Hueso Húmero 60 y ensayo sobre arte geométrico de Augusto del Valle

Hace tres días se reseñó en La República la aparición de Hueso Húmero No.60 --35 años de vida--, y que como ocasión de ello presentó un conversatorio en torno al arte geométrico local con la participación de Mirko Lauer, Marcelo Velázquez, Jorge Villacorta y Augusto del Valle, a propósito de la publicación en ese número de la revista un ensayo de Del Valle titulado "La invención de una tradición: La pintura abstracto-geométrica en el Perú (1948-1958)".
Dada la escasez de reflexiones informadas y serias de historia del arte en el medio local --más allá de lo que una publicación como Illapa heroicamente difunde y lo que algunos investigadores rigurosos publican de forma esporádica-- la aparición de este ensayo de Del Valle en HH es motivo de alegría para impulsar un debate en torno al arte geométrico que hasta hoy ha sido tan solo esbozado. Más aún, al tratarse de un texto que venía siendo pensado desde la exposición Constelaciones que curó Del Valle en las salas del Museo de Arte de Lima en 2006 (como parte del siglo 'Miradas de Fin de Siglo'), que sentó, como una de sus principales preguntas, si era efectivamente posible imaginar un horizonte geométrico del arte peruano del siglo XX. Sobre esa  exposición se puede leer una entrevista de Diego Otero al curador aquí, y una reseña mía aquí.

Reproduzco la nota aparecida en La República.
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Revista Hueso húmero llega a su edición 60

Codirigida desde su fundación por Mirko Lauer y Abelardo Oquendo, esta revista de artes y letras llega a su sexagésima entrega con un sumario pleno de interés.

Federico de Cárdenas

En un país en el que sobran los dedos de la mano para contar el número de revistas culturales serias que no se sostienen gracias al respaldo de universidades y en el que la mayoría de ellas suele tener vida efímera, la sobrevivencia de Hueso húmero –de vallejiano título– es un milagro que merece destacarse. Y si a este prodigio agregamos que se trata de la mejor revista en su género, con materiales exclusivos y calidad constante, pues nos encontramos con doble motivo de asombro.

Una explicación posible a una calidad y permanencia que abarcan ya tres decenios y medio puede deberse al carácter de empresa artesanal que siempre ha acompañado a la revista, que no cuenta con una gran infraestructura y cuya organización es fruto de la dedicación que le prestan sus codirectores, Mirko Lauer y Abelardo Oquendo. Pero otra, qué duda cabe, es que responde al gusto exigente de sus editores, estudiosos calificados de nuestra literatura y arte.

En palabras de Mirko Lauer, uno de los secretos de Hueso húmero consiste en no apostar por escritores o artistas consagrados, sino arriesgar por nuevos valores, escritores y artistas que se encuentran al inicio o en los primeros pasos de sus carreras y que requieren de un apoyo para ser descubiertos, que es el que les brinda HH.

En circunstancias “normales”, la revista no realiza ninguna presentación previa a la aparición de un nuevo número y depende de la buena voluntad de las secciones culturales que quedan en la prensa peruana para que den cuenta de su salida e ingreso a librerías. Esta vez, por el hecho de haber alcanzado la cifra redonda de 60 entregas y por la importancia pionera del ensayo de Augusto del Valle titulado La invención de una tradición: la pintura abstracto-geométrica en el Perú (1948-1958), el mismo que rescata la producción de artistas como Benjamín Moncloa, Luis López Paulet, Jorge Bracamonte Vera, Aníbal Santibáñez y, en especial, Raúl Goyburu, Hueso húmero realizó un conversatorio animado por Mirko Lauer y con participación de Augusto del Valle y de los críticos Marcel Velázquez y Jorge Villacorta.

SUMARIO DE PRIMERA

No acaba aquí por cierto, el interés de esta entrega, que contiene tres poemas de Abelardo Sánchez León (adelantos de su libro Grito bajo el agua) que marcan el retorno de su autor a la actividad poética luego de un silencio de doce años. También se presentan poemas de Julio Pazos, Ina Salazar, Valèrie Rouzeau y Mirko Lauer, relatos de Guillermo Niño de Guzmán (El sol de las brujas) y Camilo Torres (El goce más íntimo) y una apasionante y erudita lectura de A polar explorer (Un explorador polar), poema de Joseph Brodsky, a cargo de Mario Montalbetti.

Paulo Drinot, en Ciberlugar de memoria: la Guerra del Pacífico en la era global de Youtube entrega un ensayo sobre la emisión de la serie chilena “Epopeya” en la cadena global y las visiones contrapuestas de la contienda, plasmadas en los cientos de comentarios altisonantes que acompañan a cada episodio. Del fallecido compositor y teórico Jonathan D. Kramer se publica un valioso texto sobre La naturaleza y los orígenes del posmodernismo musical.

También este número rescata un texto del escritor Luis Loayza, Homenaje a Marylin Monroe, publicado sin firma al momento de la muerte de la actriz. Lo acompañan Tensiones en la vanguardia: nueva música en el Perú (Luis Alvarado) y una penetrante lectura de Luis Arturo Guichard a la obra poética de Eduardo Chirinos a partir de su Anuario Mínimo. Finalmente Mirko Lauer reseña En los márgenes de nuestra memoria histórica, reciente libro de Max Hernández, y José Ignacio Padilla hace lo propio con Roberts pool crepúsculos, poemario de Roger Santiváñez. Entrega sin pierde, esta de Hueso húmero 60.             

Hoy: Conversatorio "30 AÑOS NO ES NADA - PARÉNTESIS – CONTACTA 79"

30 AÑOS NO ES NADA - PARÉNTESIS – CONTACTA 79

FOTOS DE ROLF KNIPPENBERG

Curador: Augusto del Valle. Gestores: Fernando Bedoya y Jorge Villacorta.

(… y “nadie es profeta en su tierra”, Emei)

En el espacio de exhibición (e)Star (Belén 1044, Centro de Lima), se muestra en estos días, y hasta el domingo 20 de junio de 2010, una muestra documental que permitirá nuevas miradas a un período crucial de la historia limeña de las artes visuales que es el año 1979: imágenes del grupo “Paréntesis” y del histórico Festival de arte total “Contacta 79”, organizado por dicho grupo.

A lo largo de la selección de una cincuentena de fotos hasta hoy nunca mostradas, tomadas por Rolf Knippenberg , un enfermero alemán que se instaló en Lima entre julio de 1979 y el verano de 1980, se reconstruye el devenir vitalista, conceptual pero también político, de un grupo de jóvenes reunidos en una vieja casona de Barranco (Pedro de Osma 112, hoy pub “La Estación”) quienes con una decena de propuestas objetuales y performances tomaron la plaza central de Barranco y alrededores, los días de fiestas patrias de 1979, como una extensión territorial de experimentación de sus prácticas al interior de dicha casona.

Esta mirada extranjera de un joven proletario alemán que viajaba con una cámara por Sudamérica, se complementa con otro documento referido al mismo evento e igualmente nunca mostrado: una carta que describe el Festival “Contacta 79” escrita por una de sus protagonistas, la argentina Mercedes Idoyaga (“Emei”), que superpone otra mirada extranjera sobre el mismo proceso artístico-político-visual que marcaría gran parte de las prácticas contemporáneas de la década siguiente en el Perú.

La tardía pero bienvenida publicación de estos documentos (uno visual: las fotos; el otro textual: la carta), permitirá formular nuevas interpretaciones sobre el arte contemporáneo peruano, pero ahora apoyadas en archivos puestos a disposición de todos en esta sala de exhibición del centro de Lima.

Al cabo de treinta y un años de mitificaciones provocadas por lecturas sesgadas y por la ausencia de documentación fehaciente, es con estas miradas desde dentro -pero a la vez extranjeras-, que la frase nadie es profeta en su tierra cobra sentido.

Invitan Rosita Presenta y Vanini. Última semana de exposición, todos los días de 3pm a 9pm (menos martes y jueves).

Conversatorio abierto sábado 19 de junio, a las 6pm. Espacio (e)Star, Belén 1044, 3º piso, Centro de Lima (1/2 cdra. Plaza San Martín)

"30 años no es nada - Paréntesis - Contacta 79. Fotos de Rolf Knipenberg"

Hace pocos días atrás se inauguró la exposición "30 años no es nada - Paréntesis - Contacta 79. Fotos de Rolf Knipenberg" curada por Augusto del Valle en la sala [e]Star. La exposición es un despliegue de cerca de 150 fotografías sobre la escena artística barranquina de fines de los 70 e inicios de los 80, sin duda una recuperación muy relevante y significativa sobre la memoria reciente de las prácticas críticas locales. Reproduzco la nota escrita por Del Valle de su blog.
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"30 años no es nada - Paréntesis - Contacta 79. Fotos de Rolf Knipenberg"

Cuando en 1979 Rolf Knippenberg llegó de Stuttgart, se encontró, en Lima, con una escena ya constituida, con un espíritu, Paréntesis, un grupo de amigos pero también de artistas que, en el distrito de Barranco, había decidido tomar el Parque Municipal y los alrededores para realizar lo que en ese momento quisieron llamar "Festival de arte total".

A través de la mirada de Rolf, de un archivo que consta de 15 películas de 36 imágenes cada una y de las que hoy presentamos una selección de cerca de 150 fotografías, empezamos a descubrir, poco a poco, lo que significó este espíritu para el origen del arte contemporáneo peruano. Del viernes 27 al lunes 30 de julio de 1979, se presentaron en el festival obras de 60 artistas plásticos, 8 cineastas, 2 grupos de teatro, 2 grupos musicales y un buen número de poetas.

En alguna de las fotografías reconocemos una lista en la que se enuncian distintos géneros tradicionales y, junto a estos, aparece lo que Paréntesis llama "Arte no catalogado". En este se incluyen acciones, ensamblajes y otras situaciones que escapan a toda clasificación del momento. Allí se descubre un claro interés por elaborar una posición crítica frente a los íconos nacionales y religiosos, sobre todo a su sentido tutelar y ritual, al menos para un país como el Perú: una instancia que apuesta a que cada uno se asuma como mayor de edad, un reclamo de modernidad. Una eclosión de energía, sin duda, pero también un cuestionamiento de todo sentido posible para postular el hallazgo de sentidos nuevos, acaso válidos hasta el día de hoy.

Augusto del Valle

[La cita es el dia de hoy, 2 de junio de 2010, en la galería [e]Star, en la calle Belén 1044/1042, en Lima-cercado, frente a la estación de los bomberos. La curaduría es de Augusto del Valle Cárdenas. La gestión de Jorge Villacorta y Fernando Bedoya. Un agradecimiento especial para Lucy Angulo, Guillermo Bolaños, Martín Biduera, José Antonio (Cuco) Morales, Raúl Villavicencio y Rolf Knippenberg, miembros de Paréntesis. Así, mismo a Janine Soenens, por prestarse a dialogar conmigo y ordenar una serie de ideas que vengo elaborando al respecto.]

[Fotografía de arriba, archivo de Trecemonos. Se ve a Rolf, fue tomada ayer, 1 de junio de 2010]

Signo x Signo, los 80, la historia y el deseo

Algún tiempo atrás el filósofo e historiador peruano Augusto del Valle amenazaba con abrir un blog. Grande ha sido mi sorpresa al encontrar un reciente comentario suyo aquí con un link que nos permite descubrir ya una bitácora con varias de las ideas que ha venido trabajando en años recientes. Así que esto es sin duda un motivo para celebrar. El nombre de su blog es 13 monos. No he tenido demasiado tiempo para revisarlo pero el más reciente post de esta nuevo blog es precisamente sobre un tema que me resulta profundamente interesante. Augusto plantea una primera reflexión sobre Signo x Signo, el título de una exposición en 1979 pero también el nombre con el cual se referió a un colectivo de arte en medio del auge del no-objetualismo a inicios de los 80.

El texto me parece clave por muchos motivos que desprendo rápidamente: el primero es que se sugiere la necesidad de revisar las formas en las cuales la historiografía ha situado un conjunto de coordenadas visibles en torno a aquella década, más aún cuando se remite a la compleja transición de los 70 a los 80. Es más que evidente que el retorno de Huayco E.P.S. no agota ni el 10% de las posibilidades de pensar políticamente un escenario de múltiples violencias. Y más aún yo me atrevo a pensar--no sin conocimiento de causa--que no se trata precisamente de lo más interesante del período aun cuando Huayco sin duda cataliza una de las transformaciones críticas más radicales de aquel panorama (pensemos por ejemplo en la experiencia del Grupo Chaclacayo sin duda un espacio al margen al interior de la represión de la época).

El segundo motivo es que pone nuevamente sobre la mesa el tema de los colectivos de arte desde fines de los 70 y particularmente durante los 80. Enumerarlos es una tontería pero no me extrañaría tampoco que se pueda hacer un gesto de extrañamiento ante tal afirmación ya que la exigua historia del arte local ha dado pocas señas de querer volver a pensar políticamente aquel periodo (sin duda la publicación que con más rigurosidad y agudeza ha abordado la etapa ha sido EPS Huayco. Documentos, que publicó Gustavo Buntinx y que varias otras veces ha sido mencionada aquí). Aunque incluso hablar del historia del arte local sea exagerado ya que de reflexiones históricas es precisamente de lo que carecemos. Parece que la situación fuera inversamente proporcional al número de subastas que están habiendo.

El tercer motivo es que interroga el papel que cumplen determinadas categorías o etiquetas al momento de construir una topografía del periodo. Augusto alude a un momento concreto durante la elaboración que hacíamos del libro Post-Ilusiones. Nuevas Visiones. Arte crítico en Lima (1980-2006) que salió publicado en 2007: la discusión en torno a si Signo x Signo era o no un colectivo de arte. Nuestras posiciones entonces eran enfrentadas pero no del todo inflexibles, ya que para mi la historia del arte no es un ingenuo dar cuenta de lo hay (esa labor positivista del detective de lo invisible es precisamente todo lo que rechazo del historiador convencional) sino que produce y performa los sujetos (políticos) de los cuales pretende dar cuenta. Así, ya muy foucaltianamente diría que me importa menos el entender qué es, sino el qué es lo que lo hace posible. Importa pensar entonces que permitió que una categoría como no-objetualismo haya servido, aunque sea fugazmente, para articular en un lugar y momento específico un conjunto de experiencias contra los sistemas tradicionales de representación, o considerar qué tensiones se encuentran en ese modo de hacer de un crítico de arte local que percibe, proyecta y nomina determinadas formas de colectividad en la escena, por mencionar dos de los puntos allí mencionados. Agregaré un elemento más que quizá a Augusto le resulte jugoso. Y es que Hugo Salázar del Alcázar no solamente autoafirmó el nombre del colectivo de Signo x Signo (siendo él crítico de arte y participante directo) sino también dio nombre a uno de los grupos más radicales de la época: el Grupo Chaclacayo. Es precisamente con algunas de las visitas en la época que hacía Hugo Salazar a la casa que compartían Helmut Psotta, Raúl Avellaneda y Sergio Zevallos, que el nombre se desliza en uno de sus primeros textos (y uno en particular aún hoy inédito). La conjunción no es menor ni casual. Es también Hugo Salazar del Alcázar uno de los motores principales de una experiencia como Por el derecho a la Vida en 1985, y cuyo video recuperado y digitalizado presentamos hace algunas semanas en Lima. Las conexiones son mucho más complejas y aún del todo inesperadas.

Lo cual me lleva al cuarto motivo, y es que precisamente poco se ha pensado la historia a traves de estos movimientos menores, transversales. Hugo Salazar del Alcázar es una de piezas móviles pero no la única para pensar como se entramó una particular reflexión sobre la época, que atraviesa configuraciones interesantes de pensar entre el discurso socialista y un conjunto de práctivas visuales que estaban alterando el repertorio de sus modos de hacer visible en el espacio público. No es casual que no solamente artistas sino incluso comentaristas y críticos importantes (me viene a la mente todos los escritos de Roberto Miró Quesada) hayan quedado aún hoy sepultados. Es evidente que nuestra historia ha cancelado y reprimido varios obstáculos quizá más problemáticos e incómodos de pensar en el proceso de construcción de cierto consenso triunfalista que imagina hoy el futuro más promisorio y boyante de las artes visuales locales.

Pero mál haríamos en considerar que se trata simplemente de seguir ensanchando las paredes de la historia para continuar acumulando sucesos como si se tratara de un costal sin fondo. Algo me empieza a interesar de varias de estas situaciones es pensar cómo ciertas formas de hacer micrpolíticas perforan las consignas dadas. Me pregunto también cómo generar espacios discursivos que no se agoten en el mero señalamiento de lo dado ni en la fijación del acontecimiento sino que puedan irrumpir frente a cualquier teleología, contra toda geografía. Mi pregunta es precisamente sobre qué puede hacer posible la historia, que espacios de imaginación radical abre, qué flujos desregula, que cuerpos desclasifica, ya que su práctica es en esencia política.

Un quinto motivo no menos importante es que este texto en su blog nos promete--sino incluso que obliga--una reflexión continua y más extendida sobre el tema, y que parece Augusto estar preparando desde ya.

Antes de reproducir el post me parece importante dejar señalado adicionalmente una omisión importante de reparar: el video del cual se extrae el still del video de Lima en un árbol, fue recuperado con el apoyo de ATA pero bajo la iniciativa de Micromuseo ("al fondo hay sitio"), y presentado en el Centro Cultural de San Marcos cuando Gustavo Buntinx era director del mismo. (Actualizado 26/10/09)

Reproduzco ahora el post de Augusto. Sobre este asunto y sus múltiples aristas he venido trabajado con Augusto de forma cómplice aunque independiente, con fructíferos antagonismos de por medio, y espero que en algunos años toda esta charla y debate pueda volcarse de una manera violenta en la escena. Algo que permite alterar nuevamente nuestras cartografías del deseo.
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El extraño caso de Signo x Signo (1979-1981)
por Augusto del Valle

El final de la década de 1970 en el Perú y en Lima, en particular, fue muy importante para las artes visuales. El distrito de Barranco se había convertido en un lugar interesante desde el punto de vista de los acontecimientos culturales y allí, del 27 al 30 de julio de 1979 tuvo lugar la ahora mítica Contacta' 79, en el Parque Municipal de ese distrito, en el Puente de los Suspiros y en el Auditorio Parroquial. Sobre este acontecimiento todavía se ha dicho poco, casi siempre estimulando la idea de que lo que vino después fue más vanguardista y no-objetual, así, por ejemplo, el trabajo de E.P.S. Huayco, un colectivo de arte acerca del cual Gustavo Buntinx ha escrito ya innumerables ensayos.

Esto es algo más que sabido y aunque probablemente existan fuertes razones para dudar de ello, eso no es lo que me propongo hacer en esta ocasión. Claro, me refiero a que si bien no resulta evidente de suyo que las prácticas estéticas promovidas por E.P.S. Huayco hayan sido, necesariamente, ni las más vanguardistas ni las más no-objetuales, por ahora lo más importante es hacer énfasis en otros tipos de prácticas. Lo que este breve texto quiere señalar es, en cambio, hacia la existencia de otra escena vanguardista, muy cercana a la anterior, sin duda, pero divergente de esta. En ese mismo mes de julio de 1979, pero a comienzos, el arquitecto Giusepe Manigrasso, había convocado a un grupo de jóvenes entre artistas y arquitectos. Provenientes de los estudios en arquitectura, Hugo Salazar del Alcázar y Wiley Ludeña, juntaron sus esfuerzos con otros que venían de los estudios en artes visuales, Patricia López-Merino y Armando Williams. La revista Caretas, importante semanario local dedicado a los temas de política y coyuntura, en la fotocopia que vemos al inicio de este breve texto, termina su nota hablando de la aparición de un grupo de arte conceptual, uno que, además pretende mirar a Lima bajo cierta perspectiva:


El ejercicio de documentar la existencia concreta de este grupo de arte conceptual peruano ha pasado por distintas etapas. Hace unos años, cuando junto con un grupo de amigos hacíamos el libro Post-Ilusiones/ Nuevas visiones. Arte crítico en Lima (1980-2006), me di con la sorpresa de que uno de mis amigos más queridos dudaba de la existencia de este colectivo.

Su convicción se basada en que, al haber entrevistado a alguno de los ex-integrantes, había quedado convencido, por este testimonio de parte, de que, simplemente, el colectivo aludido nunca había existido. Y que tal colectivo, propiamente, había sido un invento del historiador del arte Alfonso Castrillón. Confieso que la idea me era sumamente atractiva. ¿Cuántos historiadores han creado entelequias que luego aparecen actuando en los hechos culturales como si se tratara de personas y acciones concretas, con obras específicas y detalles de cuya veracidad nadie duda? La idea no solo me cautivó en ese momento, sino que, al tener mucho del espíritu lúdico con el que el conceptualismo se había propuesto desmitificar las ideas establecidas acerca del arte como objeto para ser contemplado, no dejaba de proponerse como una sólida hipótesis. Además todo esto ya empezaba a tener un temple parecido a aquel que encontramos en las historias que cuenta Jorge Luis Borges cuando nos hace ver cómo algunos de sus protagonistas son héroes acaso ya olvidados e invisibilizados por intereses subalternos. Intereses que siempre quieren borrar con un solo gesto, la importancia de la imaginación y de la fantasía en la concreción de los hechos, me digo a mi mismo (ya en tono paranoico aunque sublime).

Pero el asunto es que Signo x Signo aparece mencionado como colectivo no solo por Alfonso Castrillón. Encontramos una referencia a él en un artículo escrito en 1983 por Hugo Salazar del Alcázar (1955?-1996), quien habla de este no-objetualismo bajo la idea de que se trataba de un segundo momento del conceptualismo en el Perú, puesto que el primero había existido entre 1965 y 1975. No es este un lugar para entrar en detalles acerca de las características que Salazar del Alcázar le atribuye al primer conceptualismo local, solo diré que su interés es, en lo básico, constatar la aparición de un horizonte crítico que anima los nuevos proyectos, pues "En el 79 encontramos trabajos que nos dan estas nuevas señas. Las propuestas Perfil de la mujer peruana, de Teresa Burga Y Marie France Chatellat, los trabajos del grupo Signo x Signo (Patricia López, Armando Williams, Rossana Agois, Wiley Ludeña y Hugo Salazar), junto con los eventos de Alfonso Castrillón y sus alumnos de San Marcos, plantean un acento nuevo respecto de la tradición anterior".

Dos cosas. La primera: quien escribe aquí es el propio Hugo Salazar. Esto coloca, nuevamente, la atención en que se trata de un nuevo testimonio de parte de un ex-integrante, solo que esta vez dicho testimonio es afirmativo con respecto a la existencia del colectivo. La segunda: en la lista de miembros aparece un nuevo integrante, Rossana Agois, vinculada a la escena de la arquitectura local. Esta constatación nos permite ir construyendo una idea un poco más precisa acerca de este colectivo. Atribuir, por ejemplo, una naturaleza más elástica al posicionamiento de los miembros con respecto a su participación como artistas, pues resulta claro el anclaje del colectivo respecto a una mirada desde las coordenadas del urbanismo y la arquitectura. Sin duda, el verdadero interés de Signo x Signo, estuvo más en la elaboración de proyectos que en la reivindicación de la naturaleza artística de sus ideas. Más aún, la mirada que haya podido tener cada miembro del colectivo acerca de sí mismo, imagino, no pasó por una idea fija de artista, sino más bien por una circunstancia precisa de participación.


Es interesante hacer notar, finalmente, en esta hoja de proyectos, aparecida en la revista Utópicos (n° 1) de octubre de 1982, la importancia crucial que se le otorga a dos que muestran intervenciones sobre el espacio de la ciudad de Lima. Estas aparecen como programáticas: la calle es intervenida, el acontecimiento celebrado. El primero es del colectivo E.P.S. Huayco, Arte al paso, el segundo de Signo x Signo, Lima en un árbol. En la ficha, como se puede notar, no aparece el nombre de ambos colectivos sino solo los integrantes del proyecto específico. Hay un elemento transgresor en ambas propuestas, puesto que se invade un espacio público, sin más. Más específicamente, Lima en un árbol, persigue interrumpir el flujo en una arteria principal del centro de la ciudad colocando un árbol en el cruce de dos avenidas muy transitadas. Hecho que ocurre, en la puesta, por cerca de 30 minutos, tal como aparece documentado por un vídeo.


Allí, vemos al propio Hugo Salazar quien mediante una soga que cruza la calle ha amarrado el árbol a un grifo de agua que está tras un carro que aparece en el primer plano de la imagen. Con el tiempo Salazar se convertiría en un animador de la escena cultural, como crítico de teatro y como comunicador. En la segunda mitad de la década de 1980 su trabajo en la radio con su programa Cultura Viva, al medio día, mostraría una riqueza de contenidos por sus comentarios acerca de la música popular, la danza, las artes visuales y, por supuesto, la literatura y el teatro. Gracias a las horas que lo escuché, a las entrevistas y otras piezas de audio que su programa difundía a lo largo de esos años difíciles (tiempo en el que la violencia exhibía su rostro más cruel) es que guardo un vivo recuerdo de su manera de aproximarse a la cultura pues en medio de una intensa sensación de inseguridad y precariedad logró, a pesar de todo, que uno juntara poesía y estética a un intenso deseo de afirmación de la vida.

Para el contexto latinoamericano, sin embargo, 1981 significa el final de la década de 1970. Es el momento más importante del crítico de arte Juan Acha (1916-1995), quien ese mismo año es invitado por el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM), Colombia, a dirigir lo que se llamó el Primer Coloquio Latinoamericano sobre Arte No Objetual y Arte Urbano. Este megaevento, venía acompañado por una exposición de arte no-objetual. Por una extraña situación, me pude vincular, hace poco, con esta importante institución colombiana y grande fue mi sorpresa cuando, después de un inventario de sus archivos, surgieron intactos los documentos de una serie de proyectos de Signo x Signo, nunca realizados.

Todo parece indicar que su existencia, ahora que ha pasado tanto tiempo, nos viene junto con su evidencia documental, de un país vecino, Colombia. Y que tal existencia viene al encuentro de nuevas convicciones con respecto del sentido relacional del arte no-objetual, es decir, aquella que destaca la importancia que hoy en día tiene la "mediación" en las artes visuales. Una mediación que es al mismo tiempo participación e interacción entre diversos actores sociales y culturales en contextos específicos: el barrio, el trabajo, la vida misma. La importancia que antes tuvo el objeto para las artes visuales (y que aún lo tiene en el mercado del arte y en los museos tradicionales) señala hacia formas de experiencia y de participación en proyectos en los que, al fin y al cabo, se logran satisfacer importantes necesidades estéticas mientras nuevas formas de precariedad y dominio se yerguen amenazantes en el horizonte.


[El documento que aparece en imagen, al comienzo de este texto, está tomado de Caretas, n° 560, 9 de julio de 1979, Lima-Perú, p.65. Los dos proyectos están tomados de la revista Utópicos, n° 1, octubre de 1982, Lima-Perú, p.8. La imagen de Hugo Salazar del Alcázar ha sido extraída del video de Lima en un árbol, recuperado en 2002, por Alta Tecnología Andina (ATA). El video también circula en la plataforma youtube de Internet.]

Hoy. Políticas del display de Alejandra Ballón en la sala [e]Star

La Galería [e]Star inaugura este sábado 22 de Agosto a partir de las 7pm la exposición "Políticas del display" de Alejandra Ballón bajo la curadoría de Augusto del Valle.

PLATAFORMAS PARTICIPATIVAS
DINÁMICAS SOCIALES
COLABORACIONES
MICRO PROCESOS
IDENTIDADES LOCALES
CRÍTICA INSTITUCIONAL
ASOCIACIONES CIVILES

La exposición cuenta con la colaboración de: Alfredo Márquez, Giuseppe De Bernardi, Eliana Otta, Nelson Munares, Francisco Melgar, Alfredo Villar, Jorge Villacorta, Mariana Leguia, Cesar Ramos, Vlado Alonso, Miguel Zegarra, Beatrice Glow, Hiroshi Sunairi, Maya Ballen, Jorge Luis Chamorro, Cherman Kino Ganoza, Christians Luna, Mariafé Nevares, Pablo Goto, Raúl García Pereira, Antonio Quispe, Rodrigo Quijano y el Colectivo Kuruickay.

Y con el apoyo/auspicio de: STANSA, SISE, CORTE TRANSVERSAL, TUPAC, Asociación civil LABOR y MOSAO.

El horario de atención de la Galería [e]Star es: LUNES, MIERCOLES, VIERNES Y SABADOS de 2pm a 9pm y DOMINGOS de 2pm a 6pm
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Alejandra Ballón se afincó en Ginebra desde hace algunos años en el Programa de Master en investigación Crítica, Curaduría y Cibermedia de la Universidad de arte y diseño HEAD (Haute Ecole d´Art et Desing). Ballón ha promovido desde ese centro una investigación que interrelaciona lo social, la política cultural y la crítica institucional. En estos momentos desarrolla el proyecto expositivo “Políticas del display” que cuanta con la pasantía TUPAC para artistas contemporáneos.

Ballón ha participado en la realización de exposiciones y proyectos críticos tanto de manera personal como colaborativa. Su obra escrita y visual ha sido publicada en varios libros y revistas del medio artístico a nivel internacional. Sus exposiciones atraviesan diferentes disciplinas artísticas con comodidad: instalación, dibujo, música, performance, pintura y media art. Entre sus exposiciones personales cuentan: “Schwarzlicht”, programa de residencias Temps, Berlin [2007]; “Ediciones Cemento”, Galería Forum, Lima [2004]; “Cirugía plástica”, Museo de arte del Centro Cultural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Lima [2003]; “Línea Victoria”, Museo de Sitio Parque Reducto N° 2, Lima [2003]; “Contexto”, Galería El Escusado Lima [2002]; “Paradojas”, Galería Forum, Lima [2002].

Dentro del museo, el infinito a juicio

Luego del encuentro 10.000 Francos de Recompensa. El Museo de Arte Contemporáneo vivo o muerto, organizado a fines de 2006, que contó con la presencia de Martha Rosler, Jean-François Chevrier, John Beverly, Ana Longoni, Ute Meta Bauer, Benjamin Buchloh, Suely Rolnik, Mieke Bal, Manuel Asensi, Paulo Herkenhoff, Gustavo Buntinx, entre otros, la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE) organiza un segundo Encuentro de debate y pensamiento en torno al papel de los museos y centros de arte contemporáneo en la actualidad.

Esta vez el encuentro es en Cáceres, España, el 6, 7 y 8 de noviembre de 2008, bajo el título 'Dentro del museo, el infinito a juicio'. Y cuenta con la participación de los críticos peruanos José Carlos Mariátegui y Augusto del Valle, de la historiadora argentina Andrea Giunta, la investigadora chilena Paulina Varas, el artista brasileño Ricardo Basbaum, entre otros. El blog del Guerrero también ha informado aquí sobre el encuentro.

Copio el programa.
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Dentro del museo, el infinito a juicio

Jueves 6 de noviembre de 2008

18:30 h
Presentación del programa

19:00 h
Conferencia inaugural a cargo de Édouard Glissant

Viernes 7 de noviembre de 2008

10:00 h-12:00 h
Comunicación o consumo. La expansión del museo y el encuentro con el público
Ponentes: Tania Bruguera, María del Carmen Cossu y Paulo Portella Filho
Moderadora: Alicia Chillida
La práctica masiva del consumo cultural ha reubicado a la institución museística en un entorno contradictorio y complejo, caracterizado por su expansión acelerada y la multiplicación de su oferta, pero al mismo tiempo afectado también por una generalizada tendencia a transformar la cultura en producto, a reproducir los modelos operativos del mercado, o a satisfacer a la industria del entretenimiento. En la era de la modernidad consumista el museo cambió su personalidad y ensayó nuevas prácticas, pero aún preserva la función pedagógica que se le atribuye desde sus mismos orígenes y debe profundizar en esa orientación, reutilizando sus potencialidades y explorando procedimientos educativos y de comunicación que le permitan desarrollar sus vínculos con la comunidad e impulsar iniciativas que favorezcan la negociación con un público más participativo. El museo no ha podido sustraerse a la coerción ni al apremio consumidor del tiempo presente (la noción misma de consumo cultural se ha problematizado), pero todavía constituye un espacio alegórico desde el que contribuir a la producción de sentido, o desde el que responder a la necesidad social de búsqueda de significado y de reconocimiento. El debate se centra en tres experiencias de educación en la enseñanza de las artes llevadas a cabo por artistas e historiadores, tanto dentro como fuera del ámbito del museo.

12:00 h
Pausa café

12:30 h-14:00 h
Debate

16:00 h-18:00 h
La comunidad en Red. Cartografías, estrategias, plataformas

Ponentes: Martin Grossmann, Jorge La Ferla y José Carlos Mariátegui

Moderador: Antonio Franco

En la realidad del mundo globalizado, el conjunto de relaciones que constituyen el campo social que se puede llamar red ha experimentado una transformación radical y vive una intensificación sin precedentes, como consecuencia irreversible del cambio tecnológico. Hiperactivada por la revolución informacional a la que estamos asistiendo, esa red de relaciones produce en la actualidad un volumen y un flujo de intercambios culturales que constantemente genera nuevas ramificaciones y que corrige tanto la imagen horizontal del centro-periferia, como amplía por otra parte los espacios de representación en el territorio simbólico de la comunidad. La sociedad de la comunicación y de los nuevos medios ha puesto a disposición del museo recursos de los que antes carecía para interactuar con el territorio y mejorar sus transacciones con la sociedad local, o para extender sus relaciones y participar en sistemas geoestratégicos más abiertos y más amplios. En el marco de la agrupación simbólico-cultural iberoamericana, los museos pueden actuar como espacios desde los que impulsar dinámicas de innovación, experiencia y reciprocidad; o desde los que contribuir a una reflexión crítica sobre la identidad en un contexto abierto a la transterritorialidad, a los movimientos migratorios y a los procesos de hibridación y mestizaje.

18:00 h
Pausa café

18:30 h-20:00 h
Debate

Sábado 8 de noviembre de 2008

10:00 h-12:00 h
¿Inmunes a la crítica? La (auto) crítica institucional: el cambio de roles

Ponentes: João Fernández, Andrea Giunta y Rubén Martínez

Moderador: Ferran Barenblit

El museo de arte contemporáneo ha vivido, a lo largo de su corta existencia, momentos de fuerte contestación desde diversas instancias y parece estar atravesando, esta vez en su propio seno, un nuevo proceso crítico. Para explicar este fenómeno bastaría con enumerar las apremiantes exigencias y amenazas de toda índole que pesan sobre él, un panorama especialmente desalentador, habida cuenta de la dificultad de su cometido en la sociedad. Ante la necesidad de redefinirse, las instituciones cuestionan su rol, ensayan diversos procesos de negociación y de producción de discurso crítico. La apertura y confrontación con otras voces evidencia una nueva manera de entender y, en el mejor de los casos, atender las demandas de los agentes externos, aún a riesgo de acusaciones de instrumentalizar el acercamiento como un mecanismo de legitimación social. El término crítica institucional aparece en la década de 1960 para referirse al conjunto de posturas, posicionamientos y prácticas que ponen al arte y sus instituciones ?sobre todo, los museos y el mercado? en el centro de una renovada atención y escrutinio. Conforme se avanza también hacia una institucionalización de la crítica, el rol de muchos artistas ha mutado hacia un comentario sobre el papel de los diferentes factores que participan en la producción y recepción social del arte. En el centro del debate, las instituciones parecen haberse inmunizado a los ataques, muchas veces con la excusa de haberlos generado.

12:00 h
Pausa café

12:30 h-14:00 h
Debate

16:00 h-18:00 h
Del arte participativo a la institucionalización de la estética relacional

Ponentes: Ricardo Basbaum, Augusto del Valle y Paulina Varas

Moderadora: Teresa Velázquez
Desde la década de los 60 el arte ha experimentado una tendencia constante hacia prácticas de proximidad que activan una relación directa con el público en un intento de involucrar al espectador en la construcción compartida de significado. El interés creciente de los artistas por la realidad de su entorno se ha traducido en un desplazamiento de su función de productores hacia la de mediadores. La revalorización de la dimensión relacional del arte como un servicio que propicia la cohesión social ha normalizado diversas fórmulas de interacción sociocultural, convirtiendo el foro de debate en torno a cualquier cuestión en una de las prácticas artísticas más extendidas.

18:00 h
Pausa café

18:30 h-20:00 h
Debate

Gastón Garreaud - Retrospectiva (1957-2005)

Quizás sean las distancias geográficas pero no me he enterado de prácticamente nada (!) sobre la exposición retrospectiva de Gastón Garreaud que se viene presentado en el ICPNA de Miraflores, bajo la curaduría de Augusto del Valle. Y como Augusto aún no me ha mandado fotos, y como tampoco tengo mayores referencias -y como la página web del ICPNA es un fracaso-, colgaré dos de las pocas notas de periódicos que encontré en la web para que no se le pase a alguno la oportunidad de verla (va hasta el 26 de octubre). Y si alguien tiene mejores links o imágenes que me los mande!
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Diario La República

La creación múltiple de Gastón Garreaud

ICPNA exhibe muestra retrospectiva que reúne trabajos de los años 1957 al 2005. Dibujos, monotipias, bocetos y esculturas nos muestran el recorrido de un creador vital.

Visión del artista. Una pintura de las obras de Gastón Garreaud que se aprecian en la muestra del ICPNA.

Vanguardista. Una imagen de archivo del artista que exploró tendencias.

Buen dibujante,aquí una muestra.

Con una muestra que recoge los trabajos del recordado artista plástico peruano Gastón Garreaud se inauguró ayer con el título "Retrospectiva, 1957-2005", en la Galería Germán Kruguer del Instituto Peruano Norteamericano, ICPNA.

El trabajo que realiza este artista se ubica dentro de las denominadas corrientes de vanguardia y se ha convertido, según el curador de la exposición, Augusto del Valle, en "un trabajo crucial para entender el proceso de los últimos 60 años de las artes plásticas de nuestro país".

"Fue a comienzos de los años sesenta cuando una nueva generación de artistas peruanos asumió nuevos patrones y tópicos de construcción al momento de crear una obra de arte. Entre ellos se encontraban los hermanos Marx, Herman Braun y Sigfrido Laske, un experimentado pintor que Garreaud había conocido en 1955", anota Del Valle.

Una vuelta de tuerca

Fue aprovechando su viaje en Roma durante los años 1955 y 1959 que originalmente planificó para llevar estudios de arquitectura, que se acercó a las artes plásticas y al pilotaje de aviones.

Sobre este particular, explica Del Valle: "Poco después de su regreso a Lima, en 1960, Garreaud expone pintura abstracta en la influyente sala IAC. Muy pronto conoce a Sabino y Enrique Kleiser, a quienes considera sus maestros".

Luego de un periodo de transición, la obra del artista sale de su figurativismo temprano y se enfoca en una tendencia abstracta de corte geométrico. Cabe resaltar, según el curador, que en un inicio las obras del artista eran sobre todo paisajistas y tenían una clara tendencia por el tema urbano y natural que lo rodeaba.

Las obras del último periodo artístico de Garreaud se han caracterizado por el uso, muy personal, de las tendencias del "Hard edge" norteamericano, que ha enriquecido además con residuos de textiles precolombinos.

Refiriéndose a esta última tendencia, el uso de estos residuos pre-colombinos, en los trabajos de Garreaud, el curador señala que "desde mediados de los años sesenta, la evocación de la América Latina antigua será una constante y les tocará el turno, en su momento, a la cerámica, a la arquitectura y en raras ocasiones a la artesanía".

Según Del Valle, no fueron solo las corrientes artísticas de la época y los movimientos culturales e ideológicos del momento los que marcaron cada trabajo artístico de Garreaud, sino también, en su caso particular, cumplió un papel fundamental la personalidad tan compleja del artista. Para el curador de esta interesante retrospectiva, la personalidad de Gastón Garreaud era dicotómica y se dividía en el "inventor" y el "artista" romántico, dos facetas que en él se conciliaban creativamente.

"Entre ambos extremos su obra constructiva cobra un sentido nuevo. Todavía se renueva en los años ochenta con volumetrías que evocan vistas aéreas de arquitectura como antes, pero que son también citas de las famosas 'chinas' de la cultura Chancay. Y aún allí el objeto parece respirar un paisaje con reminiscencias andinas ubicadas en el desierto de la costa del Perú", manifiesta Del Valle sobre el trabajo de Garreaud.

DATOS

Artista. Gastón Garreaud nació en Lima en 1934 y murió también en esta ciudad, el 7 de diciembre del 2005.

Visitas. La exposición estará abierta hasta el 26 de octubre, de martes a domingo de 11 am a 8 pm, en la Galería Germán Kruguer Espantoso del ICPNA (Av. Angamos Oeste 160, Miraflores). El ingreso es libre.

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Diario Perú21

Gastón Garreaud, un artista diferente

“Gastón Garreaud fue un cultor de lo sublime, de lo heroico, de lo épico. Por eso su aprecio por figuras como las de Jorge Chávez, César Vallejo, Flora Tristán, Arthur Rimbaud y otros”, nos dice Augusto del Valle, curador de la importante muestra Gastón Garreaud. Retrospectiva (1957-2005), que mañana se inaugura en el Icpna.

Este vanguardista (1934-2005) se ganó la vida como piloto de aviones, oficio que aprendió en Roma, ciudad a la que fue a estudiar Arquitectura y de la que regresó convertido en artista.
“En los últimos años, algunos curadores jóvenes –como Emilio Tarazona y Miguel López– han recuperado el trabajo de las vanguardias de los años 60 y 70. En la obra de Garreaud se muestra con claridad la discusión entre las tendencias modernistas –aquellas de corte 'informalista’ y que, por ejemplo, no consideraban lo andino contemporáneo como arte– y el surgimiento de las vanguardias: el pop art, el arte cinético y el conceptualismo. Por ejemplo, la propia obra de Garreaud da un giro hacia la abstracción de corte geométrico”, nos explica del Valle.

MÚLTIPLE. En la muestra podemos hacer un recorrido por toda la obra de Garreaud: desde su figurativismo temprano, el abstraccionismo, la geometría y las piezas deudoras del 'hard edge’ estadounidense (que combinaba con diseño textil precolombino), hasta sus ensamblajes, inventos y máquinas absurdas, pasando por sus dibujos, monotipias, bocetos, esculturas y hasta el monoplaza a escala que hizo del Bleriot XI de Jorge Chávez.

Censura, exclusión, visibilidad, público, privado, prácticas democráticas...

Ha continuado el cruce extenso de mails en los últimos dos días. En un post anterior reproduje varios de los primeros enviados, luego de lo cual Emilio Tarazona hizo un pronunciamiento, y ahora copio solo algunos de los últimos, cabe decir que varios de ellos no llegaron directamente a mi casilla de correo ya que el debate se fue articulando en listas paralelas. En esta segunda discusión el término de 'exclusión' fue cambiado por el de 'censura', una consideración desde mi punto de vista equívoca, pero que ha permitido desarrollar -hacia el final- varios otros aspectos importantes y que merecen discutirse.

Pese al limitado alcance que implica intercambiar ideas por correo electrónico creo que las reflexiones finales, en torno al marco legal y las formas de regulación pública en el campo del arte, son profundamenta significativas, temas que han escapado constantemente del debate crítico nacional. Aquí ya no se discute únicamente sobre una determinada subjetividad curatorial que pone en juego sentidos específicos, sino sobre el marco de poder hegemónico y las formas de producción de enunciados y contraenunciados frente a esa hegemonía, repensando también qué tipo de vínculo existe entre el espacio de producción artística y la consolidación pública de prácticas democráticas -no obstante, cabría preguntarnos aquí también que noción de 'lo democrático' asumimos-. ¿O es que acaso no el arte no es, en tanto plataforma potencial de desarticulación y rearticulación de discursos, una posibilidad tangible de intervención política, y por ende, capaz operar directamente sobre la política democrática? Y me parece significativo que una exposición que versa precisamente sobre una práctica artística que es esencialmente irruptora permita discutir aquí los límites de aquello que se está dando a ver y aquello que no. Preguntarnos por esa gestión de lo visible es clave, ya que es sobre ese marco que la política existe, y es ante esa estructura que el arte precisamente responde.

m.
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De: jesús vilchez <latransgresion@yahoo.es>
Asunto: CENSURA EN FESTIVAL ARTE ACCIÓN 2008
Fecha: lunes, 11 agosto, 2008 15:38

LA PERSISTENCIA DE LA IGNORANCIA Y LO IGNORADO

JESUS VILCHEZ SANTISTEBAN - Artista censurado de

Festival Arte Acción 2008 por Emilio Tarazona

GRACIAS POR LA SOLIDARIDAD Y SACRIFICIO DE LALO QUIROZ, ASI COMO LAS GRACIAS A AUGUSTO DEL VALLE POR MOSTRAR UN SALUDABLE Y "SANO" ANIMO DE CONVERGENCIA, Y A TODOS AQUELLOS QUE DURANTE ESTOS ULTIMOS OCHO AÑOS HAN ESTADO CONMIGO SACANDO A LA LUZ LO MEJOR QUE HAY EN MI COMO PERSONA Y COMO ARTISTA; GRACIAS TAMBIEN A AQUELLOS QUIENES ME ABRIERON LAS PUERTAS DE SUS ESPACIOS PARA PODER LLEVAR A CABO "MUESTRAS". A TODOS USTEDES, GRACIAS INFINITAS.

EL COMPORTAMIENTO BURLON DE EMILIO TARAZONA DEJA MUCHO QUE DESEAR, SOBRETODO TRATANDOSE DE LA FIGURA QUE REPRESENTA EN EL MUNDO EN QUE EL QUE NOS DESARROLLAMOS NOSOTROS LOS ARTISTAS. EL RESPETO NUNCA SE DEBE PERDER. RECUERDEN ESO SIEMPRE.

DELEZNABLE Y SEGURAMENTE COMO "UN NUDO" EN LA GARGANTA DEBE HABER CONSIDERADO EIELSON EL COMPORTAMIENTO DEMOSTRADO POR TARAZONA A RAIZ DE TODA ESTA SITUACION. EIELSON A ESTAS ALTURAS DEBERIA ESTAR SUBIENDO POR SUS ESCALERAS, CON SU CAPA AZUL CUAL GALLARDO "QUIJOTE", -y esto no es una broma con la amiguita, sino es poesía.

EMILIO TARAZONA NOS DEBE UNA DISCULPA FRANCA A TODOS; PUES EN VEZ DE CURAR UNA "POSIBLE" MUESTRA MAS, CON MI MODESTO APORTE, AHORA MAS BIEN LA ESTA CENSURANDO PUBLICAMENTE, ¿ESE ES EL DETONANTE QUE QUERIAS PARA LA MUESTRA DEL AÑO? ¿PARA ESO ME INVITASTE A TU FESTIVAL? SI HA SIDO ASI, EL APRENDIZ DE BRUJO SE PERDIO POR LOS SENDEROS DE LA MALEVOLENCIA.

EN EL "ARTE ACCION" PRIMA EN FORMA ABSOLUTA LO PSICOLOGICO, COMO EN EL ARTE EN GENERAL DESDE QUE APARECIO EL HOMO SAPIENS, PERO LAMENTABLEMENTE EMILIO TARAZONA NUNCA LO SUPO QUIZAS POR FALTA DE TIEMPO, CONOCIMIENTO, ESTUDIO Y PREPARACION EN TODOS LOS SENTIDOS, HE AHI EL PROBLEMA DE SU METODOLOGIA COMO LO DICE AUGUSTO DEL VALLE.

LES HARE LLEGAR EN LOS SIGUIENTES DIAS A TODAS LAS PERSONAS INVOLUCRADAS EN ESTO, EL TRABAJO QUE ACABA DE SER CENSURADO POR SER TEORICA Y ESTETICAMENTE UNA TRANSGRESION -Perú no Existe, acciones e intervenciones en el espacio 2002-2008-, COMO TODO LO QUE HAGO EN MI VIDA, SIN REMILGOS, ANTE EL RETO DE CAMBIAR EL MUNDO -para bien Emilio- DE UNA U OTRA MANERA TOMANDO EL PODER; AQUI EL TEXTO CURATORIAL DE "DISGREGAR LA ESCENA" SE DISUELVE HEPATICAMENTE POR SU AUTOR.

TRANSGRESION ¿ACASO NO ES ESO LA ACCION O LA PERFORMANCE EN EL MUNDO DEL ARTE?

PESE A HABER MANIFESTADO QUERER PASAR LA PAGINA Y CONTINUAR CON MI ESTUPENDA CARRERA -decente y correctamente-, EMILIO SANTISTEBAN SUGIERE QUE TODO ARTISTA SENTIDAMENTE EXCLUIDO NO DEBERIA ABRIR LA BOCA AL RESPECTO; MAS BIEN DEBERIA SEGUIR TRABAJANDO YA QUE ESO DEMUESTRA UNA ACTITUD MAS DECENTE Y CORRECTA. ¿DE QUE ESTAMOS HABLANDO ENTONCES? ¿DONDE ESTA EL DERECHO A LA LIBRE EXPRESION? QUEDANDONOS CALLADOS NO VAMOS A LOGRAR NUNCA NADA. TODA QUEJA QUE FORMULE UN ARTISTA POR UNA CENSURA SE DEBE HACER EXTENSIVA, DE LO CONTRARIO COMO EN ESTE CASO, LA IGNORANCIA Y LO IGNORADO ADQUIEREN UN VICTORIOSO ROL PROTAGONICO.

ERRAR ES DE HUMANOS, COMO NO, PERO TODO ESTO SE LE FUE DE LAS MANOS A E. TARAZONA, DEMASIADO "INSANO" PARA TODA PRETENDIDA Y PROGRESIVA FORMA DE EXPRESION EN "NUESTRO" PERU.

SALUDOS,

JESUS VILCHEZ SANTISTEBAN.

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De: Emilio Santisteban <emilio@emiliosantisteban.com>
Asunto: Re: CENSURA EN FESTIVAL ARTE ACCIÓN 2008
Fecha: lunes, 11 agosto, 2008 23:39

Jesús, si hablamos de censura (y no de exclusión), la cosa es distinta, muy distinta. Habrá que esperar las respetuosas explicaciones de Emilio Tarazona sobre los motivos por los que no incluyó ese trabajo específico que mencionas. Las disculpas del caso, que seguramente se darán, por la ira con que fueron ciertas respuestas (de ambos lados). Luego, creo que me has comprendido mal: reafirmo que un artista que trabaja en serio no debe ocuparse (ni preocuparse) por el espacio que le dan o no desde iniciativas privadas de criterio propio (incluirte en una muestra, en una publicación, en una colección, etc.), y en todo caso la mejor forma de luchar contra silenciamientos sistemáticos (ese sería el caso de una censura) es en el propio trabajo, en la persistencia de la propia obra y en la generación autogestionaria de espacios de poder simbólico y dominio de lo público. Un buen ejemplo de ello fue precisamente Se Vende Se Alquila de Lalo y ustedes, el equipo que ahí estuvo. Hubiera sido muy distinto si tu primer mail explicara la obra que ahora señalas como censurada, y las razones por las que lees en su no-inclusión un intento de sileciamiento, en vez de escribir encolerizado que a tí en lo personal te están excluyendo (concepto que, como sabemos, corresponde a la exclusión del acceso a un derecho administrado desde lo estatal). Estoy plenamente dispuesto a colaborar si propones un espacio de presentación de la obra en cuestion (porque en dicho caso no hablamos de trayectorias ni carreras personales, sino del discurso artístico en sí mismo). Hagamos que la cordura y el debate de ideas se imponga a los egos, diatribas, ofensas y burlas, vengan de quien vengan.
Un abrazo,
E.

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De: Herbert Rodríguez <herbertperu@yahoo.com>
Asunto: Re: CENSURA EN FESTIVAL ARTE ACCIÓN 2008

Hola Jesùs, estaba dándole vueltas en mi cabeza a tu correo y pensando si enviarte algún comentario... y bueno, aquí me ves escribiendo. La primera idea era acerca de si tu reclamo era por la forma como se expreso Emilio al responder que no ibas a estar incluido en la expo o si el tema era por ser excluido. Lo primero, si es así oe, hay que escuchar a ambas partes, si pues no esta bien ser áspero en la comunicación de decisiones de este tipo, y veras que aquí se abre un montón de posibles reflexiones, ¿es un asunto de decirlo con cortesía muchas veces asociado a un trato mas bien hipocritón? o quizá el tema es que no debió de responder por teléfono sino convocar a una reunión con los artistas que habían enviado su material y explicar razones de inclusiones o exclusiones de artistas en la muestra? o muchas otras variables...Habla Emilio y demás curadores, establezcamos criterios de buen trato, no solo de cortesía sino de objetivos y metodologías explicitas; no somos un medio cultural que brilla por la transparencia en las decisiones que se toman, y esto lo digo porque es verdad que las susceptibilidades asociadas a la desconfianza son parte de la convivencia artistas e instituciones.

En lo segundo, no ser incluido a la expo, ya de arranque considero que tu obra si tiene el merito para ser consignado en una memoria del accionismo, recuerdo mucho la imagen de fujimori en la sala oscura del Palais Concert en la que habías colocado un mesa con pescado podrido... Por eso la idea que me surgió sobre el tema incluidos - excluidos es que seria inteligente que los curadores consignaran todo en una especie de registro de base - archivo de documentación- y que establezcan criterios para destacar tal o cual obra -lo que va en salas- con un criterio informado, es decir, indispensable conocer toda la actividad artística realizada no solo el entorno cercano o hasta donde llego el tiempo de investigación que muchas veces depende del presupuesto o dinero que hay. Lo que queda en un libro o catalogo de una muestra tipo salas del ICPNA se reproduce interminablemente como la idea valida en un país sin actividad académica autónoma. La última idea era que cada artista considere su visión como una historia -h minúscula, las voces múltiples- legitima al mismo nivel que la Historia con H mayúscula o la voz de la hegemonía.

Herbert

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De: Jesús Vilchez <emilio@emiliosantisteban.com>
Asunto: UN INSOLENTE DIA PARA EL ACCIONISMO EN EL PERÚ
Fecha: martes, 12 agosto, 2008

BRINDIS DE HONOR

IAN MILLER DICE QUE EL ASCO ES UNA SENSACION PSICOLOGICA.

ASCO ES PRECISAMENTE LO QUE HA DETONADO Y COBARDEMENTE A MIS ESPALDAS EMILIO TARAZONA.

LAS COSAS CAEN POR SU PROPIO PESO Y LAS DISCULPAS RESPECTIVAS TARDE O TEMPRANO SE MUY BIEN QUE LLEGARAN.

A MI ME HA COSTADO MUCHO SACRIFICIO SACAR ADELANTE MIS TRABAJOS; NO ME IMPORTA SI GUSTAN O DISGUSTAN.

YO ESTOY AVANZANDO..., GANANDOME EL RESPETO POR MERITOS PROPIOS Y AUTENTICOS, NADA HIPOCRITONES -como dice Herbert Rodriguez-.

EMILIO SANTISTEBAN SIENDO AHORA MAS REALISTA ANTE LA GRAVEDAD DE LOS HECHOS, PLANTEA APOYAR EN UN DETERMINADO ESPACIO, PARA PONER EN MOVIMIENTO MI TRABAJO, VILMENTE CENSURADO Y VELADO.

EMILIO SANTISTEBAN PUEDES PEDIRLE A TARAZONA MI TRABAJO, -que es solo una parte de mi trayecto- OBSERVALO, CRITICALO Y JUZGALO, COMO LO HA HECHO TODO EL QUE LO HA VISTO EN UNA "MUESTRA" O A QUIEN SE LO HICE O SE LO HAGO LLEGAR DE MIS PROPIAS MANOS; VE TU SI ES REALMENTE PROPICIO DAR EL PASO QUE PLANTEAS.

POR LO MISMO QUE TRABAJO, NO RECIBO NADA GRATIS Y MENOS REGALADO; TODO LO QUE HONORABLEMENTE ME HE GANADO A SIDO A COSTA DE SUDOR Y SACRIFICIO; FISICO, MORAL, INTELECTUAL Y ESPIRITUALMENTE, INCLUYENDOME EL LUJO Y EL GUSTO DE INVERTIR EN DIVERSAS CONSTRUCCIONES VISUALES PARA COMUNICARME COMO HE ELEGIDO HACERLO.

HACE UNOS AÑOS MARCEL VELAOCHAGA ME DECIA QUE MIS TRABAJOS HABLABAN POR SI SOLOS Y AHORA QUE LOS ACABO DE REVISAR, PIENSO QUE SIGUE TENIENDO TODA LA RAZON.

JESUS VILCHEZ SANTISTEBAN.

pd. a quienes se atrevan reenvien este mensaje.

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De: miguel lópez <miguel.lopezl@gmail.com>
Asunto: Re: FW: CENSURA EN FESTIVAL ARTE ACCIÓN 2008
Fecha: martes, 12 agosto, 2008 15:47

Hola a todos,
volveré a intervenir porque considero que hay varios conceptos puestos en juego que merecen ser discutidos más a profundidad. Uno de los aspectos que me preocupan en esta discusión es que el papel del curador empieza a tergiversarse. Jesús Vilchez reclama su ausencia en una exposición que Emilio Tarazona tenía su cargo. El trabajo de un curador allí (independientemente de quien se trate) implica ver, analizar y elegir un conjunto de piezas o acontecimientos que sirven para articular un discurso sobre la producción reciente; es decir, la puesta en escena curatorial implica necesariamente un tramado afectivo de conceptos que uno considera significativos por distintas razones. Está claro que toda elección implica en sí misma una omisión: es imposible abarcar en una exposición todas las obras y experiencias en una misma vía, y además de imposible sería improductivo, porque el sentido crítico de la curaduría está precisamente en una selección que permita detonar otras discusiones.

Existe allí una concepción mítica y errónea del papel del curador. Su trabajo no es en ningún sentido 'objetivo' ni pretende serlo. Y pensar que la facultad que tiene un curador de optar por un trabajo frente a otro es 'censura' me parece una consideración profundamente perversa, además de inaudita. No se puede poner en un mismo nivel el ejercicio de selección en el cual se funda toda curaduría, con lo que podríamos llamar 'censura', como la que operó el Estado en contra de algunos dibujos de Piero Quijano al impedir que se mostrasen en la Casa Mariátegui; o en otra situación donde un entidad pública (la municipalidad de san isidro) les impidió mostrar a Lalo Quiroz y Coco Polar unas obras previamente aceptadas en el Festival de Arte Contemporáneo Plataforma, para luego apropiarse de su frase para fines de propaganda del distrito.

Jesús Vílchez asume que su trabajo ha sido "censurado" por ser "teórica y estéticamente una transgresión", y pienso que ello podría ser totalmente razonable en un caso donde, por poner un ejemplo, las autoridades del ICPNA hayan intervenido en el trabajo autónomo del curador impidiéndole mostrar algo que el curador hubiese querido, entre muchas otras posibles situaciones. Es decir pongamos la figura hipotética que Pedro Pablo Alayza haya bajado a las salas y hubiera dicho: 'Ese trabajo no va y se quita inmediatamente'. Pero aquí estamos hablando, e interpreto el primer mail de Vílchez, que el curador le dijo por teléfono que su obra no iba a estar en la exposición -ante una llamada del artista "para consultar si algo de su trabajo iría en el montaje"-. Entonces, llamar a esa decisión personal de un curador -sea quien sea- como 'censura' es tergiversar la propia idea de curaduría y la propia noción de censura.

De hecho, si realmente existiera censura ahora o más adelante en la exposición corresponde a todos denunciarlo. Y también cabe decir que no es nada difícil ver las obras de Vílchez: solo se va a Youtube, se pone su nombre y sale una lista de performances suyas en la ciudad de Lima que están allí dispuesta para la mirada pública sin ninguna restricción. Pero el hecho que un curador -sea quien sea- no elija su trabajo para una determinada exposición, en una entidad privada, no puede ser tan facilista causal que permita llamarlo 'censor'. Como bien señaló Emilio Santisteban no estamos hablando de un 'servicio público' sino de un proyecto independiente que intenta revisar el accionismo reciente desde una mirada particular.
Pero creo que a Vilchez le importa poco discutir los criterios de la exposición y solo quiere defender ciegamente su inclusión en una exposición que ni siquiera ha visto! (ya que se inaugura recién hoy). Y me parece bien que cada uno defienda su propio lugar en el campo del arte, y la posición que considera que merece, pero que ello no nos lleve a deformar ciertas nociones como las antes expuestas.

En tal caso todos todos los curadores del mundo serían 'censores', y yo mismo tendría que denominar mi trabajo curatorial como una 'censura permanente'. Pero eso sería ir claramente en contra de un derecho fundamental del sujeto que es la elección libre de sus afectos e intereses. Ya que, repito, aquí no estamos hablando de un 'servicio público negado' al sr. Vilchez y su obra, sino de una selección radicalmente subjetiva y particular sobre el arte reciente.

Afectuosos saludos a todos,
m.

pd.- espero que mis comentarios sean leídos en función de los argumentos expuestos y no descalificados burdamente como una 'defensa' de alguien en particular. no defiendo a nadie. por el contrario, considero importante discutir sobre lo que está sucediendo.

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De: Augusto del Valle <delvalle.augusto@gmail.com>
Asunto: Re: UN INSOLENTE DIA PARA EL ACCIONISMO EN EL PERÚ
Fecha: martes, 12 agosto, 2008

Hola a todos

Es importante la intervención de Herbert Rodríguez, pues establece matices entre lo que puede ser el vínculo entre artistas, curadores e instituciones y el caso específico de la muestra de Emilio Tarazona.

En mi opinión, lo que le está pidiendo a todos es que logren mantener una tensión reflexiva entre este caso particular, específico, y un planteamiento que nos permitan discutir lo que podríamos denominar genéricamente bajo la etiqueta de "poder institucional". Al menos así quiero leerlo. Me explico. Ninguno de los que discute salvo Jesús Vílchez y Emilio Tarazona pueden saber los detalles y pormenores de esta, voy a llamarla de algún modo, "relación frustrada" entre artista y curador. Por mi parte, a partir de los mails que empezaron a llegar hice una inferencia sobre su metodología, que Tarazona dice ahora que es válida pero solo parcialmente, sin antes calificarla de errática. La cuestión es que si alguien se siente censurado o excluido, entonces tiene todo el derecho de manifestarse, incluso, estaría tentado a decir que está en la obligación de hacerlo. Es natural apasionarse y reaccionar a lo que así lo exige. El problema se da cuando queremos argumentar y nos dejamos llevar por nuestros puntos ciegos, ¿quien no se contradice de vez en cuando?

Santisteban nos ayuda bastante con su distinción entre lo público-estatal y lo privado. En síntesis nos alerta de algo que está pasando desapercibido. Se refiere a los espacios que funcionan con dinero público, por ejemplo, la galería Miró Quesada de Miraflores o las salas del Centro Cultural San Marcos, entre otras. Santisteban quiere que nos demos cuenta que ese solo hecho ya marca una diferencia con las salas de entidades privadas como lo son las del ICPNA o las de alguna galería tipo Lucía de la Puente, u otras. Esta diferencia es fundamental. Nos deja ver con claridad cuando -de un modo concreto y en el marco de la ley peruana- podemos acceder al reclamo ciudadano por nuestros derechos. Las entidades públicas y más aún sus gastos están regulados por ley del Estado peruano, nos dice. Traducido esto al lenguaje de las practicas artísticas esto quiere decir que todo apoyo a proyectos artísticos -y dar la sala a una exposición de un artista x a un grupo w, lo es- nunca debe ser a dedo. Al menos no en este tipo de plataformas, nos dice. Quizá sea duro admitirlo, pero de facto, las cosas funcionan de otra manera en Lima y en nuestro país. Sin embargo al ser los proyectos artísticos cualitativamente distinto a, por ejemplo, un programa social o una carretera, la discusión sería aquí ver en qué momento se establecen reglas públicas que los regulen. Nuestro espacio social aún no ha alcanzado la madurez para discutirlo, al menos eso creo. Sería excelente que eso ocurriera.

En cambio para las entidades privadas, es diferente. Santisteban no lo dice, pero, en verdad, las entidades con financiamiento privado funcionan con la lógica de la publicidad, del mercado y del Capital, en síntesis, del espectáculo. El neoliberalismo durante toda la época de Fujimori nos ha hecho creer que no hay nada más natural; y que de hecho, tampoco puede ser de ninguna otra manera.

Por eso es que cuando se trata de instituciones privadas y de curadores que trabajan en un proyecto de las mismas, como en este caso, el reclamo por los derechos de los artistas se ve afectado -digámoslo así- por esta situación de partida: ciertas jerarquías de orden privado sujetas a criterios subjetivos. De todas maneras, uno también podría preguntarse, por la validez de tales criterios subjetivos, o, incluso, por los derechos de los curadores a ejercer el poder que detentan. Miguel López está vivamente interesado en discutir cuales son esos criterios subjetivos de los curadores y creo que eso abre el juego de la discusión aún más y la enriquece. El año pasado en el Centro Cultural de la Universidad Católica hubo un seminario internacional de curaduría, y recuerdo bien que en el folder que repartían a los participantes había una frase que definía a la curaduría metafóricamente como "el arte de excluir e incluir" obras, artistas, etcétera, con vistas a establecer límites que den forma a un proyecto artístico cualquiera. Pero ojo que aquí la exclusión o inclusión se trataba de un proceso de selección en el tiempo.

Si partimos de la idea de que lo que nos interesa es expandir un criterio de arte que afiance credos y prácticas democráticas, creo que resulta de primera importancia detenernos un momento para debatir el sentido mismo de las inclusiones y exclusiones curatoriales, más aún hoy en el marco de una discusión que ha vuelto a comenzar, esto es, la necesidad de gestores y de un Ministerio de Cultura.

Augusto del Valle C

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De: Emilio Santisteban <emilio@emiliosantisteban.com>
Asunto: Re: UN INSOLENTE DIA PARA EL ACCIONISMO EN EL PERÚ
Fecha: martes, 12 agosto, 2008

Disculpa Jesús que me refiera sólo muy brevemente al la no inclusion de tu trabajo en la muestra curada por Emilio Tarazona que abre esta noche; pues los comentarios de Herbert y de Augusto más abajo me invitan a extenderme en reflexiones que considero trascendentes al caso específico.

Si bien me parece, a partir de los hechos conocidos, que puede deducirse que no se trata de un caso de exclusión (y probablemente
tampoco de censura, aunque eso no ha de descartarse a priori sin evaluar el caso bien), sino simplemente de una no consideración
-errada o no- de la obra de un artista para una muestra, si se han hecho públicas muchas y muy graves faltas de respeto, de una y otra parte. Iras, insultos, burlas, ironías, sarcasmos... que dejan muy mal parado a nuestro gremio en referencia al grado de profesionalismo con que se dan las relaciones, además de en lo referido a cualidades y valores personales. Ofensas que faltan al respeto personal y profesional tanto como al respeto de la libre expresión (y ojo, la decisión de una curaduría específica es también un acto de libertad de expresión ¿o acaso sólo los artistas tenemos ese derecho, mientras los curadores deben ser el eco de lo que hacemos? Me parece absurdo no considerarlo). Valga la ocasión para empezar a establecer, a fuerza de costumbre, una suerte de "estatuto ético" de procedimientos de trabajo.

Esto último viene a cuento porque la lectura que hace Augusto de mis comentarios sobre la diferencia entre exclusión y decisión privada de selección me hacen caer, cual Coyote del Correcaminos, sobre los cactus de otra categoría: La Corrupción. Si bien es cierto que organismos supranacionales de corte economicista neoliberal como el Banco Mundial definen la corrupción como el empleo del poder público para beneficio privado propio, otras instituciones supranacionales ocupadas más en temas sociales, de Derechos Humanos y éticos como Transparencia Internacional, definen la corrupción como el uso de cualquier poder delegado en beneficio propio.

Es muy sencillo deducir que en el caso de la corrupción en el Estado calzaría la hipótesis de cualquier decisión sistemática que, por
ejemplo, promueva exclusiva o preferiblemente la obra de artistas incluídos en la cartera curatorial personal privada o en una colección particular, con los beneficios económicos y profesionales ilícitos que de ello derivarían (como si un funcionario del Ministerio de la Producción que es industrial arrocero dirija sus actividades casi solamente a dicho producto... lo que lo llevaría a la cárcel sin dudas posibles); pero la corrupción en cualquier poder delegado más allá de lo público implica que también instituciones privadas como el Icpna pueden alojar funcionarios corruptos si éstos emplean sus facultades decisoras para beneficiarse... pero ¿es el caso Tarazona? No, definitivamente no lo es ni nada que se le parezca; por una muy simple razón: desde el punto de vista técnico, Emilio vendría a ser lo que en lenguaje institucional (estatal o privado) se denomina un "perito" o un "especialista" que es contratado (o invitado ad honorem, no lo sabemos) para aplicar su criterio profesional y entregar un producto o servicio a la institución que lo convoca, verbigracia, una curaduría bajo su responsabilidad, su juicio, haciendo uso de la libre expresión de su personal criterio.

Y si el criterio de Tarazona equivoca al no considerar obras de Vilchez, entonces (aparte del sano debate que deberia desatarse)
tenemos que el artista en cuestión -cualquier artista- puede abrir otros caminos para asegurar que la Historia Hegemónica (caso Tarazona por tratarse del Icpna) no sea la única ni necesariamente la más difundida. Un ejemplo es el caso Herbert Rodriguez, sistemáticamente ninguneado u "obviado" por deteminada crítica en su momento, y que sin embargo tiene su bien ganado lugar, obvio extenderse porqué. Pero ¿debe un artista preocuparse tanto de "su historia" o, más aún, de "su lugar en la historia"?, o debe dirigir sus esfuerzos al sentido de su trabajo. Ese es un tema ético profesional que ya se vincula con los asuntos de la responsabilidad profesional en medio de un planeta en crisis... ya para muchas otras charlas y debates.

Un abrazo.

E.

"Exclusión de Jesús Vilchez..." / Respuestas

Copio aquí las respuestas generadas en torno al correo de Jesús Vilchez en el orden que fueron sucediendo en los últimos tres días.

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De: miguel lopez <miguel.lopezl@gmail.com>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: latransgresion@yahoo.es
CC: ---
Fecha: viernes, 8 agosto, 2008 22:36

Estimado jesús,
no nos conocemos pero leyendo tu correo parece que aquí el único megalómano eres tú,
la soberbia con la cual defiendes tu trabajo parece a prueba de balas. casi parece un crimen dejar 'fuera' alguna obra tuya, y tratas a la exposición de emilio como si fuera el evento del año del arte contemporáneo o como si él estuviera escribiendo el relato definitivo del 'arte-acción' en el perú. no seas ingenuo. la exposición de emilio es tan solo una mirada transversal sobre el periodo, y como toda curaduría hace apuestas específicas por sentidos específicos.
la ventaja de la curaduría es que se trata de una puesta en escena pública, y está allí para ser criticada, cuestionada, interpelada, pero con especulaciones y argumentos que permitan advertir las fracturas de su discurso. que permitan señalar otras vías de pensamiento, otras lecturas posibles. no está para lloriqueos de si incluyeron o no una obra tuya, o que "A TI TE ESTÁN EXCLUYENDO Y ESO NO ESTÁ BIEN". pareces un ególatra que lo único que le interesa es ver su foto en la pared del icpna. cuando precisamente lo que se necesita son lecturas capaces de proponer otros relatos. la historia del arte ni se cierra ni se abre con esta exposición. pero si de lo único que te interesa hablar es "DE MI EXCLUSIÓN" en un tono tan engreído pues en definitiva creo que no hay mucho de que hablar.
afectuosos saludos,
m.

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De: jesús vilchez <latransgresion@yahoo.es>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: miguel.lopezl@gmail.com
CC: ---
Fecha: viernes, 8 agosto, 2008 22:50

BUENO ADEMAS DE NO CONOCERME, TAMPOCO CONOCES MI TRABAJO QUE MUCHO CON MUCHO ESFUERZO SACO ADELANTE A PESAR DE LOS INTERESES EGOLATRAS DE ESTOS MIS MUCHACHOS DE HOY EN DIA.

PERO PRONTITO TE LO ENSEÑARE.

YA ES TARDE Y TENGO SUEÑO,

SOLO ME DA RISA COMO LO DEFIENDES A CAPA Y ESPADA A QUIEN TE DA QUIZAS LAS LENTEJAS QUE TE COMES POR AHONDAR EN AQUELLAS PERSISTENCIAS, COMO SI FUERAN LAS UNICAS Y LAS ESTELARES DEL SIGLO XXI.

DESCANSA NOMAS.

SALUDOS

JESUS VILCHEZ SANTISTEBAN.

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De: miguel lopez <miguel.lopezl@gmail.com>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: latransgresion@yahoo.es
CC: ---
Fecha: viernes, 8 agosto, 2008 23:22

Estimado jesús,
a ti no te conozco pero sí he visto tu trabajo, y más de una vez me ha llegado por mail.
yo no defiendo a nadie a capa y espada, solo señalo un aspecto esencial del trabajo curatorial: que está dado para ser discutido. la curaduría es una perspectiva como cualquier otra, y la lectura de emilio es una de muchas posibles. corresponde a todos señalar sus aciertos y sus errores. si quieres generar una respuesta crítica frente a su discurso pues excelente!! eso se necesita precisamente. pero con argumentos, no con declaraciones que parecen más una especie de revanchismo tonto porque tu trabajo no está en una pared.
y quizá convenga aclararlo pero emilio no me provee ningunas lentejas -de hecho creo que me debe un par de lucas que ya se las cobraré-. yo vivo fuera de lima y me sostengo con mi propio trabajo. y la verdad no me vanaglorio de nada, toda lectura hecha es transitoria y contingente, y está allí para ser criticada. ese es precisamente el sentido de la curaduría.
afectuosos saludos,
m.

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De: Augusto Del Valle <delvalle.augusto@gmail.com>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: latransgresion@yahoo.es
CC: ---
Fecha: sábado, 9 agosto, 2008 11:30

Hola Jesús, Miguel y Emilio

Esta es una interesante ocasión para una discusión sobre los límites de las miradas entre curadores y artistas. Pero también para hablar acerca de lo que cada uno espera del otro.

Tiene razón Jesús a reclamar si se siente excluido y tiene razón Miguel en decirle que el tono de su reclamo no es argumentativo, sino una suerte de lloriqueo.

Uno de los aspectos más complicados es el trato y la gestión. Es decir, entre artistas, curadores, coleccionistas y funcionarios de la institución que respalda la exposición.

Por el reclamo de Jesús, el problema, creo entender, es que se sentía incluido en la exposición luego de que Emilio hizo un pedido general. De hecho, con su comunicación nos revela parte de la metodología seguida por Tarazona. El punto parece ser, pues esto no queda claro, que Tarazona ha hecho una selección a partir de los envíos de los artistas que mordieron en su convocatoria, de manera que algunos han sido incluidos en la sala y otros no. Los que van a ir al libro y Jesús no acepta esta suerte de "premio consuelo".

Idealmente, sería excelente que hubieran más curadores y artistas y que la escena se diversifique. Pero hay al menos dos asuntos que se interponen en que eso sea así. El primero es la existencia de facto de estructuras de poder. Es decir, es importante darse cuenta que las instituciones necesitan de curadores y artistas que hayan alcanzado cierto prestigio y/o notoriedad para realizar sus actividades. Por tanto, la gestión es un acto de poder. La segunda, es lo que se refiere al trabajo profesional ya sea del curador, artista, periodista cultural, etcétera. Cualquier escena artística necesita que quienes participen en ella sea gente que de razón de lo que hace, es decir, personas cuya actividad redunde en el enriquicemiento del otro. Otra vez: dar razón quiere decir una suerte de elaboración discursiva que de cuenta de su proyecto personal (que incluyen contradicciones, por su puesto) en vistas una trama de enriquecimiento mutuo. En este punto el narcisismo de un curador es tan dañino como el narcisismo del artista. Y los discursos que brotan de tales narcisismos una suerte de veneno que se mide a escala de una producción cultural deleznable.

En fin, quisiera decirles que no es la primera vez ni va a ser la última en la que artistas, curadores, organizadores e incluso coleccionistas (aunque esta última no se si aplica en este caso) se ven envueltos en líos de este tipo. Ventilar las diferencias es excelente y así aprendemos todos algo más del otro.

Augusto del Valle C

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De: jesús vilchez <latransgresion@yahoo.es>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: delvalle.augusto@gmail.com
CC: ---
Fecha: sábado, 9 agosto, 2008 22:03

Estimado Augusto,

Veo al fin objetividad e intención de convergencia.

Cosa que como manifiestas, esto es el reflejo y el producto de la metodología seguida por Tarazona.

Si, aqui vemos claramente lo que cada uno espera de la otra persona, tal y como tu lo indicas en tu correo. Todos tenemos entonces razón y derecho a expresarnos.

No doy por válido lo que Miguel ha expresado por la suerte de mi reclamo "quien solo tiende a minimizarlo, ridiculizarlo y arrinconarlo, precisa y lamentablemente por la existencia de facto de las estructuras de poder" ya que ese veneno narcisista es lo que envenenará más esta situación.

Un reclamo no es sinónimo de lloriqueo sino es el llamado de la justicia por la verdad, la razón y su consecuencia. De interpretarse asi las relaciones humanas en general, todos andaríamos lloriqueando de por vida... ¿o acaso esa es la condición humana?... no lo creo; y si asi fuese, en mi trabajo -que ha sido excluído- demuestro con altura, nobleza y dignidad que todos podemos ser mejores.

Tienes razón al decir que aqui falta "gente" para sacar adelante semejantes retos. El respeto va de curador a artista y de artista a curador para empezar. No solo se respeta el trabajo que ha ganado prestigio y notoriedad en el arte como institución sino también el que ha sido forjado con mucho esfuerzo y dedicación por artistas nuevos y/o innovadores. Estos trabajos buscan ser asimilados pero gracias a la institución que nos rodea, no se puede hacer posible, por más que estos, como el mio, están siendo explicados desde hace mucho tiempo atrás.

Es por ello que no aceptaré ser mencionado en el espacio de Tarazona, pues su metodología solo nos demuestra las preferencias y argollas existentes en lo institucional; mi trabajo no ha sido revisado apropiadamente según la supuesta nobleza que requiere estar dotado un crítico de arte.

Rechazo la forma soberbia y grosera con la que Tarazona me trató por teléfono, al decirme que no voy a estar presente en la muestra y que lo llame en octubre para que me regale el catálogo donde seguramente aparecerá mencionado mi trabajo.

Por el inadecuado tratamiento que veo se le da a mi trabajo es que ha sucedido todo esto. Deleznable, por supuesto que si.

También se que no es ni será la última vez que se de este tipo de mezquindades entre quienes poseen un micro poder y entre ¿lo popular emergente?

Tarazona se toma su tiempo al parecer..., yo en verdad quiero pasar la pagina y seguir limpiamente con mi estupenda carrera.

Un saludo fraternal a la distancia.

Jesús Vichez Santisteban.

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De: Emilio Santisteban <emilio@emiliosantisteban.com>
Asunto: Re: EXCLUSIÓN DE JESÚS VILCHEZ DE LA ESCENA ARTE ACCIÓN POR E. TARAZONA
Para: latransgresion@yahoo.es
CC: ---
Fecha: sábado, 9 agosto, 2008 22:52

Estimado Jesús. No conozco tu trabajo (salvo por algunos correos esporádicos que enviabas tiempo atrás con imágenes que percibí como acciones e-mail); tampoco te conozco personalmente. Así que lo que voy a decir está por completo desprovisto de juicios previos sobre lo que has llamado tu "estupenda carrera".

Encuentro insano para el medio artístico local que los vinculados a él convirtamos los espacios colectivos de debate en tribunas, no de nuestros puntos de vista sobre temas pertinentes, sino de defensa personal de nuestras individuales trayectorias.

Es necesario no confundir la exclusión de un derecho -lo que implica función pública y administración de oportunidades igualitarias desde el Estado-, con la simple no elección por un actor privado en libre derecho de aplicar su criterio, sea éste equivocado o acertado, profesionalmente intencionado o hepáticamente impulsado. No es lo mismo ser el curador independiente de un proyecto privado de exhibición alojado por una institución también privada -como es el caso Tarazona-, que ser, por ejemplo, funcionario público a cargo de un centro cultural estatal. En el segundo caso son posibles no solamente la figura de la exclusión de un derecho a recibir oportunidadees de servicio desde el Estado, sino incluso las de figuras delictivas como el peculado, amigismos, nepotismos, etc. Esto es cosa de todos los días en el ámbito cultural Limeño (y nadie se ha dado cuenta al parecer... nunca he leído a nadie que lo ponga en discusión abierta como algo a ser resuelto); pero en definitiva Emilio Tarazona tiene todo el derecho a equivocarse o acertar en considerar o no la obra de un artista en los conceptos que sobre arte peruano busca poner sobre el tapete mediante su curaduría.

A veces los artistas son vistos por unos, otras veces son "ninguneados" por otros... pero lo que debe ocuparnos es lo que hacemos desde nuestro trabajo; no si alguien nos reconoce o no. Augusto tiene plena razón cuando dice que el narcisismo -de unos y otros- produce resultados deleznables en el ámbito cultural local. Alguna vez oí reclamos de terceros por la no inclusión de un artista en un libro de arte peruano supuestamente importante... varios otros observaron, desde su punto de vista, un error en esa omisión... pero jamás se escuchó a dicho artista abrir la boca para quejarse al respecto. Tal parece que ni lo pensó, simplemente sigue trabajando. Esa es la actitud más decente y correcta.

Un abrazo.

E.