Crecimiento vital

El día de ayer el diario Perú21 publicó un muy corto comentario del crítico Emilio Tarazona sobre el año que pasó en materia de artes visuales. Creo que sí conviene pensar sobre lo que ha sucedido ya que, al parecer, ha sido un año donde se han consolidado grandes cosas pero al mismo se ha mostrado el punto más débil y delicado de muchas otras. Incluso pensaría que este fin de año de exposiciones en galerías resulta bastante decepcionante -salvo por algunas excepciones-. Espero pronto sentarme a soltar algunas ideas al respecto. Copio íntegro el comentario de Tarazona.
..............


Crecimiento vital
por Emilio Tarazona

En 2007 han surgido muchas ideas y nuevas perspectivas en nuestra escena, pero en direcciones múltiples y no necesariamente compatibles. Destacaría la presencia de Tony Cragg y la muestra dedicada a Anni y a Josef Albers, entre las exposiciones que nos han visitado, así como la exhibición de adquisiciones y donaciones, todas estas en el Museo de Arte de Lima (MALI).

Aun cuando me vea involucrado en ella, señalo también la muestra titulada La persistencia de lo efímero, en el Centro Cultural de España, entre marzo y abril: el primer recorrido visualmente documentado por el primer no-objetualismo peruano de los años 60 y 70. Entre las muestras individuales: XXXIII, de Christian Bendayán, en Arequipa y en la Sala Luis Miró Quesada, así como la exposición Solo para I(nn)iciados, de Alfredo Márquez, en la galería 80m2. De las colectivas me quedo con la exposición documental de El Codo, colectivo de arte callejero, en el Peruano Británico.

Los Portafolios, en La Culpable, se han hecho una plataforma singular para presentar o ventilar la actividad de muchos artistas locales a ojos y juicio del público. A pesar de esta experiencia, el año que acaba nos propone consolidar espacios no solo expositivos (como ocurrió en 2006) sino reflexivos, abiertos al diálogo y a la crítica. Con desiguales alcances, algunas publicaciones anuncian esta vía mostrando un amplio abanico de enfoques (Illapa nº4, o Artmotiv y Juanacha).

Salvo la muestra curada por Rodrigo Quijano para el MALI (Popular/pop), la secuencia expositiva de Coca, Velaochaga y la dupla Andrade y Macchiavello, en la galería Vértice, acusa que la tendencia ha llegado a aguas mansas, por no decir simpáticas y complacientes.

La censura sobre la muestra de Piero Quijano expuso que el veto es una estrategia para silenciar la opinión en lo que a cultura se refiere. Finalmente, adquiere velocidad una carrera de museos de arte contemporáneo (MAC Lima, MALI contemporáneo y Micromuseo). El resultado apunta a afirmar un interés por el arte de la mano con el auge de un mercado con muchos nortes.

El Ojo Atómico cierra

Viernes 21 de diciembre

El OJO ATÓMICO CIERRA

Tras cinco largos y apasionantes años de trabajo en la nave de la calle Mantuano, hemos decidido cerrar el local y emprender una nueva etapa del Ojo Atómico.

La hostilidad del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, una encubierta y la otra abierta, pero igual de implacables, y la ausencia de diálogo con el Ministerio de Cultura, nos empujan al cierre, al igual que a otros espacios independientes, desaparecidos en los últimos meses. Podríamos resistir, pero ya hemos entrado en una fase de desgaste, y creemos más prudente un cambio de estrategia que el enrocamiento en posturas insostenibles a medio plazo. Han ganado ellos, al menos esta batalla que se inició en 2002 con la apertura de 29 Enchufes. Por primera vez llegó a haber una escena alternativa de arte en Madrid, caracterizada sobre todo por el afán de apertura al exterior. Basta ver los programas que han realizado 29 Enchufes, Liquidación Total y el Ojo Atómico, entre otros, para constatar la internacionalización que hemos llegado a alcanzar, y que sólo puede tener continuidad en nuestros previsibles, o ya consumados, exilios.

No voy a disimular el mal sabor de boca que siento, porque seremos otra generación perdida, y como dije hace un año, para mí es la última. Mi edad, 45, y mis aspiraciones me empujan a centrarme en proyectos más institucionales, donde pueda disponer de los recursos que hasta ahora no he tenido. Dejamos atrás un excelente trabajo que ya está siendo olvidado. Hace una semana oía decir a un conocido historiador de arte que la escena de arte político de Madrid acabó en 2001. ¿Debo responder algo? ¿Explicar a estas alturas qué es arte y qué es política? ¡Qué nos olviden! Madrid no parece necesitar arte, sino obras públicas, munipas y olimpiadas.

Uno de nuestros objetivos fracasados en esta etapa ha sido conseguir un marco legal de apoyo a la creación en Madrid. En el frustrado Manifiesto de los Agentes Artísticos de Madrid (www.ojoatomico.com/comunicados/documento4.html) describimos con todo detalle la situación que viven los creadores y los gestores independientes de esta ciudad. El texto era tan acertado que una esbirra de Carlos Baztán me llamó al móvil para pedirme que no publicaramos más manifiestos. si es que queríamos mantener el "diálogo". Fue ese el día que decidí, personalmente, tirar la toalla, y renunciar a un "diálogo" imposible. Y de la CAM para qué hablar; yo, por eso del quid pro quo, les he puesto en mi lista negra. Es significatico que sólo AVAM y la Unión escribiesen un texto de apoyo a nuestra pretensión básica, un marco legal que regule el apoyo al arte con dinero público, y que tanto ADACE como el Consejo de la Crítica ni se dignasen a contestar. Quizás pensaron que esto es mezclar arte con política, o, como me dijo una alta carga del Matadero, que los que estamos fuera de las instituciones tenemos que "aprender a conformarnos".
Es todavía más lamentable que hoy, como en 1991, cuando abrí mi primera sala de exposiciones, el único lugar de Madrid adonde un artista puede dirigirse para empezar una carrera coherente sea la terminal de salidas internacionales de Barajas. Pero ahora el mundo es mucho más pequeño, y nada puede ocultar el ridículo de sus políticas culturales, de las noches en blanco, los mataderos, los madriles abiertos, los homenajes a la movida y de tantos centros de arte desorientados, sin contenidos y ahítos de buen rollito parroquial.

Nosotros cerramos, contentos de lo mucho que hemos podido dar, y de lo mucho que hemos recibido. Gracias a los que de una u otra manera habéis estado con nosotros y a los artistas que desinteresadamente han venido de diferentes partes del mundo a colaborar con este proyecto.
El viernes 21 consumamos el cierre, a partir de las 20 horas. Os invitamos a participar en una acción con Javier Pérez Aranda, que transformará en un mueble la conocida instalación que ha ocupado el altillo durante los últimos años, para después depositarla en los lugares indicados por el ayuntamiento para tal fin, y aprovechando que el 21 es el día designado para esto en Prosperidad. Regalaremos lo que nos sobre, pero no habrá bar, así que el que quiera puede traerse su propia bebida (bueno, nos quedan unas cajas de tequila). Se recomienda ropa de abrigo.

Diciembre 2007


El Ojo Atómico
ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
C/. Mantuano 25, local
28002 Madrid
tel: 91 415 22 91
www.ojoatomico.com

El debate gana espacio en el MACBA

Novedades importantes en el MACBA: acaba de abrir al público el nuevo edificio del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona-MACBA inaugurado hace pocos días. Este nuevo espacio estará destinado a ser Centro de estudios pero especialmente Centro de Documentación, archivo e investigación sobre arte contemporáneo. Copio una nota publicada recientemente en el diario español El País.

.............


El debate gana espacio en el Macba
El museo abre su centro de estudios y documentación en un antiguo convento

CATALINA SERRA - Barcelona - 14/12/2007

En el primer iglú de Mario Merz de 1968 se lee una famosa frase del general vietnamita Giap: "Si el enemigo se concentra, pierde terreno; si se dispersa, pierde fuerza". Manuel Borja-Villel la utiliza, interpretándola, para explicar cómo su estrategia de crecimiento para el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) se basa más en un repliegue que en un avance.

"Se trata de no ceder metros al enemigo, sino de replegarse hacia dentro para mantener cubierto el frente del pensamiento", afirma. El enemigo, aquí, es el consumismo y el avance, a su juicio inexorable, de la banalización de la cultura. "Nosotros queremos convertir el museo en el centro del debate y el estudio sobre el arte contemporáneo", dice Borja-Villel.

El estudio es algo que, poco dado a concesiones estetizantes, se necesita casi siempre para adentrarse en las exposiciones del museo. En esta línea, el crecimiento del Macba, que ayer inauguró una ampliación de 3.000 metros cuadrados, tiene poco de espectacular. A partir del lunes abre al público el Centro de Estudios y Documentación cuya parte principal es una biblioteca -suma de la propia del museo y la Alexandre Cirici de la Generalitat-, que de momento tiene unos fondos de unos 50.000 documentos, entre libros, revistas, vídeos y registros sonoros, y cuenta con 40 puntos de lectura (hasta ahora sólo había capacidad para ocho usuarios). El centro incluye también un archivo de obras y documentos de artistas, tres aulas para cursos y una pequeña sala de exposiciones de múltiples y fondo documental.

El nuevo centro está situado frente a la sede principal del museo en el antiguo Convent dels Ángels, un edificio del siglo XVI que fue convento de monjas teresianas y que, tras varios avatares, en el pasado siglo pasó a ser de propiedad municipal. La primera reforma, de Lluís Clotet e Ignacio Paricio, se remonta a 1985 -algo que sin duda se nota en los acabados neorrenacentistas de las partes añadidas- con el supuesto objetivo, después desestimado, de que fuera hemeroteca.

Finalmente, el FAD alquiló parte de las instalaciones y en 2004 se aprobó ceder el resto al Macba durante 28 años para convertirlo en biblioteca especializada en arte contemporáneo. Esta última reforma ha costado 2,2 millones de euros que han aportado la Generalitat, un 70%, y el Ayuntamiento de Barcelona, el 30%.

El nuevo centro permitirá ampliar el programa pedagógico y académico. Para ello cuenta con un presupuesto extra gracias a la entrada del Ministerio de Cultura en el consorcio del museo -aprobada ayer por el pleno-, que en 2008 aportará dos millones a un presupuesto global de 13,7 millones de euros.

Del botín al archivo compartido

Del botín de guerra a la custodia compartida. Ése es, a grandes rasgos, el núcleo del argumento sobre el futuro de las colecciones de los museos que lanzó ayer el director del Macba, Manuel Borja-Villel, en la inauguración del nuevo Centro de Estudios y Documentación. Ya no se trata, explicó, de coleccionar, a veces comprando y otras rapiñando, la obra única con la que se establece un canon, sino de considerar que el museo "no es propietario, sino custodio" de unas obras que cada vez más son piezas múltiples o reproducibles y, por tanto, compartibles.

El primer ejemplo de este tipo de "coleccionismo en red" que quiere impulsar el Macba ha sido la adquisición conjunta con el Whitney Museum of American Art de Nueva York de Shapolsky et al. Manhattan Real State Holdings, una histórica obra de 1971 de Hans Haacke consistente en fotografías, planos y registros de edificios de Nueva York que evidenciaban la especulación urbanística de un propietario. Los dos museos compartirán una de las dos ediciones de la pieza (la otra está en el Pompidou) y según Borja-Villel se está estudiando la posibilidad de hacer una copia de exposición que facilite su difusión.

Por primer año, el museo cuenta este año con un presupuesto propio para compras de 650.000 euros (generalmente de las adquisiciones se encarga la fundación privada del museo) que incluye tanto obras como libros o documentos. "Puede ser más interesante tener la revista en la que se publicó originalmente una obra que la pieza en sí", indicó Borja-Villel, que enfatizó en varias ocasiones sus planes de futuro para el museo que dirige. Su rumbo fue ayer ampliamente alabado tanto por el presidente de la Generalitat, Josep Montilla, como por el alcalde de Barcelona, Jordi Hereu. Dijeron compartir y entender la idea de museo y colección que propone su director, quien eufórico por el nuevo espacio y por tanto consenso aseguró que ayer, por fin, "empieza a verse qué es esto que algunos han bautizado como el 'modelo Macba".

Este domingo 16: Mercado de pulgas del Barrio, en La Culpable

Domingo 16 de 11am a 5pm. Mercado de Pulgas del Barrio.
Un dia de intercambio, encuentro y diversion entre vecinos y amigos.

The Crack in the World (tomado de 'the art life')

Ian Houston writes from London...

The work, entitled Shibboleth 2007, runs the full 167 metres of the cavernous hall on London's South Bank.

It begins as a crack then widens and deepens as it snakes across the room.

Colombian artist Salcedo said the work - on display to the public until April next year - symbolised racial hatred and division in society.

"I always try to relate my work to tragedy," she said.

Salcedo added: "It represents borders, the experience of immigrants, the experience of segregation, the experience of racial hatred.

"It is the experience of a Third World person coming into the heart of Europe."
BBC news website 9 October 2007

Colombian artist Doris Salcedo’s Shibboleth, the latest installation at the Tate Modern’s cavernous turbine hall is a huge crack in the ground that runs the entire length and width of this forbidding space, branching out in filigrees of doom, an intriguing, darkly mystifying piece, – well it was darkly mystifying, until she opened her mouth, “It represents borders, the experience of immigrants, the experience of segregation, the experience of racial hatred.” Thanks. Great, now I know what to think. No need to see it anymore really.



There is little in the world of art more deflating (aside from the news of another $100,000 plus auction for a Tim Storrier work) than hearing an artist tell you what a work represents. This ascribing of absolute meanings to a work of art by its creator really puts the kibosh on any of the allusive, associative detective work that makes art fun, dare I say it, worthwhile even. Indeed, the idea that an artist sits in their studio and decides that they are going to create a work that “stands for” something is vaguely nauseating. The language games of the art and text people aside, shouldn’t art be doing its best work when it stands beyond the interface of meaning and identity beckoning us instead into the deeper water, where we can stand no more? Where we might drown? Choking our last on the pure waters of a “meaning” beyond attribution, distillation or comprehension? Otherwise we could all save ourselves some time and have the artist email us their wall texts,

Doris Salcedo would like you to know that a crack in the floor represents borders, the experience of immigrants and the experience of racial hatred. She would also like you to know that racism is bad and that Europeans are bad for being racist.

Sure the notion is worthy, and it received plenty of press. No doubt people will read it, nodding their heads and inwardly agree “hmmm poor refugees, nasty racism” and who am I to differ with that sentiment? I rush to assure you that I don’t. But what about the poor crack in the floor? The artist has gone to so much trouble to make it and now with a few short words to the press it has become one thing, a simple placard in a protest, rather than the myriad, elusive, wonderfully poignant things it might have been.

Before she opened her mouth and started to blab, it could have been a humorous commentary on contemporary architecture, or a representation of Marxist Dialecticism, or maybe Saussure’s division between the signified and the signifier, or language and parole, or the haves and have notes or the fracture line of a soul whose heart had been broken, or a discussion of plate tectonics, maybe even the crack in the liberty bell and all of the references to American attacks on freedom around the world that would conjure. Or else it was clearly Freudian, a dirty crack in the floor, “a crack” which is a joke, which is an absence. Absent of what? The Phallus, of course. You could have visited the work and walked its length examining the depths it plunged, as you thought about your own dark nights of the soul, following the jagged architecture of its path as you traced the manner in which your life had unraveled over the years. But no – not anymore. Now it’s about racism. Good thing to, since we all know racism is bad. Still, what a killjoy. That crack could have been so much fun.


[tomado del blog the art life]

Illapa presenta el cuarto número de su revista

Hoy se presenta el cuarto número de la revista Illapa. en el Centro Cultura Ccori Wasi. Qué alegría ver que una publicación dedicada a la investigación sobre arte y museología tenga continuidad en medio como el nuestro tan habitualmente árido en estos temas -editorialmente hablando-.

Copio la nota de prensa enviada por el Instituto de Investigación Museológicas y Artísticas (IIMA) de la Universidad Ricardo Palma. Cabe señalar que el ensayo cuya autoría pertenece a Emilio Tarazona y a mí corresponde a una versión revisada y ligeramente modificada de un texto presentado hace pocos meses en Buenos Aires y publicado previamente aquí.

........

Nota de prensa

El Instituto de Investigaciones Museológicas y Artísticas (IIMA) de la Universidad Ricardo Palma presentará el cuarto número de su revista institucional ILLAPA dedicada a la difusión de temas en arte, museología y gestión cultural.

El Director de la Revista, Dr. Alfonso Castrillón Vizcarra junto con el Comité Editorial conformado por Kelly Carpio, Manuel Munive, Anita Tavera y María Eugenia Yllia están muy complacidos de presentar la revista en su cuarta edición anual. Se suma el hecho de que en este número cuenta con la colaboración internacional de Juan Carlos Rico, Rodrigo Gutiérrez y Francisco Real, los tres desde España; de Samuel Montealegre de Italia y Miguel Angel Manrique de Colombia a quienes agradecemos sinceramente.

En la presentación los comentarios estarán a cargo de de los Doctores Inés Del Águila, Elio Martuccelli y Lorenzo Huertas.

Esperamos su gentil asistencia.

Día: Viernes, 14 de diciembre de 2007
Lugar: Centro Cultural Ccori Wasi
Av. Arequipa 5198 Miraflores.
Hora: 7.00 pm.

------

INDICE

PRESENTACIÓN Alfonso Castrillón

IN MEMORIAM

Támira Bassallo Sabino Springett, el creador

Emilio Tarazona Gloria Gómez-Sánchez. Semblanza de uma artista-hito para La vanguardia peruana

ARTE

Francisco Real La Educación Artística: último gran mural público de Carlos Quízpez Asín

Rodrigo Gutiérrez Una visita a Edgar Negret

Samuel Montealegre El reino de lo universal constructivo, Joaquín Torres García

Emilio Tarazona y Miguel López Desgaste y disolución del objeto en el arte peruano de los años Sesenta. Una primera coordenada de rastro apenas perceptible

Ricardo Estabridis Iconografía del poder en el epílogo virreinal: el retrato y la fiesta

Juan Peralta Lo que la Bienal de Lima se llevó. Balance a cinco años de su desactivación

MUSEOLOGÍA

Juan Carlos Rico Los espacios de la escultura contemporánea: galerías, museos, paisajes e internet

Miguel Ángel Manrique Patrimonio cultural, Museos y Talleres de restauración

Rodolfo Cortegana Museo de Arte Moderno de Trujillo

Luis Felipe Villacorta «Había una vez… El Perú de Antonio Raimondi». Historia y alcances de un cuento para niños creado en el museo

Anita Tavera Museo de Arte Contemporáneo Arequipa, un espacio que incursiona en la ciudad.

RESEÑAS

Manuel Munive Exposiciones 2007

EX LIBRIS

Alfonso Castrillón Visión y símbolos

Pantigoso, fundador de los Independientes

María Eugenia Yllia Ópera prima

NOTICIAS

..............

Imágenes Públicas, nuevo antología en español de Martha Rosler

El último boletín de la editorial española GG trae una novedad interesante que aquí reproduzco.
.............

320 pp, 20 x 13 cm, Rústica español ISBN: 978-84-252-2063-0 precio: 24.04 €

Imágenes públicas. La función política de la imagen Martha Rosler Jesús Carrillo (ed.) colección: FotoGGrafía Martha Rosler forma parte de aquella generación de artistas de la década de los setenta que desafió los cánones artísticos modernos recuperando tradiciones vanguardistas y que revalorizó el documental, hasta entonces ligado al concepto moderno de la straight photography. La antología que aquí presentamos tiene como objetivo proporcionar una aproximación lo más global posible al pensamiento de Martha Rosler. Por una parte, a través de sus escritos, en los que analiza la dimensión social y política de los medios -la fotografía y el documental fílmico-, así como de la práctica artística; y, por otra, con aquellos escritos en los que la autora reflexiona más particularmente acerca del papel de la fotografía documental, el vídeo y los medios digitales, y sobre su redefinición en prácticas sociales y mecanismos de producción simbólica políticamente responsables.

Intensities. Inconformismo, incorrección y rebelión entre arte y escena musical

Reposteo un texto publicado hace algunas semanas en el blog de LaFundició, donde se comentan algunos aspectos de la parte 'ediucativa' de la exposición Intensities. Inconformismo, incorrección y rebelión entre arte y escena musical comisariada por David G. Torres, editor de a-desk.org, que actualmente se muestra en Barcelona. Si bien la entrada es por al lado de la educación creo que sirve para imaginar algunos de los vínculos propuestas por el curador (ver por ejemplo esta lista de videos exhibidos).

Adicionalmente coloco uno de los videos exhibidos donde aparece cantando Joseph Beuys [Joseph Beuys , Sonne statt Reagan , 1982 (3′ 3″)], aquí se puede ver la letra. El asunto se ve interesante, a ver si consigo más info...

.................

Intensidades

Este viernes 23 de Noviembre a las 20h se inaugura en el centro Torre Muntadas de El Prat de Llobregat Intensities. Inconformismo, incorrección y rebelión entre arte y escena musical. Una exposición comisariada por David G. Torres y que forma parte del Programa d’Arts Visuals de la Oficina de Difusió Artística de la Diputació de Barcelona. La exposición reivindica por un lado la necesidad de una práctica y, sobre todo, de una actitud artística crítica e inconformista, y por el otro propone una genealogía de este tipo de actitudes rebeldes que se centra en las conexiones entre la escena musical y los circuitos del arte contemporáneo. Esta genealogía que, en palabras del propio comisario, “hunde sus raíces en Dada y traspasa a la música a través del punk -en Catalunya, a través de la actitud inconformista de Pau Riba- con episodios en que participan artistas conceptuales como Dan Graham, Joseph Beuys o Yves Klein, y llega hasta nuestros días en el trabajo de numerosos artistas” se podrá rastrear en una extensa selección de obras sonoras, videográficas y documentos varios.

Como no solemos anunciar en este blog la inauguración de exposiciones puede que haya quien se pregunte dónde está la trampa y/o el cartón. Pues bien, la cosa está en que LaFundició se encargará del “servicio educativo” de Intensities. Esta tarea, todo hay que decirlo, nos ha planteado una reto considerable: ¿cómo hablar sobre inconformismo y rebeldía desde un dispositivo pedagógico cuya función intrínseca es el adoctrinamiento (dicho a lo bruto)?¿cómo hablar de incorrección cuando durante la visita a una exposición lo que se exige y promueve es el hábito de la moderación? y más aún ¿cómo abordar la rebeldía sin caer en poses y estereotipos completamente desprovistos de cualquier efectividad subversiva? Pues bien, nuestra apuesta ha sido la de desactivar, en la medida de lo posible, las jerarquías que se establecen durante la visita a una exposición, evitando los usos del espacio y del lenguaje que se dan habitualmente en este contexto. Encontraréis una información mucho más amplia aquí, en nuestra web. Pero el tour de force de la propuesta es, sin duda, el taller de ruido con el que el público podrá finalizar su visita a la exposición. El producto de estos talleres podrá escucharse en el myspace de Intensities Records (aún en fase de construcción) que hemos abierto para la ocasión. En el diseño de este taller hemos contado con la inestimable colaboración de Jokin Azpiazu Carballo (aka marmar).

Por último, y para abrir “líneas de fuga” en lugar de cerrar el discurso, nos gustaría retomar el breve diálogo que se estableció en el blog de las YP (sí, otra vez) con la intervención del propio David G. Torres a propósito de esta especie de “concepto flotante” que es el de intensidad. Lo primero que allí parece reprocharse al discurso del curador es su ingenuidad, el hecho de que aparenta ignorar el modo en que la rebeldía y las actitudes incorrectas han sido y son producidas, gestionadas y capitalizadas en base a intereses que nada tienen que ver con la subversión o el aniquilamiento del orden establecido, sino todo lo contrario. Sospechamos que lo que para unas es vicio, para el otro es virtud, y que, aún consciente de la paradoja, David G. Torres considera necesario sacudir, aunque sólo sea en la superficie, el estado de las cosas. Por nuestra parte opinamos que lo necesario es subvertir los contextos y las estructuras mediante los que se produce el valor cultural; por este motivo nuestra pretensión no es la de hacer para la ocasión un taller sobre la rebeldía sino proponer un taller ‘rebelde’ (si se nos permite el efectismo de este juego de palabras). Participar aquí de este diálogo y ejercicio crítico público sobre la exposición nos parece una buena manera de poner en práctica lo dicho, alejándonos de la función laudatoria y exenta de crítica exigida y tácitamente asumida por buena parte de los departamentos educativos de museos y centros de arte.

Por cierto, llegar a El Prat de Llobregat estos días parece ser una empresa aventurada. He aquí un mapa para los y las valientes que decidan acudir a la inauguración.

.........

Joseph Beuys , Sonne statt Reagan , 1982 (3′ 3″)

Presentación de *13 imágenes en La Culpable

Hoy en La Culpable invitamos a todos a la presentación del libro *13 imagenes de Armando Andrade de Lucio. La cita es a las 8:30 pm.

...y para los que no llegaron a comprar su ejemplar de JUANACHA se encuentra a la venta a solo 5 soles en librerias El Virrey y La Casa Verde, en el Cafe La Maquina, en Pulga La Tienda y por supuesto en La Culpable. - se agota rapido-

'Flaschback' al arte de los años 60 y 70

Estoy cambiando este post. El artículo 'Flashback al arte de los años 60 y 70', publicado el viernes pasado en Luces del diario El Comercio, pueden leerlo aquí. Voy a colgar en cambio ahora algunos de los párrafos del texto principal que escribí con Emilio Tarazona para el panel de entrada de la exhibición Arte Nuevo y el fulgor de la vanguardia.... que se muestra actualmente en las Sala Luis Miró Quesada Garland y en la Sala Raúl Porras Barrenechea.

Espero que ello pueda dar mejores claves iniciales de lectura sobre la expo. Estaremos programando un par de visitas guiadas a las salas pronto.

.....

ARTE NUEVO y el fulgor de la vanguardia

Disidencia, experimentación visual y transformación cultural

“Todo nos pertenece”

Javier Heraud

Bolivia, 1963

Una confluencia de publicaciones y exposiciones realizadas en diversos países ha afianzado, en los últimos diez años, un creciente interés por revisitar aspectos específicos de las prácticas visuales surgidas en los años Sesenta y Setenta. Miradas críticas que, en su desajuste con enfoques previos –que se asumen como sesgados e insuficientes-, inscriben ámbitos antes imperceptibles por la historia y excluidos del comentario y el análisis, en un intento de poner en fricción otros aspectos ya destacados del periodo.

Aquellas décadas significaron para muchos escenarios internacionales la puesta en crisis de las condiciones de producción, circulación y recepción del arte. Un cuestionamiento de los paradigmas estéticos de una modernidad conservadora (como el culto al artista, la exaltada subjetividad o la trascendencia de la obra) que coincide localmente con la consolidación de nuevos procesos culturales y sociales simultáneos también al impulso tecnológico de la época, y cuyo despunte crítico se envuelve de las interrogantes sobre qué parece artísticamente pertinente para un país que ansiaba librarse del subdesarrollo. Tanto la oligarquía entonces declinante como el emergente orden burgués –así como, tratando de situarse en medio, la proyección seudo-revolucionaria del gobierno militar instalado hacia 1968–, serían sucesivas instancias ya adversas o represivas tanto en lo político como en lo cultural.

Es así que bajo el nombre de Arte Nuevo un grupo de artistas surca fugaz, aun cuando enfáticamente, la escena plástica de ese momento, marcando en su concisa denominación una clara ruptura con el arte precedente. Su uso aquí extendido involucra a todo un horizonte de producción visual que logra afirmarse en esos mismos años, el cual se traduce en un conjunto de propuestas luminosas capaces de advertir la súbita presencia de un umbral: el síntoma de las expectativas y, al mismo tiempo, su esplendor.

Esta exposición recoge la intensidad de cambios vertiginosos que asomaron durante aquel momento. La afirmación de un mundo nuevo marcado por una exploración visual expandida hacia lo cotidiano, capaz de reevaluar el lugar del sujeto y sus sentidos a través de experiencias perceptivas que desbordan y redefinen la ubicación cultural y política de la obra de arte en su vínculo con la realidad que la circunda.

Miguel López + Emilio Tarazona
Curaduría e investigación

[algunas vista de montaje de la Sala Luis Miró Quesada Garland. fotos: Miguel López]

Desde hoy: Drama Open Studio 2007

DRAMA>>>>>>>>>>>>>>>>>>OPEN STUDIO
2007>>>>>>>>>>

12-14DIC


MIERCOLES 12 DIC 7:30
> INAUGURACION
> CUARTETO LAURA ROBLES

Alberto Borea.Luis Castro Mendivil.Victor Castro.Elena Damián.Ana Cecilia Farah.Nicole Franchy.Giancarlo Gomero.Rocio Nakahara. Matalamanga. Mariana Riveros.Iliana Scheggia.Adriana Tomatis.Richard Torres.Jenny Miroquesada.Jenny Woodman.Cubica.Diego Lama.Miguel Andrade.Rosa Tomatis.Nani Cardenas

>>>>


Open Studio >
Drama es una institución que trabaja desde el 2003 en la promoción y difusión del arte contemporáneo.
Drama alberga a 14 creadores que trabajan interrumpidamente en sus espacios de trabajo.
Drama abre sus talleres una vez anualmente en una expo venta. La dinámica de este evento
único permite conocer a la vez, al artista, su obra y su espacio de trabajo. Drama invita a visitar su producción 2007. Este año Drama invitó a artistas que han trabajado a través de estos años en sus espacios.

Estudios Visuales #4: El "diferendo" arte

Está circulando el cuarto número de ESTUDIOS VISUALES, la revista que dirige José Luis Brea, editada por el CENDEAC. Pueden adquirir la revista físicamente (aunque en Lima no he visto que la vendan) o suscribirse virtualmente por 10 euros para acceder al contenido de todos los números.

.........

ESTUDIOS VISUALES num #4: el "diferendo" arte

Artículos de:
Martin Jay, Roberto Riquelme, Nestor García Canclini, François Bucher, Miguel Á. Hernández-Navarro, M. Belén Sáez de Ibarra, Pedro A. Cruz Sánchez, Aurora Fernández Polanco y José Luis Brea

http://www.estudiosvisuales.net/

Dirección: José Luis Brea
ESTUDIOS VISUALES es una publicación del CENDEAC

Y la pregunta ahora sería: ¿puede la institución-social-arte reorganizarse para sobrevivirse y perpetuarse bajo nuevas condiciones? ¿Puede el viejo régimen de creencia, -de relación con el fantasma- aplicarse ahora a una tipología de productos culturales totalmente diferencial, al nuevo tipo de imaginario en lo que destila una energía simbólica fundamentalmente distinta? ¿Puede pasarse por alto que el condicionamiento de materialización característico de la episteme escópica del modernismo queda en la nuestra en suspenso? ¿Puede defenderse que ni la cristalización en objeto singularísimo, ni la fetichización que hace posible la forma de su mercantización característica –negadas las posibilidades de una economía de distribución a favor de la clásica del comercio, del tradicional marchandismo del arte- constituyen condiciones “! sine qua non” de lo que llamamos arte? ¿Puede considerarse que el tipo de sustracción-condensación de energía simbólica que se obtiene del proceso de espacialización -en lo que implica de radical separación del flujo del acontecimiento, del durar- es igualmente pasable por alto? ¿Puede haber “arte” como tal que no “espacialice”, que no demande “lugar” para ser presentado? ¿Y puede a la vez la institución-arte sobrevivirse a esa exigencia? ¿Puede haber de hecho institución-arte sin la exigencia de que las imágenes del arte ocurran en sus lugares, en sus edificios-espectáculo, en su territorio, en sus teatros, en sus espacializaciones?

Mañana INVISIBLE en la galería 80m2

Mañana inaugura INVISIBLE de Claudia Martínez en la Galería 80m2 arte&debates (Prolongación San Martín 10, Barranco). De este proyecto he recibido excelentes comentarios así que creo vale la pena darse un salto.

..........

INVISIBLE

Claudia Martínez Garay

Primera exposición individual

Inauguración: miércoles 12 de diciembre 7:30pm
Conversatorio: miércoles 19 de diciembre 7:30pm

del 12 al 22 de diciembre del 2007

Combo Mix!

Hoy se inauguró Combo Mix en Los Olivos! Ojo: va hasta el 11 de enero del próximo año, bajo la curaduría de Coco Polar y con obras de Jaime Domenack, Nancy Visa, Guillermo Quiroz, Valentino Sibadón y Víctor Acosta.

Hoy premiación del XI Premio Fundación Telefónica en Argentina

El Espacio Fundación Telefónica invita a Ud. a la presentación

XI Premio Fundación Telefónica a la investigación en historia de las artes plásticas en la Argentina.

Año 2007: “El Rol Del Crítico de arte en la Argentina del siglo XX”.

Entrega de premios XI Edición y presentación del libro Máscaras y Laberintos de un mercado de provincia. El caso del mercado de arte en Mendoza de los ´60. de Graciela Distéfano. Ganadora del X Premio Fundación Telefónica. Año 2006: Artes plásticas y mercado en la Argentina de los siglos XIX y XX.

La misma tendrá lugar el martes 11 de Diciembre a las 18.30 hs.
en Arenales 1540, Buenos Aires, Argentina.

Organizado conjuntamente por Fundación Espigas y Fundación Telefónica

Nelly Richard y Georges Yúdice en el MACBA

Últimas dos conferencias del ciclo 'Ideas recibidas' en el MACBA cierra con la presentación de Nelly Richard (hoy, con la presentación y réplica de Ana Longoni) y de Georges Yúdice, el próximo lunes. El programa ha estado buenísimo y varias de las conferencias pueden escucharse en audio desde la misma web del MACBA. Recomendadísimo!

El programa completo lo pueden ver aquí.

..............

Nelly Richard y Georges A. Yúdice cierran el curso "Ideas recibidas"

Este curso-programa de conferencias pretende proporcionar herramientas conceptuales para los debates sobre las prácticas artísticas contemporáneas del periodo que abarca la Colección del Museo, la segunda mitad del siglo XX.

Lunes 10 de diciembre, 19 h:
Crítica: ¿entre lo artístico y lo cultural? Nelly Richard.
Presentación y réplica Ana Longoni

Lunes 17 de diciembre, 19 h:
Industria cultural: ¿ha dejado de ser la educación estética el motor de la vida pública del arte? Georges A. Yúdice. Presentación y réplica Mari Paz Balibrea

Auditorio MACBA.
Aforo limitado.
Con inscripción previa

La una más la otra: curaduría y crítica - por Lucas Ospina

Publico otro agudo comentario de Lucas Ospina sobre el caso de censura a la obra Los Rebeldes del Sur del artista colombiano Wilson Díaz, que reflexiona también sobre el papel de la curaduría, y fue recientemenre circulado por Esfera Pública. Ello en relación a unos comentarios de Michele Faguet publicados aquí. Conviene ver también las respuestas a su texto y otras apreciaciones sobre el tema también en Esfera...

...............

La una más la otra: curaduría y crítica
03. December 2007

Los comentarios de Michèle Faguet dejan una cosa en claro: la exposición “Displaced” puede y debe ser criticada en términos de arte y no sólo en términos parajudiciales —de bien o mal— como lo hizo el embajador Medellín con su acto de secuestro y censura. Cuestionar los actos de un funcionario del Estado que se autoatribuye el poder de decidir que es arte y que no es arte es fundamental, pero la protesta por un acto delictivo debe ser hecha ante la ley a través de cartas públicas, derechos de petición, tutelas y demandas. Limitar la acción de “protesta” a visitar y revisitar el monumento efímero de la obra censurada revela el facilismo de muchos artistas, curadores y críticos: ante el mundo del arte afirman que sus obras son “políticas” pero evitan, por pereza, ignorancia o conveniencia, cualquier confrontación de índole “política”—en el fondo muchos “creadores” desean ser censurados pues esa es la única manera en que pueden pañetar su obra con el glamour de “lo político”. Ya François Bucher señalaba al embajador Medellín como “marquetero” de la obra censurada y cómo la lectura paranoica del funcionario le permitió al video “Los Rebeldes del sur” cerrar un bucle que se había abierto hace años. Y si a esto se suma la lectura de Carlos Salazar que acuña el término “war profiteer artist”, al referirse a toda una serie de prácticas de artistas y curadores que usan la grasa del aparato burocrático-académico-oficial para agilizar la circulación de obras de arte por los engranajes del mercado, las críticas de Faguet al planteamiento de la exposición “Displaced” adquieren peso y permiten ver que las cosas no son tan simples. Es necesario sopesar el caso de la exposición “Displaced” bajo una mirada crítica, radical, no hacerlo sólo reitera la narración de víctimas y victimarios a que nos tiene acostumbrados una ideología sensiblera, extremista, fanática, que se oculta en manipulaciones facilistas y sentimentales para evadir los argumentos de razón. Una salvedad: me parece que “Los Rebeldes del sur”, o que la obra de Wilson Díaz, no cabe en la categoría de “war profiteer artist”, el texto de Faguet, que analiza en detalle esa obra y que fue publicado —o “traducido”— en el catálogo de “Displaced”, da elementos claves para hacer la distinción; a diferencia de otras obras incluidas en la exposición, por ejemplo, “Colombia Land” de Nadín Ospina, donde el artista parece estar esperando desde hace años una demanda, o una censura, por parte de la empresa Lego, pero nada que se le hace el “milagrito” de “lo político”, tal vez cuando haga un divino niño de juguete se le cumpla el deseo…

La crítica de Faguet se refiere a la curaduría de la exposición “Displaced” como una “curaduría burocrática/oficialista”, sustentada en una “serie de clichés homogenizadores (la violencia, el conflicto, el desplazamiento)”; y dice que responde a una “fórmula anacrónica del multiculturalismo noventero”; dice que “Displaced” está destinada a una finalidad mercantil: “empacar de modo eficiente el `arte colombiano’ como objeto de consumo global”. Las preguntas no son nuevas, ya las había sugerido Pablo Batelli en su texto apocalíptico “Desangre crítico y esferapública –la sociedad del éxito” cuando decía que “una parte de la planta [de profesores] de arte de la Universidad de los Andes […] se promueven internacionalmente con la ilusión del apoyo a lo marginal y lo independiente, virtud muy apreciada porque es autogratificantemente acorde a la identidad que el foráneo nos concede”. Pero las preguntas, vengan de donde vengan, quedan del lado del arte, de la crítica de arte y es el turno de la curaduría de responder; o la curaduría ya respondió con la exposición y el catálogo de “Displaced”; la crítica es parasitaria, siempre va a la estela de las obras, de la experiencia, pero la experiencia de un curador se demuestra también en su capacidad para prefigurar la crítica y no pensar en términos críticos muestra una grave separación; la curaduría, entonces, debería recibir otro nombre, con llamarla “gestión cultural”, “montaje de exposiciones” o “monografía” bastaría.

La curaduría no es un acto neutro, ni una mirada sólo objetiva o subjetiva; la curaduría es a las exposiciones lo que el género del ensayo es a la escritura, y es bajo la figura irreductible e insaciable del lenguaje que la crítica juzga a su pariente menor; la crítica es vieja, locuaz, desfachatada, irrefrenable, lúcida por momentos y despelucada, la curaduría es una niña mayor que casi siempre ha sido muy correcta y está entrando apenas en la pubertad: ya veremos si para la historia, o ante la mayoría de edad, la curaduría madura biche y se convierte en elegante señora, ama de casa (o de museo, o de academia) o “se atreve a pensar”, se hace respetar y crece como la bella, inteligente y difícil mujer que puede ser.

“¿Quién osaría asignar al arte la estéril función de imitar a la naturaleza? El maquillaje no tiene que ocultarse, que evitar dejarse adivinar; puede, por el contrario, mostrarse, si no con afectación, al menos con una especie de candor.”
—Elogio del maquillaje
Charles Baudelaire


—Lucas Ospina

Retrospectiva de Oscar Bony en el MALBA

Voy a intentar actualizar varias noticias de las últimas semanas que no pude colgar por cuestiones de tiempo. Una de ellas fue la apertura de la exposición retrospectiva del artista argentino Oscar Bony (1941-2002) en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, centrada en su producción entre los 60s y los 90s.

La curaduría está a cargo de Marcelo Pachecho, curador en jefe del Malba. He recibido varios comentarios sobre la exhibición, algunos de aceptación y otro más críticos y polémicos, lo cual refuerza mi curiosidad por verla. Al parecer es una selección de casi 60 obras que incluyen pintura, fotografía, videos, instalaciones, objetos y documentación de sus acciones. Ojalá podamos tener el catálogo pronto para al menos poder comentarlo.

Se organizaron también una serie de mesas de conversación en torno al tema que pueden ver aquí.


[imagen: Oscar Bony. Sesenta metros cuadrados de alambre tejido y su información. Instalación. 1967]

Visita guiada a "De la guerra a la Casona. Vestigios, despojos y des-hechos. 1975-2007"

RETROSPECTIVA

"DE LA GUERRA A LA CASONA. VESTIGIOS, DESPOJOS Y DES-HECHOS"
1975-2007

1ra. VISITA GUIADA
A cargo del artista
HERBERT RODRÍGUEZ

JUEVES 13 DE DICIEMBRE
DE 7 A 8 P.M.

Este jueves, en las salas del Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos (Av. Nicolás de Piérola 1222, Parque Universitario, Lima), permítanme compartir con Uds. un recorrido por mi proceso creativo

El recorrido se inicia con el conjunto de obras creadas por un instinto estético espontáneo, pasa por el periodo de formación académica y su posterior deconstrucción a través de la introspección crítica en el contexto de la efervescente “Movida Barranquina” (1979-1984), continua con el conjunto de obras “primitivistas” para llegar a la sala del “Arte Crítico” (ex contracultura).
Recorreremos también las salas de Diseño-Arte Aplicado y Teoría-Educación Artística, temas que considero especialmente importantes en mi búsqueda de romper la brecha entre el arte y la vida.

Los espero.

Herbert Rodríguez

< Lacan < Arquitectura << en el CCPUCP

"Si lo mataron es porque algo malo habrá hecho" - Lucas Ospina

Coloco un reciente comentario de Lucas Ospina sobre la censura de la pieza Los rebeldes del sur del artista colombiano Wilson Díaz, en relación a algunas ideas de Michele Faguet circuladas por Esfera Pública.
............

"Si lo mataron es porque algo malo habrá hecho"

En Medellín mataron a un señor, al parecer un abogado y el hijo del muerto, que era un escritor, dijo que alguna gente, ante el cuerpo de su padre, decía: “si lo mataron es porque algo malo habrá hecho”. En el caso de la exposición “Displaced”, las críticas al carácter académico de la exposición (se da dicho que es una curaduría “burocrática/oficialista” y “una fórmula anacrónica de multiculturalismo noventero”, etc.) no deben usarse como una forma de disculpar o justificar la acción de secuestro o censura del embajador Carlos Medellín: “Si la censuraron es porque algo malo habrá hecho” dirá todo aquel que antepone el facilismo vindicativo y el prejucio moral a los argumentos de razón. Pero, criticar con argumentos de razón a la exposición “Displaced” (una curaduría burocrática/oficialista” y “una fórmula anacrónica de multiculturalismo noventero”, etc.) es el mejor llamado de atención que se le puede hacer a lo académico, o a ese lugar, la universidad, que pretende conservar la memoria y a la vez generar oportunidades para el pensamiento: así como un funcionario del Estado no se puede arrojar la facultad de decir que es arte y que no es, no se puede cambiar la “ficción” del Estado por la “ficción” de la Academia y dejar “solo” a un curador o a un académico para que diga que es arte y que no es; es ahí donde la crítica, venga de donde venga, de adentro o de afuera de la universidad, se le pega como un parásito a las obras. Y así algunos curadores, académicos o artistas rechacen el juicio crítico, es inútil, al hacer las cosas públicas, es el derecho de la crítica hacer lo propio: criticar las cosas públicamente desde ese extraño, ubicuo y variado lugar llamado la “esfera pública”.

p.d.: por supuesto, algunos dirán “Si lo criticaron es porque algo malo habrá hecho”, pero los juicios de la crítica de arte nunca son juicios finales, asumirlos como tal es una falta de autocrítica, mientras que matar o censurar si son sentencias irrevocables. Las cosas nunca son tan simples.

—Lucas Ospina

Nueva revista de la Escuela de Bellas Artes de Cusco

No estoy seguro si mencionó en algún post o comment previo pero me parece importante advertir que la iniciativa de intentar darle validez universitaria a la Escuela de Bellas Artes partió de su sede en Cusco -eso al menos hasta donde tengo entendido-. Ello ha permitido que la sede en Lima tenga también este derecho, que en verdad sí resulta muy valioso sobre todo para el interés de muchos alumnos quienes desean continuar estudios posteriores, claro que ello no soslaya lo que se está discutiendo también sobre la necesidad de reevaluar el proyecto educativo de la Escuela.

Hoy el diario La República publica una nota sobre la salida de la revista Illapa de la Escuela de Bellas Artes Diego Quispe Tito del Cusco, y cuyo nombre coincide curiosamente con otra revista similar editada en Lima por el Instituto de Investigaciones Museológicas y Artísticas de la Universidad Ricardo Palma que presenta un nuevo número en pocos días. La iniciativa resulta significativa, ojalá la podemos tener pronto por Lima para poder comentarla.
...........


Illapa, revista de Bellas Artes del Cusco

Busca ser tribuna de reflexión y debate. Otra escuela de bellas artes no tiene publicación parecida.

Carátula del primer número de Illapa

La Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes Diego Quispe Tito del Cusco parece llevar la delantera entre las escuelas de bellas artes. Acaba de publicar el primer número de su revista de cultura Illapa, con la dirección del pintor Mario Curasi Rodríguez.

Illapa busca que sus contenidos, como señala Curasi en su presentación, estén "próximos a nuestras necesidades y que aborden temas que reflejen nuestro sentir colectivo". Con ello busca ser una tribuna de reflexión y debate. Este primer número contiene textos de Teresa de Jesús Díaz sobre conservación y restauración. Asimismo, un artículo de Marcia Loo sobre teoría de la performance. Miguel Ildefonso escribe sobre poesía y pintura. Lawrence Carrasco sobre dialéctica del arte. El tema literario también está presente con Alejandro Alonso, Eduardo González Viaña, relatos anónimos, entre otros.

Solo hay un pero. Como revista de arte y cusqueña debe ser más de arte y más de los cusqueños.

Otra vez, otra toma

"¿ES JUSTO? Creo que depende ahora de nosotros no sè si ir a la misma escuela, no sè si ponerse en contra, sòlo sè que de hacernos una pregunta reflexiva:¿Es justo que nuestros compañeros (porque ellos tambien son nuestros compañeros) se encuentren atravezando problemas como èstos, que dependen sobre todo de la falta de polìticas culturales en nuestro paìs por parte del estado?"

Reproduzco parte de un mail que me mandaron hace unos días y que adjuntaba estas fotos. Quería informarme más de la toma en la Escuela de Bellas Artes para postear al respecto, pero en realidad no he tenido tiempo, aunque me imagino que los motivos principales deben ser los mismos que llevaron a los alumnos a tomar la Escuela anteriormente (porque si hay algo que parece reflejar la incapacidad para tomar decisiones que impliquen cambios estructurales en las instituciones en Lima es el estado de las escuelas de arte). Cuelgo algunas de las fotos que me envió Nancy V. a modo de difusión, pero también de pregunta y de invitación a quienes quieran contarnos acerca de la situación en la Escuela, las demandas de los alumnos y la organización que implica la toma.

"Arte Nuevo y el fulgor de la vanguardia" en las salas de Miraflores

Lamento la ausencia de posts en las últimas semanas pero el trabajo ha sido de-mo-le-dor. Sin embargo, todo trabajo arduo tiene sus recompensas y este jueves será, al menos para mí, una de las más gratificantes. Inauguramos Arte Nuevo y el fulgor de la vanguardia. Disidencia, experimentación visual y transformación cultural, una exposición concebida como una reflexión complementaria de la investigación sobre los 60s que Emilio Tarazona y yo venimos realizando, y que tuvo una primera aparición en La persistencia de lo efímero. Orígenes del no-objetualismo peruano: ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965-1975).

Esta nueva exposición está concebida casi como el reverso del guante de la anterior, intentando tomar distancia de su tono didáctico y explicativo -lo cual era entonces necesario en tanto se trataba de obras desasistidas de reflexión previa-. Así, esta nueva curaduría ha apuntado a actualizar sensaciones y sentidos en el espacio, entramando un conjunto de signos que revelan el interés de estos jóvenes artistas por el señalamiento de lo banal, de lo cotidiano, de lo masivo, de lo frágil y transitorio.

Como bien saben nuestra intención es poder dar visibilidad a nuevos bordes de la experimentación plástica peruana de los 60s, añadiendo preguntas más complejas y ambivalentes que nos permitan repensar críticamente aquel período tan parcialmente discutido y visitado, esperando también impulsar nuevas aproximaciones interpretativas sobre el tema. Hay obras que no han circulado ni siquiera como registro fotográfico!, lo cual asegura muchas sorpresas, dejando en evidencia también lo lagunar que resultan las especulaciones sobre un momento que aún no se encuentra adecuadamente inscrito en la memoria.

Son más de 60 obras (además de catálogos, posters, música, documentos, fotos inéditas y gráfica) que se dividirán en la Salas Luis Miró Quesada Garland y en la Sala Raúl Porras Barrenechea, de la Municipalidad de Miraflores. Inauguramos simultáneamente en ambos espacios este jueves 6 de diciembre a las 8 pm!! Los esperamos.

Mañana conversatorio sobre Flujo, en galería 80m2

Mañana conversatorio sobre la exposición Flujo de Musuk Nolte, con Mario Montalbetti y Jorge Villacorta como invitados, en la galería 80m2 arte&debates.

Conversatorio: miércoles 5 de diciembre - 7:30pm.

Los diplomáticos del sur: arte, universidad y propaganda

Cuelgo con bastante retraso -y disculpas de por medio- un muy pertinente texto de Lucas Ospina en relación a la reciente censura que el embajador de Colombia en Inglaterra ha operado contra la obra Los rebeldes del sur del artista Wilson Díaz presentada en la exposición Displaced, curada por María Clara Bernal en la Glynn Vivian Art Gallery.
.......................

IV. Los diplomáticos del sur: arte, universidad y propaganda

A. ¿La Universidad del Estado?

La discusión en torno al caso de secuestro y censura de la obra “Los rebeldes del sur” del artista Wilson Díaz por orden del Embajador colombiano en Londres Carlos Medellín ha estado “atomizada”: se ha discutido sobre el contenido de la obra (un video de unos guerrilleros armados bailando sobre una tarima), el contexto en que fue hecha la filmación (la zona de distensión del Caguán), la trayectoria de la obra (había sido expuesta 19 veces), pero poco énfasis se ha hecho en lo que originó que la obra censurada fuera a parar a la Glynn Vivian Art Gallery en la ciudad de Swansea en el Reino Unido.

“Los rebeldes del sur” era una de las 42 obras de arte que articulaban “Displaced” una exposición e investigación de la curadora e investigadora María Clara Bernal, profesora asistente del Departamento de Arte de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes; Bernal, además, hizo estudios de maestría y doctorado en Historia y Teoría del Arte Moderno en la Universidad de Essex en el Reino Unido. La exposición “Displaced” fue apoyada en la Universidad de los Andes por el Comité de Investigación y Creación de la Facultad de Artes y Humanidades y por el Consejo de profesores de planta del Departamento de Arte, que aprobaron el proyecto por ser coherente con las líneas de investigación de la profesora Bernal dentro del Área de Historia y Teoría; el apoyo se demostró dándole al proyecto una partida económica para la impresión del catálogo de la exposición, asistencia editorial, pasaje y viáticos para dos viajes al Reino Unido para coordinar, montar y hacer la difusión de la muestra.

Centrar la discusión en el contenido de una sola obra ha sido un error o ha sido, por parte de algunos, un “hábil error” y como lo demuestra el embajador Carlos Medellín, en sus declaraciones a los medios, el funcionario con astucia tergiversa y omite información para evitar mencionar un hecho evidente: la obra censurada estaba enmarcada firmemente dentro de una exposición e investigación que surge de un contexto académico —no sólo se censuro una obra: se censuró una exposición, se censuró una investigación académica, se censuró a la universidad.

A continuación comentaré la entrevista titulada “El embajador Carlos Medellín explica por qué ordeno retiro de obra de arte alusiva a guerrilla” hecha por Caracol Radio y que se puede oír en el siguiente enlace http://www.radiocaracol.com/nota.asp?id=508666 o puede ser “leída” o copiada y pegada —como lo hago en este texto— de la fiel transcripción hecha por Pablo Batelli dentro del proyecto “Teatro Crítico” http://teatrocritico.blogspot.com/2007/11/el-estado-promueve-el-arte-que-le.html

1.
“[…]
Gustavo: ¿está llo...? no, llovió fue en el tema del arte, cayó un aguacero tremendo. ¿Qué fue lo que pasó? ¿quiénes son estos señores que montaron “rebeldes del sur” y por qué la Embajada se puso molesta con esta muestra que ellos dicen que es de arte y que involucra según parece a la guerrilla?

Carlos Medellín: bueno Gustavo mire, en realidad eso hace parte de una (pausa) plan de promoción de, de, del arte y de la cultura de la Cancillería Colombiana, eso fue organizado por la Cancillería Colombiana eh y se envió ésta y otras obras a una galería en un pueblo, no es en Londres, un pueblo en, eh, en Gales, unas dos horas, tres horas de Londres, eh y nosotros pues eh recibimos eso que nos enviaron de Bogotá, enviado por la Cancillería, y se, y se envió a la Galería [eso] repito es una cosa organizada por el, por la Cancillería, por el gobierno. Desfortunadamente dentro de las obras venía una, un video de un, un grupo de las FARC, que eh, un grupo musical de las FARC que aparecen por supuesto todos armados de fusiles, y cantando, haciendo alusión a sus actividades eh ilícitas, a sus actividades eh terroristas y criminales, y nosotros los funcionarios públicos pues que usted entenderá tenemos unas limitaciones de carácter eh legales y jurídicas....”

La participación y apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores en la exposición “Displaced” se limitó al transporte de las obras de la exposición. El Ministerio de Relaciones Exteriores no comisionó la exposición pero si aprovechó la coyuntura del carácter internacional de la muestra para incluirla dentro de la programación de su “plan de promoción del arte y de la cultura”. Cuando el embajador Carlos Medellín se refiere a la organización de la exposición, sus declaraciones son ambiguas pero deliberadas en su opacidad y al decir que la exposición “es una cosa organizada por el, por la Cancillería, por el gobierno.” no se sabe si se está refiriendo sólo al transporte de las obras, que es lo único que hizo el Ministerio de Relaciones Exteriores, o a la organización de la exposición; parece que quisiera evitar a toda costa mencionar a la Universidad de los Andes. Como dato adicional es importante saber que el Ministerio de Relaciones Exteriores ni siquiera hizo bien su labor de “transportador”, pues las obras de la exposición fueron llevadas hasta Londres pero el transporte de las obras hasta la ciudad de Swansea, a tres horas de Londres, debió correr a cargo de la Glynn Vivian Art Gallery.

2.
Gustavo: y más...
Carlos Medellín: ... no podemos hacer sino lo que la ley nos permite.
Gustavo: y más si hubo un respaldo económico también ¿no? pues...
Carlos Medellín: bueno lo que pasa es que la Cancillería envío un grupo de obras, pero la Cancillería en Londres es la Embajada, entonces digamos, eh no es que...
Gustavo: claro!
Carlos Medellín: ...unos artistas montaron una obra en un sitio y que la Embajada fue y, y, y retiró ... así no fue, así no fue...
Gustavo: usted recibió de la Cancillería lo que pensó que venía con el visto bueno de la Cancillería.
Carlos Medellín: pues sí, lo que pasa es que aquí está, la obra, la, la, la eh personas de la Universidad de los Andes...
Gustavo: ¡aha!
Carlos Medellín: pero hay que entender, claro, que una cosa es el criterio de una entidad privada y otra el criterio de una entidad pública.

El embajador Carlos Medellín intenta, en ésta, y en todas las entrevistas, no salirse del libreto impuesto, o acordado, y no hace más que repetir lo mismo durante todas sus declaraciones a los medios: “no podemos hacer sino lo que la ley nos permite”. Y, con las pautas afirmativas que le da en este caso el entrevistador de Caracol, el embajador Carlos Medellín evita referirse al origen académico de la exposición y responde con una frase críptica: “lo que pasa es que aquí está, la obra, la, la, la eh personas de la Universidad de los Andes...” Y, luego del condescendiente “¡aha!” del entrevistador, el embajador Carlos Medellín regresa al libreto y pretende dirimir el problema con un silogismo entre lo público y lo privado.

3.
Gustavo: oiga Embajador, pero mire, el tema como hablábamos hace unos minutos aquí en Colombia, el tema de la violencia y de la guerrilla pues lo ha tocado muchos artistas, incluso Botero, Nadín Ospina, por eso quiero preguntarle: ¿Lo que hay en esta obra es alguna muestra donde se ve algún tipo de uniforme, donde se ve algún guerrillero o es un cosa de apología?
Carlos Medellín: no pues hombre eso sí es la calificación que había que hacerle jurídica o la... yo no, yo no tengo, yo no hice ninguna calificación desde el punto de vista artístico o desde el punto de vista técnico de la obra porque no me correspondía hacerlo.
Gustavo: uhum.
Carlos Medellín: ni soy crítico de arte, ni esa es la función de la Embajada. Lo único es que eh la Embajada y los funcionarios públicos pues no pueden promover ningún tipo de eh información que tenga que ver con un organismo, con un grupo, perdón, eh como las FARC que son considerados como un, eh, eh, una organización terrorista en Europa.
Gustavo: pero, per, ¿esas imágenes de la guerrilla promovían la actividad de la guerrilla? ¿Las que están en la obra?
Carlos Medellín: pues por eso le digo, no quisiera entrar en la calificación ya técnica pero a mi no me cabe la menor duda porque es un grupo, eh están uniformados, eh están con sus fusiles y están haciendo arengas de la actividad que ellos realizan como un grupo guerrillero en Colombia, eh... Eso lo puede hacer usted, puede promoverlo en su galería, puede cualquier persona promover ese tipo de, de, de expresiones, los particulares lo podrían hacer, pero el gobierno de Colombia no lo puede hacer...
Gustavo: claro!
Carlos Medellín: porque nosotros tenemos unas limitaciones jurídicas para hacerlo.
Gustavo: claro

Las respuestas del embajador Carlos Medellín sobre lo que se ve en el video son un sofisma de distracción, pues dice que no le puede hacer a la obra de arte ni una calificación jurídica, ni una clasificación artística, ni una clasificación técnica; más adelante dice “ni soy crítico de arte, ni esa es la función de la Embajada”, y retorna a su libreto sobre lo privado y lo público y a sus limitaciones jurídicas como funcionario. Al menos las respuestas del embajador Carlos Medellín son claras en un sentido: cuando el funcionario censuró la obra, la exposición y la investigación académica, el representante del gobierno no tuvo en cuenta ni lo jurídico, ni lo artístico, ni lo técnico; ignoró cualquier argumento de razón y limitó su juicio a un concepto a priori bajo el cual todo acto sospechoso no es ni siquiera juzgado sino declarado culpable de manera inmediata —bajo la amplitud de un término único, este sistema parajudicial le permite al funcionario generar una condena automática sin que medien en ella los centros de pensamiento del cerebro y al momento de calificar el acto sólo basta con emitir una palabra: “terrorismo” (el paralelo con el sistema parajudicial que rige a los presos del centro de detención de Guantánamo en Cuba se hace inevitable). A la vez, es importante señalar que Ewin Ostos, Agregado Cultural de la embajada de Colombia en el Reino Unido, el día que secuestró la obra de Glynn Vivian Art Gallery, llamó, a las 5 de la mañana hora de Bogotá, a la curadora e investigadora María Clara Bernal, profesora asociada del Departamento de Arte, de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes, para “advertirle” que si se incluía la obra “Los Rebeldes del sur” dentro de la exposición “Displaced”, ella y el artista “podrían tener problemas”; esto ocurrió el 25 de septiembre y la llamada fue hecha desde la Glynn Vivian Art Gallery en presencia de funcionarios de esa institución y cuatro días antes de que la profesora, investigadora y curadora viajara al Reino Unido.


4.
Carlos Medellín: porque nosotros tenemos unas limitaciones jurídicas para hacerlo.
Gustavo: claro
Carlos Medellín: las consideraciones fueron legales más que cualquier otra cosa.
Caracol (voz femenina): Embajador, ¿hubo alguien de parte de Bogotá o de la Universidad de los Andes o de quienes estaban impulsando este tipo de video que lo defendieran? Que de pronto pues verbalmente se enfrentaran con Usted, pues entre comillas, diciéndole “oiga no, esto es arte, estamos enviando un mensaje al mundo”?
Carlos Medellín: pues como eso lo envió fue la Cancillería, pues yo me puse en contacto fue con la Cancillería en Bogotá, les expliqué y les, les comenté la situación, porque la galería, la página web de la galería, se anunció la exposición y se anunció con una foto de los guerrilleros de las FARC, eh y pues usted se imaginará, una, una, una propaganda de las FARC promocionada por la Embajada de Colombia en Londres, pues eso sí no tenía ninguna presentación.
Gustavo: no.
Carlos Medellín: sería absurdo... y yo me comuniqué con la Cancillería...
Gustavo: más allá del tema artístico pues por supuesto...
Carlos Medellín: ah es que por eso le digo, si yo fuera una, una, una, un particular, que en mi galería voy a, a, a promover, pues yo puedo promover lo que quiera...
Gustavo: ¡y eso! ¡y eso!
Carlos Medellín: pero el gobierno no.
Gustavo: no, el gobierno no. Embajador, hablando de, de aprobaciones: ¿ya le dieron la aprobación a Usted para su desplazamiento hacia otra embajada en Europa?
Caracol (voz femenina): Se va!


Las respuestas del embajador Carlos Medellín dejan claro que el “plan de promoción del arte y de la cultura” del Ministerio de Relaciones Exteriores no se trata realmente de promocionar el “arte” ni la “cultura” sino que es un plan de “propaganda” o “publicidad política que consiste en el lanzamiento de una serie de mensajes que buscan influir en el sistema de valores del ciudadano y en su conducta. Se articula a partir de un discurso persuasivo que busca la adhesión del otro a sus intereses. Es de carácter monológico y requiere el recurso del anuncio. Su planteamiento consiste en utilizar una información presentada y difundida masivamente con la intención de apoyar una determinada opinión ideológica o política. Aunque el mensaje contenga información verdadera, es posible que sea incompleta, no contrastada y partidista, de forma que no presente un cuadro equilibrado de la opinión en cuestión, que es contemplada siempre en forma asimétrica, subjetiva y emocional. Su uso primario proviene del contexto político, refiriéndose generalmente a los esfuerzos patrocinados por gobiernos o partidos para convencer a las masas; secundariamente se alude a ella como publicidad de empresas privadas. […] La propaganda, cuando es utilizada de forma no ética, es en realidad un modo de desinformación y censura y usa la metodología de la retórica para convencer a los destinatarios de la misma. En el sentido político del término se desarrolló fundamentalmente en el siglo XX con la Sociología moderna y la consolidación de la sociedad de masas. El ministro de propaganda de Adolf Hitler, Joseph Goebbels, sociólogo, lo primero que hizo para llegar al poder fue apoderarse de los medios de comunicación de masas para adoctrinar al pueblo con propaganda política. La famosa frase de "Una mentira repetida mil veces se transforma en una verdad" refleja ese modo de proceder.” http://es.wikipedia.org/wiki/Propaganda

La afirmación del embajador Carlos Medellín, repetida en la radio, dice “yo me puse en contacto fue con la Cancillería en Bogotá, les expliqué y les, les comenté la situación, porque la galería, la página web de la galería, se anunció la exposición y se anunció con una foto de los guerrilleros de las FARC” pero omite mencionar la comunicación que tuvo su subalterno Ewin Ostos con María Clara Bernal en la madrugada del 25 de septiembre y no hace mención alguna a la “advertencia” que le hizo el funcionario de la embajada a la profesora de la Universidad de los Andes. También es importante señalar que la imagen de la obra “Los rebeldes del sur” no estaba sola ni en la página de internet de la Galería ni en el plegable que circuló, sino que estaba acompañada de otras imágenes (una obra de María Elvira Escallón y otra obra de Juan Fernando Herrán), lo que demostraba que la exposición, como toda exposición curada en torno a un tema y producto de una investigación académica, no se limitaba a un discurso monológico sino que daba cuenta de toda una serie de relaciones y asociaciones en torno a la idea de “arte y desplazamiento” —toda una relación de saberes que corresponden a lo que se hace en una universidad. Esta investigación fue reconocida en su totalidad por el Ministro de Relaciones Exteriores, Fernando Araujo, superior inmediato del embajador Carlos Medellín, y en un texto de presentación oficial, la cabeza del Ministerio de Relaciones Exteriores reconoce, por escrito en el catálogo, que todo el conjunto de la exposición “Displaced” tiene un carácter académico y artístico:

“Deseo resaltar la interesante visión que proponen María Clara Bernal y Karen MacKinnon sobre el desplazamiento físico y mental que se produce con el flujo migratorio interno y externo. María Clara Bernal toma como base de su investigación las reflexiones emanadas de la XVI Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno (Uruguay, 2006) cuyo tema central fue el de las migraciones, las ideas sobre “exilio creativo” de Vilem Flusser y la propuesta del poeta martinico Édouard Glissant, para quien la traducción es una interacción dinámica entre dos realidades culturales (la de origen y la de llegada).”

“deseo destacar el valor de una exposición como esta que reúne a artistas tan importantes como Alberto Baraya, Milena Bonilla, Andrés Burbano, François Bucher, Johanna Calle, Carolina Caycedo, Wilson Díaz, María Elvira Escallón, Juan Fernando Herrán, Humberto Junca, Delcy Morelos, Oscar Muñoz, Nadín Ospina, José Alejandro Restrepo y Miguel Ángel Rojas, iniciativa que recoge la visión de estos creadores colombianos sobre una pregunta que, hoy más que nunca, cobra una vigencia rotunda e inusitada: ¿en dónde debe ser localizado el lugar llamado hogar?”


5.
Carlos Medellín: me, el beneplácito en este caso lo, lo da la reina Beatriz de Holanda
Gustavo: cha...
Carlos Medellín: e ese beneplácito se dio la semana...
Gustavo: bien....
Carlos Medellín: ...pasada. Me especializo en reinas Gustavo
Caracol (voz femenina): ja, ja, ja

Dentro del libreto de la entrevista no se menciona una sola vez la palabra “censura”. Al comienzo de la entrevista los periodistas de Caracol comienzan diciendo que en “el tema del arte, cayó un aguacero tremendo.” Y si se pone en línea la larga serie de interjecciones con que responden los periodistas a las afirmaciones del embajador Carlos Medellín queda claro que los comunicadores de Caracol o sufren de pereza mental y son ineptos para articular palabra o no tenían interés alguno en salirse del libreto establecido para cubrir una noticia que se anunciaba como polémica; algunas de las “respuestas” de los periodistas a las afirmaciones del embajador Carlos Medellín son: “claro!”, “¡aha!”, “uhum”, “claro!”, “claro”, “claro”, “no”, “¡y eso! ¡y eso!”, “Se va!”, “cha...”, “bien....” y, finalmente, pero no al final de la entrevista, “ja, ja, ja” —y pasan del “aguacero tremendo” del arte a hablar de “reinas”:

“Carlos Medellín: me, el beneplácito en este caso lo, lo da la reina Beatriz de Holanda
Gustavo: cha...
Carlos Medellín: e ese beneplácito se dio la semana...
Gustavo: bien....
Carlos Medellín: ...pasada. Me especializo en reinas Gustavo
Caracol (voz femenina): ja, ja, ja
Gustavo: aquí le tengo a Patricia López si quiere para que lo acompañe o le mando a Nini Johana que creo que quedó un poquito desocupada en la Embajada de Ciudad del Cabo (entre risas de los interlocutores) ¿Cuándo se va para allá Embajador?
Carlos Medellín: esa pregunta es para el Canciller y fi... para el Presidente porque una vez que se da esto...”


Para algunos periodistas hay tres tipos de censura: una censura pequeña, como la que le hace un funcionario del gobierno a una obra de arte, a una exposición, a una investigación académica y a una universidad. Luego habría una censura grande, que sólo es grande cuando, por ejemplo, censuran a un periodista “amigo” —basta recordar el escándalo y la serie de protestas que despertó el caso de la denuncia penal a Daniel Samper y a la Revista Soho hecha por un movimiento llamado “Laicos por Colombia” (ver http://www.flip.org.co/veralerta.php?idAlerta=26). Y, finalmente, el último estadio de la censura: la autocensura, que es una censura que practican día a día los periodistas que tratan de mantenerse con vida, pues si hacen su trabajo reciben amenazas a la vida, o también la autocensura de otros periodistas que, para darse una buena vida, deciden no decir lo que deberían decir pues saben que un periodista puede tener más poder, y privilegios, por lo que no dice que por lo que dice. Pero, para un pensamiento racional, que basa su “razón de ser” en que de “todo se puede rendir razón”, la gravedad de la “censura” es una sola y no hay casos pequeños o grandes de censura y, menos aun, de autocensura: ese pensamiento es la razón de ser de la universidad y es por eso que la Universidad de los Andes debe protestar por el acto de censura del embajador de Colombia en Londres, Carlos Medellín.



B. El estado de la universidad o la universidad en el exilio

1. El próximo año la Universidad de los Andes cumplirá 60 años; en la Declaración de Principios de los Fundadores de la universidad se declara lo siguiente:

“Quienes sólo hacen por sus semejantes aquello a que la ley los obliga, no están cumpliendo a cabalidad sus deberes, ni son buenos ciudadanos, ni merecen la estimación y el respeto de los demás”.

La cita pone en juego la afirmación del embajador Carlos Medellín que para justificar su acto de censura dice: “no podemos hacer sino lo que la ley nos permite”. Bajo la mirada de esta cita, el embajador no es un buen ciudadano y no merece que se le tenga estima o respeto.

2. En la página de Internet de la Universidad de los Andes se cuenta la historia de la universidad y se dice lo siguiente:

“Fundada el 16 de noviembre de 1948 por un grupo de jóvenes liderado por Mario Laserna Pinzón, la Universidad de los Andes es la primera institución de educación superior privada en Colombia de carácter laico e independiente de los partidos políticos, ajena a defender los intereses de algún grupo social o económico.”

Esta cita señala que la Universidad de los Andes no responde a ideologías religiosas, sociales, políticas o económicas: la universidad sólo responde ante argumentos de razón y esos argumentos son los que el embajador Carlos Medellín le queda debiendo a la universidad por la “sinrazón” de su acto de censura: la sola palabra “ley” o “terrorismo” no le puede bastar a la universidad.

3. En la misma página de la Universidad de los Andes, se da cuenta de la Misión de la universidad y dice lo siguiente:

“La Universidad de los Andes es una institución autónoma e independiente que propicia el pluralismo, la diversidad, el diálogo, el debate, la crítica, la tolerancia y el respeto por las ideas, creencias y valores de sus miembros.”

Esta cita señala una serie de valores que caracterizan a un institución autónoma e independiente y sobre los que se fundamenta el pensamiento académico. El embajador Carlos Medellín, con su acto de censura a una obra de arte, a una exposición y a una investigación académica, ha ignorado todos los valores que dan forma a la universidad. Si el Estado, o un funcionario del estado puede decidir sobre lo que es o lo que no es arte, o sobre lo que es o no es administración, arquitectura, ciencias, ciencias sociales, derecho, economía, ingeniería y medicina, ¿pará qué existen las universidades? —con escuelas de formación técnica bastaría y con unos paradigmas de pensamiento establecidos por el Estado, o con propaganda, sería suficiente.

La mejor manera en que la Universidad de los Andes puede celebrar sus sesenta años de fundación es siendo fiel a su razón de ser: pedirle una explicación oficial al Ministerio de Relaciones Exteriores de Gobierno de Colombia por la acciones de censura del embajador Carlos Medellín, puede ser un comienzo.

Para finalizar, el ensayo “Arte y Desplazamiento” de María Clara Bernal, que aparece en catálogo de “Displaced” y que es la plataforma curatorial de la exposición, hace una referencia que se puede leer como un presagio de toda la situación de “desarraigo” o desplazamiento que propicio el acto de censura del embajador Carlos Medellín; lo importante es señalar que en la universidad el conocimiento no se da no sólo en teoría sino también en la práctica y que las ideas, cuando se ven amenazadas, requieren de una defensa que exige acciones “creativas” por parte de la institución:

“Al respecto, Flusser afirma que “el advenimiento de los expulsados en el exilio conduce al diálogo “externo”. El expulsado es un catalizador para la síntesis de nueva información. Si toma conciencia de su propia situación de desarraigo, entonces comienza un diálogo interno consigo mismo, es decir, un intercambio entre la información que ha traído consigo y todo un océano con olas de información que lo agitan en el exilio. El objetivo consiste en la creación de significado entre la información importada y el caos que lo rodea.” Así, de acuerdo con estas afirmaciones, la articulación de la información del lugar de partida, el lugar de llegada y el tránsito entre uno y otro, exige de parte del migrante una iniciativa creativa.”
—María Clara Bernal



—Lucas Ospina
Profesor asistente
Departamento de Arte
Facultad de Artes y Humanidades
Universidad de los Andes

luospina@uniandes.edu.co
3 39 59 49 extensión 2608