Vergonzosa, grosera y torpe censura de Fundación Telefónica a exposición de Eduardo Villanes

Reproduzco un post que ha publicado el artista peruano Eduardo Villanes en su blog en torno a una digamos peculiar, pero no por ellos menos triste y deplorable, (auto)censura de la institución Centro Fundación Telefónica de Lima que había invitado al artista para una exposición individual en la Sala Plasma. Una 'autocensura' que implicó el borrado del nombre de la institución (Fundación Telefónica), la dirección y los horarios de visita del catálogo impreso. El comentario de Villanes explica las razones de aquella decisión y su decisión comprensible de suspender la exposición. Tal actitud, por demás grosera y torpe, no sólo pone en serio entredicho la seriedad, responsabilidad y capacidad ética de tal institución para asumir las dimensiones críticas de la producción cultural, cuyo papel --de la producción artística, así como de toda manifestación estética-- es precisamente poner en agenda pública una serie de cuestiones que nos competen a todos como sociedad civil; sino adicionalmente deja en evidencia que para esta institución el responder a las lógicas e intereses corporativos ya impuestos son mucho más importantes que asumir su papel como mediador público de un debate tan urgente y necesario en el cual estamos todos involucrados. Es realmente lamentable y vergonzoso.
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Saturday, 19 June 2010

CENSURAN EXHIBICION EN FUNDACION TELEFONICA (LIMA)

El 10 de junio del 2010 se inauguró mi exhibición "La Extinción del Maíz" en la Sala Plasma de la Fundación Telefónica.

El catálogo de la exhibición llegó de imprenta recién la noche de la apertura. Para sorpresa de los asistentes, el catálogo no contenía ninguna información sobre la muestra: nombre de la sala, direccion ni horarios.

La historia que llevó a Telefónica a imprimir un catálogo anónimo es la siguiente: El 1ro de junio envié a Telefónica mi texto para el catálogo, recibiendo en respuesta un email solicitándome que retire la última frase, por considerarla peligrosa. Respondí que nó y sugerí que agreguen “Telefónica no comparte necesariamente las opiniones del artista” al final de mi texto.

Dos días antes de inaugurarse la exhibición me escribieron que mi texto finalmente recibió el visto bueno. Me enviaron la prueba de imprenta para mi aprobación.

El catálogo entregado por telefónica la noche de la inauguración era distinto a la prueba de imprenta. Mi texto estaba completo pero faltaba la información básica de la muestra. Recibí una llamada de Telefónica informándome que hubo una decision de ultimo minuto y el catálogo se entregaría únicamente en la galería, no sería difundido externamente, por ello borraron el nombre, ubicación de la sala y cualquier mención a Telefónica.

A raíz de esta censura les informé que cancelaba mi exhibición y retiraba las piezas. A continuación mi texto introductorio:

La Extinción del Maíz

Hay Quienes no Consideran a los Integrantes no Humanos de la Familia Planetaria como Formas de Vida Equivalentes a la Nuestra.

George Naytowhowcon vivió en una reservación india por dos décadas hasta que se mudó a un pueblo en el norte del estado de NY, donde lo conocí. Entre los temas de interés que compartimos están la textilería con chaquiras y la contaminación ambiental. Para dar una idea de la personalidad de George mencionaré que durante el derrame del petrolero Exxon Valdez, él fue a Alaska a bañar focas con un shampoo especial cuya formula inventó.

George me informó sobre varias formas de contaminación desconocidas para mí. En nuestras caminatas por el campo acostumbra señalar en el cielo ciertas estelas sospechosas, algo distintas a las que dejan los jets; en realidad son químicos rociados para manipular el clima del planeta, aquí los llaman chemtrails. En estas conversaciones también me enteré, por primera vez, sobre el tema de la contaminación transgénica que afecta al maíz y otras plantas. A partir de entonces tuve la idea de dedicar mi textilería con chaquiras a la reproducción y almacenamiento de códigos genéticos.

George ha llegado a la terrible conclusión que la contaminación no es un hecho accidental, sino que es un acto deliberado. Existe el plan de contaminar la naturaleza hasta destruirla y luego sustituirla con formas de vida artificial de propiedad de las multinacionales, como los transgénicos, por ejemplo.

George me presto un ejemplar del libro “Otros Concilios De Fuego Hubo Aquí Antes Que El Nuestro” de Twyla Nitsch, shamán de la reservación india donde él vivió. “Hay quienes no consideran a los integrantes no humanos de la familia planetaria como formas de vida equivalentes a la nuestra” es una frase que encontré en este libro, hace referencia a la arrogancia que no nos permite comunicarnos con los lenguajes empleados por nuestras contrapartes planetarias.

Al leer a Twyla me sorprendió encontrar varias referencias al ADN, como en el siguiente pasaje sobre el origen de la Tierra: “Un Gran Misterio habló a nuestros corazones y decretó que la Tierra sería la madre de incontables formas de vida que se manifestarían físicamente cuando les llegara su momento…Cada una de las combinaciones de luces coloreadas que habitan en el interior del cuerpo de la Tierra, son futuras manifestaciones que viven como pensamientos, hasta el tiempo de su nacimiento a la fisicalidad.”

Prefiero esta definición del ADN a aquella que usa la ciencia y las multinacionales que actualmente la financian. Me gusta pensar que fui creado a partir de instrucciones almacenadas dentro de una clave de espectros de luz, y no dentro de algo parecido al software de una computadora.

Thomas, un amigo que me presentó George, fue asesinado el año pasado por oponerse a la introducción de una empresa de casinos en su reservación, historia parecida a lo que sucede en la selva peruana. George dice que si un día vienen por él, no se dejará llevar, los esperará con la escopeta cargada.

Eduardo Villanes, 2010

catálogo

prueba de imprenta

Vista de la Sala Plasma durante el montaje de "La Extinción del Maíz"

www.eduardovillanes.com

Convocatoria. Centro Abierto 09. Intervenciones de sitio específico en el Centro Histórico de Lima

Reproduzco la convocatoria Centro Abierto 09, lanzada por ATA, Centro Fundación Telefónica y el Museo de Arte de Lima (MALI) para intervenciones en el centro histórico de Lima, para artistas locales e internacionales.
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Mañana: Animal Collective en concierto gratuito, en el auditorio de Centro Fundación Telefónica

Mañana es el esperadísimo concierto de Animal Collective en Lima, en el Centro Fundación Telefónica. Un concierto gratuito que dará por finalizada la gira latinoamericana del grupo, presentando su último disco "Strawberry Jam", el cual ha sido aclamado -con méritos de sobra- como uno de los mejores discos de rock independiente del año pasado.

Nuevamente el Centro Fundación Telefónica acoge a grupos que difícilmente circularían por otros espacios locales. Me lamento no estar allí porque si bien se podrá ver a Animal Collective en cualquier otra parte del mundo no es igual verlo con tus amigos, que de paso son los necios artífices de que sigan pasando estas cosas por Lima (son un éxito!). Reforzando indirectamente, y una vez, la importancia de un proyecto como La Sonoteca, impulsada desde un inicio por Luis Alvarado y el CFT: un archivo y espacio de difusión y conciertos para proyectos de musical experimental y sonido multidisciplinar. Así que realmente espero que, los que puedan, no se pierdan el concierto!

La web del Centro Fundación Telefónica ha armado una sección especial sobre Animal Collective donde podrán leer una entrevista especialmente hecha a propósito de su visita a Lima, y de los comentarios que tuvieron luego que el grupo de rock noise Black Dice pasara por el mismo auditorio hace ¿dos? años en un concierto -en mi memoria corporal, al menos- histórico, en el marco del Festival VIBRA. Este viernes además se ha programado un conversatorio con los cuatro integrantes del grupo (el cantante Avey Tare, el guitarrista Deakin, el tecladista Geologist y el percusionista Panda Bear) en el local de Fundación Telefónica, desde las 19:00 horas.

Y para ir calentando aprovecho para dejarlos con dos videos (uno en vivo!) y con un buen fragmento de una entrevista, que recojo hoy del portal español de crítica SalonKritik.
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Animal Collective - Peacebone



Animal Collective - Fireworks (live en Londres)



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Animal Collective: Una arqueología indómita de los sentidos - Andrés Acevedo

Originalmente en super/45

Para Avey Tare, frontman del colectivo animal, sería muy bueno que sus discos pudieran ser apreciados desde todos los ángulos: drogas, punks, intelectuales, espiritualistas. Lo cierto es que su generosa discografía permite esos puntos de entrada y otros más, que desentrañamos en esta locuaz entrevista.

Animal Collective es uno de esos grupos infinitos, en los que da gusto perderse. De recorrido insondable (amigos desde inicios de los 90s, de la época escolar en Baltimore, separados y reunidos nuevamente al despuntar este nuevo milenio), han hecho de sus cruces y derivaciones un encuentro más allá del espacio y el tiempo. Su potente imaginario, también bajo el paraguas de sus proyectos paralelos (Jane, Panda Bear, Terrestrial Tones), recorre lugares pretéritos y futuros, como si de un prisma abierto se tratase. Es en vivo donde Animal Collective ha unificado todos los trazos de su discografía: sus conciertos son una experiencia unificadora, donde ligan una canción con otra para no romper el flujo orgánico al tocar, dejando que muten entre escenario y escenario y, sobre todo, emocionando con una puesta escena rotunda, apuntalada con cuatro músicos que cumplen con devoción su función en el colectivo.

Repartidos entre Portugal y Estados Unidos, Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), Geologist (Brian Witz) y Deaken (Conrad Deaken) siguen engrosando su discografía. Han editado fundamentalmente seis larga duración, desde el misterioso Spirit they’re gone, they’ve vanished (de su propio sello Animal, 2000) hasta el reciente Feels (Fat Cat, 2005). Más allá del cliché, es necesario recalcar que ningún disco suena como el anterior: asombrosos y marginales en Here’s comes the indian (Paw Tracks, 2003) y Campfire songs (Catsup Plate, 2003), polos reveladores de su actitud punk, o exquisitamente producidos con su propio lenguaje mestizo en Sung tongs (Fat Cat, 2004).

Tres de sus cuatro integrantes conversaron con nosotros a través del correo electrónico en esta sincera entrevista, arqueología de los múltiples sonidos que han dejado flotando en estos años.

—¿Qué están haciendo estos días como Animal Collective? ¿Nuevas grabaciones?
Geologist: Sí, tenemos una apreciable cantidad de nuevo material que hemos estado tocando en vivo por seis o siete meses. Seguiremos trabajando en él y entonces encontraremos, es de esperar, la manera de convertirlo en un nuevo álbum que nos tiene muy excitados.

—En estos seis años se han tomado su tiempo para grabar una gran cantidad de álbums bajo Animal Collective o sus proyectos paralelos, y creo que siempre es necesario escucharlos cuidadosamente para descubrir nuevos matices. ¿Cómo se escuchan a ustedes mismos? ¿Es un tanto vertiginoso?
Geologist: No escucho nuestra música muy seguido. Tenemos que escucharla tantas veces mientras creamos que toma tiempo, para mí, separar la experiencia de escuchar música de la de hacer música.

—Su historia musical de influencias juega con tendencias folk como The Holy Modal Rounders, una aproximación amplia a la world music, el krautrock, el tecno alemán, el soul de Mercury Rev, la extravagancia de amigos como Gang Gang Dance y Black Dice, y así… Peculiarmente, escuchamos esas bandas en ustedes, pero es bastante lejos de ser una simple copia. ¿Cómo calzan las viejas y nuevas influencias en su estilo?
Geologist: Realmente no lo sé. Nunca hemos pretendido copiar a ninguna de nuestras influencias o fuentes de inspiración, ni pensamos cómo hacer que calcen estas distintas bandas en un todo. Queremos ser una banda muy novedosa en el sentido de que somos cuatro tipos viviendo ahora mismo, haciendo música ahora mismo influenciada por nuestras vidas en este punto exacto y por nuestras esperanzas en el futuro.
Avey: Creo que cada cosa que tocas y saboreas y oyes y ves simplemente se vuelve algo natural a través de tu vida. Entonces parece como si fuera una experiencia positiva, o incluso si es una experiencia negativa escapa de tí de alguna manera, en distintos lugares. Nosotros no filtramos a través de los grupos que tú hablas. A veces pienso que sencillamente dejamos salir nuestras influencias, fusionadas en conjunto, y creo que es bueno para nosotros. Muchos músicos tienen una relación muy verbal en el modo en que se conectan con otra música, incluso con la propia; nosotros no tratamos de verbalizar para nada, a excepción de cuando tocamos algo que no nos gusta o cuando trata de sonidos demasiado específicos. En lo posible, exploramos y tenemos el más mínimo control del alma de nuestras canciones.

—Han grabado en distintos lugares, desde estudios profesionales a caseros. La última vez lo hicieron en Seattle, en la iglesia que Scott Colburn (Sun City Girls, Arcade Fire) convirtió en un estudio. ¿Cómo eligen los lugares para grabar? ¿Qué influencia tienen esos lugares sobre ustedes?
Geologist: El lugar de grabación es importante pero no creo que tengamos una fórmula para elegirlos. Gran parte de ello tiene que ver con encontrar un estudio que se acomode a nuestros requerimientos técnicos, y si puede ser en un lugar agradable que nos regale una nueva fuente de inspiración, también es grandioso.
Avey: Muchos de nuestros discos han sido grabados en Maryland pues no teníamos dinero para entrar en un estudio, pero además porque disfrutamos grabar tanto como tocar, entonces ¿por qué no grabar donde tocas bien? Creo que apreciamos tener el máximo control sobre el proceso de grabación, pero también es bueno trabajar con personas en quienes confías y dejar que ellos tomen el control algunas veces. Es genial encontrar gente con otro tipo de oído interesante, distinto al nuestro.

—Están repartidos por todo el mundo. ¿Les resulta difícil juntarse para grabar?
Geologist: Es difícil, pero no tanto como podría creerse. Estar tan repartidos nos hace ir más lento y nos limita de hacer ciertas cosas. Pero, por otro lado, es muy positivo, porque nos mantiene entusiasmados para vernos unos a otros y volver a tocar juntos.

—Es fácil para algunos críticos decir que Here comes the indian es su álbum punk y que Feels es su álbum pop. Por otro lado, es muy común leer que ustedes son tipos freaks metidos en drogas o experiencias corrosivas. ¿Una concepción errada o un vistazo simple de su arte?
Geologist: Ummm, un poquito de ambas cosas…
Avey: Sería bueno que nuestros discos pudieran ser apreciados desde todos los ángulos: drogas, punks, intelectuales, espiritualistas. Pero sí, tal como dice Brian, un poco de ambas cosas influyen en que se hable así de nosotros la mayor parte del tiempo.

—En el sitio web de Paw Tracks dice: “Animal Collective está creando la nueva música espiritual del siglo veintiuno”. ¿Este tipo de frases desconcentran su atención o los estimulan a seguir adelante?
Geologist: Personalmente, no tomo en cuenta nada de eso. Frases como ésas han sido escritas en hojas de prensa con el fin de que la música sea distribuida y comentada. No es parte de nuestro negocio. En términos musicales, no me interesa cumplir las expectativas de nadie excepto de nosotros mismos.
Avey: Sí, en mayor o menor medida no nos sentimos representados por lo que se escribe de nosotros; creo que otras personas lo hacen. Honestamente, nos cuesta bastante describir nuestro sonido. Simplemente tocamos.

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—La primera vez que me expuse a su música me sentí confundido, estimulado y excitado al mismo tiempo. ¿Qué otros comentarios positivos o negativos han recibido de sus audiencias?
Geologist: Extremos en ambos sentidos. Nos han lanzado cosas y todo el mundo se ha ido de nuestros shows, y hemos tenido mucha gente danzando y pasándolo muy bien. El resto de los integrantes recuerdan mejor que yo estas historias…

—Pienso que logran la toma final de sus canciones después de muchos viajes y cambios naturales que se dan en los shows en vivo. Debido a que siempre trabajan dejando salir sus emociones, deben perderse para encontrarse en un rincón mejor, ajeno: una experiencia de alter ego. ¿A veces se sienten sobrepasados por sus emociones?
Avey: Creo que es una experiencia muy importante para mí en este punto. Pienso que es una de las pocas veces en que puedo vivir un profundo desinterés.
Geologist: Sí, yo también me siento sobrepasado, pero no de un modo negativo. Cuando me veo sobrepasado en el escenario, suele ser un sentimiento muy orgánico, muy bueno.

—¿Qué sucede actualmente en Animal Collective con las texturas más ruidosas y oscuras de bandas como Wolf Eyes? Here comes the indian y, en menor grado, Dansee manatee se relacionaban con ese acercamiento musical más duro, pero ustedes siempre se refieren al primero como una experiencia sufrida y evasiva, y el complejo asalto de sonido de Dansee manatee fue dejado atrás después de álbums como Campfire songs…
Avey: Recuerdo que estaba muy motivado en joder a todos con intensas frecuencias en Danse manatee en una dirección que era siempre muy lúdica para nosotros… pero no para muchas personas. Creo que es uno de mis discos favoritos entre los nuestros. Todas esas canciones fueron compuestas y resueltas realmente. Por otro lado, el estilo de Here comes the indian tan sólo salió de nosotros en un período particularmente oscuro de nuestras vidas. Más que nada, fue un experimento de nosotros cuatro tocando juntos por primera vez en bastante tiempo. Pienso que seguimos aproximándonos a todos nuestros discos de un modo sónico tan sólo con distintos énfasis sonoros.

—Hay dos canciones amorosas de las que me gustaría hablar. La primera, ‘Banshee beat’, que se despliega libremente con una emoción genuina de suave tristeza, como el momento de calma tras un llanto necesario, con una actitud de agradecimiento feliz. Cuéntenme cómo nació esa canción. Pareciera que estaban mirando alrededor suyo y, de repente, engancharon una bella melodía…
Avey: Nació de modo similar a todas las melodías que escribo: sólo vienen a mí en mi cabeza. Originalmente escribí la canción en una rítmica muy fracturada, pero en un ensayo empezamos mágicamente a tocar en el ritmo de la canción. Fue como si todos entrásemos en esta habitación uno tras otro después de haber tomado un receso, y la canción empezó con cada persona que añadía algo cuando entraba en la habitación. Nunca lo olvidaré. Creo que es la única canción que he escrito en que la gente, asombrosamente, logró captar lo que estaba tratando de transmitir emocionalmente. Muchos amigos míos y otras personas que me he topado han dicho que esa canción los ayudó en una separación amorosa por la que estaba pasando. Para mí es muy extraño cuánta gente ha coincidido con esto. Y sí, es totalmente una canción de separación, pero una positiva. Es como esa dulce tristeza que emociona tan fácilmente. Es como intercambiar un viejo amor por uno nuevo. Lo que, en un vistazo, parece muy triste, pero en muchos otros se siente muy bien. Sí, es sobre encontrar tranquilidad en la tristeza además de comentar cuán dulce puede ser nadar.

—La segunda: es muy divertido cuando escucho ‘Winter’s love’. No entiendo muy bien qué dice la letra –podría leerla, pero no es lo mismo– y, de todas formas, empiezo a canturrear en solitario como un niño bobo. Es una canción muy acogedora, y una perfecta introducción a sus raíces, como The Beach Boys. ¿Siguen escuchándolos? ¿Cuán importante es esta banda para ustedes?
Avey: Me gustan mucho The Beach Boys y, definitivamente, he seguido escuchándolos y descubriendo muchos de sus discos más tardíos, como Friends, Wildhoney y 20/20. Pero la música vocal nos ha influido desde todos lados, desde muchas y distintas épocas. Actualmente, pienso que si ‘Winter’s love’ está influenciada por algo es por las armonías vocales tahitianas o algún tipo de armonía isleña y no The Beach Boys. Noah y yo hemos ido a muchos lugares bellos en nuestras vidas, y queríamos escribir una canción de amor de invierno. Pero simplemente tiene que ver más con una completa dicha para mí.

—Campfire songs es un álbum muy bello, como si las canciones hubieran nacido naturalmente en aquel lugar con un sonido final muy fluido y simple. ¿Harían algo así nuevamente? ¿Qué fue lo mejor de tocar así?
Avey: Fue bueno liberarnos de tener que usar un montón de amplificadores y ser simplemente capaces de sentarnos en un departamento y tocar y seguir tocando y tocando. En cierta forma muchas de nuestras performances en vivo son similares a ese estilo continuo de tocar; tan sólo la música cambia y ahora es más potente. Estoy seguro de que si tuviésemos a mano el grupo adecuado de canciones podríamos hacer un segundo Campfire songs, porque una forma de verlo es como una banda separada de Animal Collective, pero es difícil imaginarlo como algo único a estas alturas.

—Muchas de sus canciones tienen una conexión oriental. ¿Han vivido experiencias de meditación o algo similar? ¿Cuán importante es alcanzar un trance en sus canciones?
Geologist: Sí, todos hemos hecho meditación y ejercicios de respiración. No sé cuán concreta es la conexión con el elemento trance en nuestra música, pero de seguro está trabajada en esa orientación.

—Por otro lado, sus canciones trabajan atmósferas tribales y mitológicas. Eléctricas o no, hay una obsesión ancestral que se puede tornar maníaca en sus apasionados shows. ¿Cuál es el origen de ese movimiento ritual en ustedes? ¿Es algo que viven desde el colegio?
Geologist: Tocar en vivo ha sido siempre extremadamente divertido para nosotros, desde que éramos adolescentes. Parte de eso es ritualístico, pero es así para nosotros, es totalmente personal. No estamos adoptando ninguna práctica específica de otras culturas para incorporarla en nuestra música o en nuestras performances. Al parecer sucede naturalmente.
Avey: Creo que tenemos esa conexión y que cualquier tipo de actitud puede ocurrir en relación a nuestros shows, y de algún modo involucra estar chillando y gritando y golpeando cosas cuando eso se siente bien… lo que puede ser en cualquier momento. Nunca hemos querido que nuestros shows estén regidos por el patrón “tocar una canción, parar, tocar una canción”. Para otras personas pareciera ser tribal, pero nosotros estamos siendo realmente libres al expresarnos.

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Mañana: Arte para desaprender en el Centro Fundación Telefónica

Mañana también, martes 9 de setiembre a las 6 pm, en el Centro Fundación Telefónica, el curador y crítico Max Hernández Calvo estará dando la conferencia Arte para desaprender: Marcos pedagógicos, procesos de legitimación, posibilidades críticas. Creo además que la discusión atraviesa transversalmente algunos de los debates suscitados en todos estos meses vinculados a temas como educación, museos, instituciones, el rol de los agentes del arte, su dimensión pública y su inscripción crítica.

Copio tres párrafos de los circulados en la nota de la conferencia.

"El tramado institucional aquí es también político, pues el derecho universal al arte es indisociable de la educación. Hacer valedero dicho derecho supone facilitar la adquisición de herramientas conceptuales—un léxico, un marco arte-histórico—para posibilitar la constitución de una audiencia y su auto-identificación.

Dicha identidad institucional, “audiencia-artística”, se define en base a un sostenido involucramiento crítico con el arte. Una plataforma pedagógica para una audiencia debe, más aún, pautar su responsabilidad de auto-aprendizaje sobre arte.

Dado que la capacidad crítica es un marcador de una “audiencia artística”, dicha capacidad debe entenderse como potencialmente capaz de cuestionar el marco mismo de legitimación institucional. Aquí radica toda verdadera posibilidad de re-configuración institucional, de transformación de una escena artística. He aquí el imperativo ético y político del establecimiento de un marco pedagógico del arte: si el arte está relacionado con la libertad (como la libertad de expresión), esta atañe a artistas y espectadores por igual, libertad que ha de ser ejercitada a través de la discusión, que sólo será inclusiva mediante de la difusión de los discursos del arte."

Max Hernández Calvo

PLASMA en vivo!!

Nos colgamos de la transmisión del blog de PLASMA para que se pueda ver en vivo desde aquí. Copio abajo el programa de lo que viene el día de hoy, y si quieren ver el cronograma completo pulsar aquí.


Viernes 5 de Septiembre, 2008
Dia 3 /// Nuevos frentes / Redes / Distribuciones

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Lugar > Centro Fundación Telefónica (10am-5pm)

10:00 /// Nuevos Diseños e Ingenierías Mediales
Pierre Emile Vandoorne /// La evolución de la visión y las máquinas mentales: acerca del cine cibernético
Lila Pagola / Argentina /// Evolución de las Jornadas de arte y medios digitales: el formato de un evento como diseño de contenidos y efectos
Enrique Mayorga /// A/V - Automático Versátil: Experiencias, conclusiones y perspectivas
Karla Villegas / México /// Del tránsito y la frontera a la autonomía del desacuerdo: aproximaciones a las artes electrónicas en México
Guillermo Quiroz (Casa Cultural Martín Olivos) /// Imaginarios de Identidad en Lima Norte y Nuevos Medios
Mauricio Delfin /// Festival VAE 11 - Orgánica/Sistémica

12:00 /// Diseño de estrategia para grupos libres
Identificación de Intereses y Objetivos Comunes

13:00 - 14:00 /// Pausa

14:00 /// Introducción a dinámicas grupales
Procesos / Recursos <>

17:15 /// Pausa

Lugar > Centro Cultural de España
18:00 /// Plenaria 03 /// Conclusiones y cabos sueltos
Grupos (re-presentante) /// Algunas nuevas ideas
Facilitadores (re-presentante) /// Comentarios
Organizadores /// Siguientes Pasos /// Publicación PLASMA (Marzo 2009)

Marcos pedagógicos, procesos de legitimación, posibilidades críticas

Además de recordar que hoy es el conversatorio en torno a la exposición Disgregar la escena, y que mañana comienza PLASMA, cuelgo otra convocatoria para una conferencia próxima de Max Hernández Calvo en el Centro Fundación Telefónica, bajo el título de Arte para desaprender: Marcos pedagógicos, procesos de legitimación, posibilidades críticas. Max Hernández Calvo es artista visual y es Master in Curatorial Studies, por el Center for Curatorial Studies, Bard College, y actual Director de Educación para el Dia Art Foundation, NY.

Pero al margen de tales títulos, que son menos que referenciales, valga ver la sumilla de ideas a discutir donde se entrecruzan los temas de construcción de públicos vinculados a la educación crítica desde el arte. ¿Es posible construir marcos de aprendizaje colectivo que permitan generar un reconocimiento público del papel político del arte? ¿En qué medida se puede pensar el arte como un espacio de socialización de herramientas críticas? ¿Cómo construir esos espacios y a aquellas audiencias?

Reproduzco completo el programa que se me envía.
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Arte para desaprender:
Marcos pedagógicos, procesos de legitimación, posibilidades críticas
A cargo de Max Hernández-Calvo
Martes 9 de septiembre a las 6pm

Inscripciones hasta el 3 de septiembre en la pagina web
http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/act_01.asp

Objetivos
Esta charla, dirigida a profesionales del campo artístico, se centra en la confluencia de procesos institucionales, presupuestos pedagógicos y exigencias políticas propias del arte.
El objetivo es fomentar un debate y una comprensión de las implicaciones de dichas confluencias, en el que el se ponga en cuestión las posturas tradicionales sobre los roles de los distintos agentes del ámbito artístico, con miras a trazar un horizonte en el cual se puedan redefinir las posibilidades de intervención y transformación del escenario artístico local.

Sinopsis
Toda práctica expositiva demanda tácitamente una respuesta de su público. Más aún, la posibilidad misma del arte está predicada sobre la existencia de una audiencia (garante de su sostenibilidad y preservación). En su respuesta, el público valida una exhibición, mientras que la muestra valida al público en su tácita convocatoria: audiencia y exposición se legitiman institucionalmente de forma mutua. Pero este escenario presupone una audiencia involucrada e informada: una audiencia artística, la que debe ser constituida.

Dado que, en el arte contemporáneo, ser espectador va más allá del registro visual, esta tácita demanda pedagógica—inherente a la constitución de una audiencia—se enfrenta al reto de que el valor educativo del arte no es auto-evidente. Se requiere, por lo tanto, establecer un marco educativo (no necesariamente burocratizado). Esta es la forma que adquiriría el asumir responsabilidad con el arte y con el público.

El tramado institucional aquí es también político, pues el derecho universal al arte es indisociable de la educación. Hacer valedero dicho derecho supone facilitar la adquisición de herramientas conceptuales—un léxico, un marco arte-histórico—para posibilitar la constitución de una audiencia y su auto-identificación.

Dicha identidad institucional, “audiencia-artística”, se define en base a un sostenido involucramiento crítico con el arte. Una plataforma pedagógica para una audiencia debe, más aún, pautar su responsabilidad de auto-aprendizaje sobre arte.

Dado que la capacidad crítica es un marcador de una “audiencia artística”, dicha capacidad debe entenderse como potencialmente capaz de cuestionar el marco mismo de legitimación institucional. Aquí radica toda verdadera posibilidad de re-configuración institucional, de transformación de una escena artística. He aquí el imperativo ético y político del establecimiento de un marco pedagógico del arte: si el arte está relacionado con la libertad (como la libertad de expresión), esta atañe a artistas y espectadores por igual, libertad que ha de ser ejercitada a través de la discusión, que sólo será inclusiva mediante de la difusión de los discursos del arte.

Mañana visita guiada de Alfredo Márquez de la exposición Tener Lugar en el Centro Fundación Telefónica

La visita guiada de Alfredo Márquez a la exposición Tener Lugar [experiencia, acontecimiento, posibilidad], cancelada anteriormente por motivos de fuerza mayor, se hará mañana sábado 16 de agosto a las 5 pm.
La exposición Tener Lugar ofrece una mirada del arte local desde 1995 en adelante, reuniendo alrededor de 30 obras de arte contemporáneo de la colección del Museo de Arte de Lima y de colecciones privadas. Curada por Sharon Lerner y Miguel López, esta exposición ha sido comisionada por el MALI en el marco del programa 'Arte para Aprender' del Museo en convenio con Fundación Telefónica. La exposición cierra este 31 de agosto.


[imagen: Gilda Mantilla, Cuestionario, vinyl sobre pared, fichas y lapices de colores, 2004/2008]

Dos blogs / Visita guiada de Alfredo Márquez

El Centro Fundación Telefónica me avisa de la apertura de dos blogs.

Un blog especializado en nuevos medios.

Y un blog de la exposición Tener Lugar [Experiencia, acontecimiento, posibilidad], que estoy co-curando junto con Sharon Lerner y que estará en las salas de Telefónica hasta el 31 de agosto. Se ha colgado una entrevista con Christians Luna y algunas de las respuestas de la obra Cuestionario de Gilda Mantilla.

Y aprovecho para anunciar que precisamente hoy sábado 19 de julio a las 5 pm el artista Alfredo Márquez estará dando una visita guiada de la exposición. Márquez tiene dos obras en la exposición: Chinachola (2006) y Katatay (Reconstrucción 2007), ambas piezas de la colección del Museo de Arte de Lima, cuyas imágenes pongo a continuación.

Mañana inauguración del proyecto Sonoteca en Fundación Telefónica

La Sonoteca es un proyecto de archivo y documentación de música electrónica y música experimental peruana, tiene como finalidad poner al alcance del público información sobre sus orígenes, su desarrollo y actualidad. La Sonoteca será actualizada periódicamente, ampliando sus contenidos y sirviendo de plataforma para la realización de proyectos y eventos, dejando abierta la convocatoria a todos los artistas peruanos relacionados con la música electrónica y música experimental para que hagan llegar información sobre sus trabajos y proyectos.

web sonoteca:
http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/sonoteca/sonoteca.html

Concepto y realización:
CENTRO FUNDACION TELEFONICA
Investigación y Curaduria
LUIS ALVARADO

Sonoteca en el Centro Fundación Telefónica

Cumplo con difundir la información que mi amigo Luis Alvarado me hace llegar vía mail.

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Hola a todos

Les escribo para avisarles que estoy trabajando en un proyecto con Telefonica que consiste en la construccion de un archivo de musica electronica y musica experimental peruana. La idea es poder documentar todos los proyectos, artistas y compositores que hayan realizado dichas innovaciones musicales en nuestro medio (desde los 60s hasta ahorita) con el fin de poner ese trabajo accesible al publico. La Sonoteca consistira en un archivo fisico, es decir la mayor cantidad de cds con dicha musica disponibles para el publico asistente al Centro Fundacion Telefonica, asi como unas estaciones o modulos de audio que tocaran dicha musica permanentemente. Y tambien contara con una pagina en internet en donde se publicara informacion de cada proyecto (una biografia, imagenes y subiremos un tema por cada proyecto, artista o compositor) de modo que se pueda tener un panorama de como ha ido evolucionando la musica electronica y la musica experimental en el Peru, en todas sus variantes, tanto la que viene de la musica electroacustica, como el techno, el pop electronico, como del noise, el jazz, la improvisacion, etc.

Para poder tener un archivo realmente solido es necesaria la ayuda de ustedes haciendonos llegar material e informacion sobre cada uno y si es posible sobre algun otro proyecto que conozcan (si guardan demos o cosas asi de proyectos antiguos se agradeceria no los presten para digitalizarlos). La idea es que sea lo mas completa posible. les dejo abajo un link con mas informacion sobre la Sonoteca. la idea es que se inaugure en Julio proximo. Bueno, espero su colaboracion, por favor reenvien este correo a todas las personas que les pueda interesar.


Atte
Luis

http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/especiales/sonoteca.html