierden. Perdemos, claro, quienes aspirábamos a una discusión reflexiva y crítica de las obras en exposición, ahora imposibles de analizar desde otra perspectiva que no sea la de la ineludible lucha por la libertad de expresión. (Recuérdese el antecedente de otra pieza de Planas, retirada de la Bienal de Lima a fines de la década de 1990 por incluir una representación de Abimael Guzmán: un trabajo para siempre opacado por su circunstancia). Pero pierde también el concejo distrital al revelarse como un mecanismo represor al servicio de las ideologías más oscurantistas y trasnochadas. Y pierden los propios fundamentalistas, al dejar en evidencia cómo el único poder de sus creencias es el de la coerción.

Un poder contraproducente y estúpido: lo único que lograrán es la difusión mayor de aquello que intentan silenciar. Hasta el punto que los maliciosos querrán ver como ganadora única de esta batalla estéril a la artífice victimizada: en nuestra era tecnológica de la hipercomunicación, no hay consagración mayor que la de ser (inútilmente) censurad@. Sin embargo, es probable que no sea éste el tipo de éxito al que Planas aspira.

Quedan por lo menos dos preocupaciones finales. Por un lado, el destino puntual de la Galería Vértice, que en tan poco tiempo había logrado definir cierta refrescante línea de audacias críticas. Pero también el destino general de una escena crecientemente amenazada por arrebatos autoritarios que se creían derrotados tras la fuga de Fujimori y Montesinos. Recuérdese tan sólo la aún reciente censura de las caricaturas de Piero Quijano. Tiempos ominosos los nuestros.

(Gustavo Buntinx)