El pensar intempestivo de Michel Foucault / La dimensión política de la deconstrucción (en torno a Jacques Derrida)

Como comenté en algún momento este trimestre del PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA está dedicado íntegramente a Foucault y Derrida, lo que me viene generando un trimestre de pensamiento altamente explosivo. Y como actividades paralelas hoy se inicia en el auditorio el curso del filósofo Miguel Morey, "Peut-être un jour… El pensar intempestivo en Michel Foucault", que dura toda la semana, y que estará realmente bien. Copio al final de este post todo el programa del curso.

Del mismo modo todo este sábado 21 de febrero se presentará, también en el auditorio del MACBA, el Seminario "Poéticas y políticas de la deconstrucción: en torno a Jacques Derrida". El Seminario quiere hacer foco sobre la necesidad de repensar la dimensión política de la deconstrucción en el momento presente, y se ha reunido a un excelente panel: la politóloga belga Chantal Mouffe -de quien por cierto su último libro On the Political (Routledge, 2005) es altamente recomendable-; la poeta egipcia y directora de cine Safaa Fathy, quien co-produjo junto a Derrida el film D'allieurs Derrida y con quien publicó además el excepcional libro 'Rodar las palabras. Al borde de un film'; el profesor de literatura de la Universidad de California-Irvine, Andrzej Warminski, quien ha compilado un segmento importante del trabajo del crítico de la deconstrucción Paul de Man; y el crítico cultural y profesor de literatura Tom Cohen, director del Institute on Critical Climate Change (IC3).

El programa de Derrida lo reproduzco en un próximo post, pero transcribo un fragmento de las palabras de presentación del Seminario:

"Frente a aquellos que han convertido la deconstrucción en un juego estético o en un método académico, merce la pena recordar que Derrida insitió una y otra vez en que la deconstrucción sólo tiene sentido como "crítica" de las instituciones en cualquier de sus formas. Y ahora que parece que el tiempo de la deconstrucción ya ha pasado (para bien y para mal), ha llegado el momento de plantear con todo rigor el alcance político de la deconstrucción, del pensamiento de Derrida y, a fortiori, de Paul de Man. Ha llegado el momento de recuperar la deconstrucción en su dimensión más política y corrosiva. ¿Cuál es la postura de este pensamiento y ejercicio "crítico" ante la posglobalización, la crisis y los movimientos posqueer? ¿Cómo se pueden vincular la poética y la política desde una obra, que, confesándose paramarxista, vincula lo político a la dimensión del fantasma?

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Peut-être un jour… El pensar intempestivo en Michel Foucault

Curso monográfico a cargo de Miguel Morey El objetivo del curso es llevar a cabo una presentación general del pensamiento de Michel Foucault, atendiendo a cómo el uso de un cierto punto de vista intempestivo orienta y conduce sus decisiones teóricas en la mayor parte de su obra.

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Programa

16, 17, 18, 19 y 20 de febrero de 2009, de 19 a 21 h Lunes 16 de febrero Presentación La primera sesión servirá para desplegar una pequeña cartografía general de la obra de Foucault, así como para establecer qué se entiende por punto de vista intempestivo. Martes 17 de febrero La arqueología del saber (1961-1970) La segunda sesión se dedicará a constatar la aplicación de la arqueología como método y el saber como objeto de interrogación en sus obras tempranas, desde Historia de la locura (1961) a Las palabras y las cosas (1966). Miércoles 18 de febrero Proyección del vídeo Moi, Pierre Rivière, ayant égorgé ma mère, ma soeur et mon frère... (1976) «Yo, Pierre Rivière, habiendo degollado a mi madre, mi hermana y mi hermano». Una película de René Allio a partir del dossier del mismo nombre publicado por Foucault tras trabajar sobre este caso en su seminario del Collage de France. Jueves 19 de febrero La genealogía del poder (1971-1976) Esta sesión se ocupará de la vuelta de tuerca operada a partir de la adopción de la genealogía como método y el poder (y su relación con el saber) como objeto de interrogación, en Vigilar y castigar (1975) e Historia de la sexualidad I (1976). Viernes 20 de febrero El último Foucault (1977-1984) Finalmente, en la última sesión, se analizará la pluralidad de aperturas que Foucault realiza al respecto en sus últimos años, desde su propuesta de una ontología del presente hasta su interrogación acerca de los procesos de subjetivación y el papel histórico que ha jugado en ellos la sexualidad (Historia de la sexualidad II y III, 1984).

Fantasmas Pausterizados, por Cuauhtémoc Medina

Empiezo a colgar los textos aparecidos en la revista Des-bordes, que editamos desde la red Conceptualismos del Sur. La editora de este número #0 ha sido Helena Chávez Mac Gregor, y se titula )))resonancias((( desde los límites del arte y la política. Aquí reproduzco uno de los primeros textos que 'detonan' la discusión. Estamos ya trabajando en el siguiente número.

Web >>> DES-BORDES
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Cuauhtémoc Medina

Fantasmas pasteurizados[1]

Hace tres décadas, Jorge Ibargüengoitia explicaba a Margarita García Flores: "El héroe es siempre el que gana. Pero los mexicanos logramos perdiendo todas las batallas tener una serie de panteones verdaderamente enormes."[2] La observación no podía ser más atinada. El Estado mexicano ha sido particularmente exitoso en la instrumentación y esterilización histórica (digamos, la pasteurización) de las víctimas y los derrotados. Cuauhtémoc y no Cortés aparece como el macho originario de la nación; Hidalgo y Morelos se usan para borrar la lucha de las élites criollas victoriosas por controlar el Estado nación en el siglo XIX; Madero, Zapata, Villa y Carranza son "la revolución" y no los sonorenses que los asesinaron y crearon el nuevo Estado (Calles y Obregón); los "mártires del 68" aparecen como los garantes de la "apertura democrática" de los 70 y la supuesta "transición democrática" del presente, y los miles de muertos pudriéndose bajo los escombros del terremoto de 85 sirvieron de aperitivo al discurso de la "solidaridad" que planteó el neoliberalismo. En todos esos casos, la conmemoración consiste en erigir el simulacro de comunidad sobre la conjura del fantasma de la violencia pasada, pues la dominación se ha construido, quizá con mayor eficacia que en ningún otro régimen al norte o al sur, sobre la distorsión de los reclamos de las víctimas para convertirlas en ideología dominante. "Para qué infierno si tenemos patria" decía en un cartel de la artista Minerva Cuevas: en efecto, este es el caso de que los personajes que el establishment ha demonizado (a Zapata entre 1910 y 1915 lo caracterizaban como un líder sanguinario que quería restaurar los sacrificios humanos, es decir, como Huichilobos) emerjan después como los santos asexuados del culto nacional. Como observó genialmente Augusto Monterroso en una de sus fábulas, las "ovejas negras" son puntualmente sacrificadas para asegurar el futuro de las esculturas de bronce. ¿Cuál es la materia de las conmemoraciones del 2010? No importa si las deseamos o las aborrecemos, lo que los dos centenarios registran es el momento de lo que Walter Benjamin designó como "divina violencia": la violencia que "no es un medio, sino una manifestación", la irrupción de una hecatombe que no emergió para constituir un poder sino sólo para destruirlo. Una violencia pura que levanta todo derecho y que se distingue por igual de la "violencia mítica" que los discursos históricos sitúan como fundando un orden, que del ejercicio de la fuerza de la represión.[3] La anomia de la "fiesta de las balas", tuvo entre 1910 y 1920 una expresión monstruosamente extendida en este país, que experimentó un colapso de la hegemonía sólo comparable a la crisis reciente de Somalia y Yugoslavia. Esa revuelta sin límites, y sin fines, es lo que luego se pretende administrar con la celebración-exorcismo: se trata de hacer morcilla de los charcos de sangre y curtir los montones de cadáveres a fin de servir a la antropofagia simbólica que inventa en retrospectiva episodios constructivos, dirigidos, sensibles y creadores donde hubo, por sobre todo, el momento cíclico de la venganza y retribución de clase. Un mínimo de honestidad intelectual obligaría a hacerse eco de la imagen sonriente, rodeada de cuchillos, que José Clemente Orozco capturó en el periódico La Vanguardia de 1915: "Yo soy la revolución, la destructora". La puta seductora del simbolismo transformada en la musa sonriente de la erradicación. No importa cómo se le formule y programe, el prospecto de las celebraciones del llamado bicentenario es el mecanismo por el cual la memoria de la insurrección social, y con ella toda promesa de emancipación, será ritualmente liquidada en una simulación de la comunidad. Éste es el reino de la falsedad, el de la proyección de unanimidad: la idiotez que en 1940 llevó a la cervecería Corona a formular el slogan capitalista-priísta de "20 millones de mexicanos no pueden estar equivocados", es comparable a la palabrería del presidente que habla cada siempre en nombre de "todos los mexicanos" y en contra de un "anti-México" sin importar que, como Felipe Calderón, use exactamente esos mismos adjetivos contra el EZLN en 1994 como contra las bandas de narcotraficantes en el 2008. Todos sabemos cabalmente cuál es la maquinaria que se echa a andar cada que el Estado mexicano se homenajea por medio de la cultura: instrumenta lo que yo designo como "la festivalización", que consiste en poner a todos los gremios académicos y culturales a agitarse por recoger alguno de los mendrugos que se caen de la mesa del presupuesto público. Nada demuestra más fehacientemente que el que la llamada transición ha sido un traspaso de sátrapas, que el modo en que el aparato cultural se activa con "recursos" sólo y en tanto aparece la grotesca coincidencia de cumpleaños y aniversarios luctuosos de Diego de Kahlo y Frida de Rivera, o la coincidencia ritual del aniversario de la guerra civil de 1910-1920 y la revolución de independencia. Si hay recursos es porque es la fiesta del presidente. En cambio para toda movilización de afectos, deseos, imágenes y disipación cultural no integrada, la respuesta usual del Estado es la frase conocida: "no hay dinero", que siempre hay que traducir como "no hay dinero para eso ." No seamos miserables: a veces la festivalización puede alojar alguna sustancia. En 1985 cuando, en medio de las ruinas del temblor, se celebró el aniversario 75/175, al menos hubo una verdadera polémica donde confluyeron algunas posiciones historiográficas originales: el revisionismo de la revolución agraria de Allan Knight, el modelo tocquevilliano de François Xavier Guerra, el concepto de los "revolucionados" de Luis González y González, y en otro plano más sigiloso, el desmontaje de la ideología del mexicanismo que llevaron a cabo gente como Roger Bartra, Guillermo Bonfil, Olivier Debroise o Fausto Ramírez. Hoy olvídenlo: ese proceso crítico no está en marcha, porque lo característico de este momento es la devaluación del mito revolucionario. La izquierda intelectual y partidista ha redirigido su nostalgia en pos de la reactivación del imaginario del liberalismo juarista, y la derecha busca establecer un nuevo esquema de poder en relación a la politización de la seguridad y la expansión del sistema de castigos. En efecto, es difícil imaginar qué elaboración puede hacerse sobre el pasado de la violencia extralegal, cuando el acorde dominante consiste en distorsionar el dicho descriptivo de Max Weber ("El estado es el monopolio de la violencia legítima") para hacer imperativo de que el Estado deba adquirir el monopolio de la violencia, legítima o no . Por supuesto, para muchos de los que nos dejamos involucrar en la tarea des-identificadora (y en ocasiones, gozozamente anti-patriotica) del arte contemporáneo, la tarea ha consistido en sustraernos en lo posible de toda esa industria de la ideología. Sigo creyendo que si alguna apuesta hay allí, es encontrar un espacio donde a uno no le puedan reprochar pensar sin hacer concesiones, pues está el gozo de ser irresponsables por medio de la emisión y captura de una visualidad incorregible: Sergei Eisenstein posando con un cactus como si fuera un pene descomunal, los jipitecas de Avándaro sustituyendo el escudo nacional de la bandera por el signo de peace and love, Mariana Botey filmando a Gurrola paseando con frac y penacho en Xochimilco, etc. No es ese un espacio de claridad: es la asunción de un territorio de furia y goce que, por la ironía, la crítica y la violencia simbólica, al menos aspira a no contribuir a la falsedad. Todo ello no significa que por actuar desde lo no-comprometido uno se deba privar del placer de hacer sonar la alarma. Hace una década, Silvia Gruner exponía en una de sus obras una frase tan cómica como aterradora: " Don´t fuck with the past because you might get pregnant", "no andes chingando con el pasado porque te vas a embarazar". En fechas recientes, un nuevo graffiti de los punk-zapatistas ha ido apareciendo en muchas bardas de la ciudad de México. En él aparece Zapata enmarcado en dos revólveres, flotando como cabeza de angelito por encima de un slogan que nos compete directamente: "Nos vemos en 2010". Era de esperarse. Cedo nuevamente la palabra a Ibargüengoitia: Para que no resulten absurdos, es indispensable que los festejos tengan relación, aunque sea vaga, con el festejado. (...) Si el conmemorado fue hombre de paz, o bien unificador de la nación, no hay problema. Más problemático es festejar de manera adecuada a hombres que cambiaron el curso de la historia sin poner a la nación en peligro de que por los festejos el curso de la historia vuelva a cambiar.[4] Sigan celebrando. Pongan en la coctelera la hipócrita remembranza de un par de rebeliones, mézclenla con el discurso autoritario de la unidad de la nación contra "el terrorismo", agítenlo bien, y sirvan. En la medida en que aceptemos los términos de la nueva doctrina de seguridad y orden que imponen las marchas de clase media y los medios de comunicación de masas, ustedes verán que el espacio para reaccionar, como hizo la ciudadanía en enero de 1994, para poner freno a la tentación del monopolio de la violencia, será casi imposible. "Nos vemos en el 2010": ya verá cada cual cómo sobrevive sus contorsiones éticas cuando refluya el estallido social. 1^. Versión ampliada de la presentación en la primera sesión del ciclo Pase Usted : Bicentenario el 25 de septiembre 2008. ( www.paseusted.org ) 2^. Margarita García Flores, Cartas marcadas, México, UNAM, 1979, p. 198 . 3^. Walter Benjamin, "Para una crítica de la violencia. Edición electrónica de la Escuela de Filosofía, Universidad ARCIS, Chile. http://www.uruguaypiensa.org.uy/imgnoticias/736.pdf (Consultada Sept. 24, 2008). 4^. Jorge Ibargüengoita, "Programa de Festejos. Aniversarios cívicos" (Marzo 10, 1972), en: Instrucciones para vivir en México, México, Joaquin Mortiz, 1990, p. 25-27.

Red Conceptualismos del Sur / Revista Desbordes / La rebelión de los insomnes

No pude nunca anunciar ni presentar en este blog de manera extensiva el trabajo de la Red Conceptualismos del Sur, y sus diversas instancias de elaboración colectiva y trabajo a largo plazo que venimos desarrollando, desde 2007, un grupo de personas de diversas filiaciones y aproximaciones disciplinares, pero vinculados en el deseo de repensar estética y políticamente nuevos modos de intervenir el presente. Formas de contagio y diseminación de un pensamiento emancipado, y una zona de crítica radical que vuelva permanentemente sobre los órdenes y visibilidades (incluso sobre los nuestros). No hay aquí ninguna intención de burocratización académica de los relatos de los 60/70, pese a lo que nuestro provisorio nombre pueda sugerir. Poco nos importa el llamado 'arte conceptual' y los llamados globales a construir su 'historia'; y es que no hay historia que construir sino acaso develar sus mayores andaduras y grietas, lo que en ellas se inscribe, eso descentrado y reprimido, o lo que esa historia ha construido a través de todo su ejercicio de legalidades discursivas, repensando desde allí una multitud de genealogías por venir. Nos queremos parte de las fuerzas que aspiran a actuar en su deriva aproximándonos a un sentido de la utopía capaz de alimentar el horizonte de lo posible, como sostiene la convocatoria a nuestro primer encuentro en São Paulo.

Pensamos la red como un proyecto político -de reelaboración y cuestionamiento permanente-, antes que un mero dispositivo de elaboración histórica. No nos interesa contar la historia, contarla bien, contarla completa, sino hacer evidente la imposibilidad misma del relato. Devolver su conflictividad y resturar sus contradicciones, yendo hacia eso irresoluble que no se deja eliminar, reflotando el desajuste ya eficazmente erosionado para el consumo academicista e industrial de la cultura. Se trata precisamente de preguntarnos cómo preparar hoy futuros radicalmente distintos. Nuestra labor es precisamente incitadora, de contagio, de complicidad, de movilización, y al mismo tiempo de abierta pelea por nuevos modos de imaginar la política y la politicidad del pensamiento. El nuestro es un llamado a la interpelación política del presente elaborando desde la urgencia, y donde la dimensión crítica no se muestra tan solo como una herramienta de análisis sino como un dispositivo de producción de formas radicales de imaginar.

Además de los Seminarios Internacionales 'Conceptualismos del Sur' que organizamos el año pasado en abril en Sao Paulo, Brasil, y en octubre en Rosario, Argentina, (y del próximo encuentro en julio de este año en Santiago de Chile), hay una serie de actividades y proyectos en paralelo que apuntan a diferentes frentes de articulación crítica y que atraviesan cuatro direcciones de trabajo que nosotros definimos de esta manera: Políticas de archivo; Políticas de investigación; Producción de la memoria de la experiencia; y Experimentos de activación. Cuatro puntos imposibles de desarrollar ahora mismo con exhaustividad, pero que serán un norte de trabajo y que esperamos compartir de diversas formas a lo largo del año. Quizá una inicial instancia para ello puedan ser las dos conferencias públicas de la Red Conceptualismos del Sur, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el próximo 9 y 11 de marzo, donde estaremos reunidos al menos 10 de nosotros. Las reuniones las he coordinado con Ana Longoni, con el apoyo de Jesús Carrillo, y con el trabajo de varios de los integrantes de la red, a fin de poner en común y en fricción nuestras agendas políticas en el marco de la nueva gestión y proyecto institucional del Museo, y hacer además evidente que el nuestro es un trabajo de la diferencia, con proyectos de elaboración crítica compartida pero también discrepante. Colgaré el programa de discusiones públicas en las próximas semanas.

Hace quince días hicimos -en el SITAC- el anuncio público de la nueva revista Des-bordes: una publicación gestada desde la red pero que se piensa como un órgano autónomo de agitación de las ideas. Des-bordes nace sin la intención de convertirse en la ilustración literalizada de los integrantes de la red, sino como un lugar desde donde hacer fluir politicidades afines y compartidas, y también claro abiertamente discrepantes pero igual de políticas. Los editores somos 6 miembros de la red, y la editora general en este número #0 fue Helena Chávez, y que ha titulado esta edición )))resonancias((( desde los límites del arte y la política. Y cuya editorial la ha titulado "La rebelión de los insomnes", de la cual extraigo algunos fragmentos que bien pueden dar cuenta del interés de este primer número, y de la revista toda. Entre los colaboradores de este número se encuentran: Cuauhtémoc Medina, Suely Rolnik, Marcelo Expósito, Brian Holmes, Joaquín Barriendos, Javier Toscano, John Holloway, Cooperativa 666, Billy López, Mariana Botey, y yo. El diseño fue hecho por los excepcionales Iconoclasistas. Varios de estos textos irán siendo subidos también en este blog en los próximos días.

DES-BORDES >>> http://www.des-bordes.net/

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"La rebelión de los insomnes" (fragmento)
por Helena Chávez Mac Gregor

Si lo político es estético no es porque se haya convertido en una cuestión de gusto y contemplación, sino porque lo político es una formación histórica que crea las condiciones estéticas de lo político, es decir, las condiciones de percepción, de sensación, de afección, de saber y de poder desde las cuales generamos experiencias. Hoy podemos revertir el daño de la imposición de lo político como experiencia de sometimiento haciendo política, no como subordinación al mantenimiento del Estado o afiliación a un partido, sino como un modo de hacer y des-hacer. Hacer política desde las prácticas estéticas que permiten des-bordar los órdenes instituidos: arte, activismo, crítica, revuelta o revolución, el nombre poco importa ya que sólo intentamos señalar momentos de creación y alumbramiento -llamémosles poéticos-, que re-acomodan los materiales sensibles cambiándolos de posición para abrir nuevos sentidos que se rebelan contra lo establecido. Creaciones estéticas, no por su afección como belleza, sino por su capacidad de afectar al tiempo y al espacio, de crear, en el sentido más fuerte del término, experiencias.

Hoy podemos hacer política en las resonancias de los límites del arte y la política. No se trata de buscar los momentos "artísticos" de lo político, ni de hacer del arte una herramienta de propaganda, sino de encontrar, en lo que cada práctica genera, la experiencia estética que permite una activación poético-política como creación de un momento de revuelta. Hacer política es dejar que las prácticas estéticas -adentro o afuera de los circuitos- nos contaminen, incitando nuestras afecciones y afectividades no para consolidar un ámbito privado de consuelo o recogimiento, sino para hacer la experiencia, que es también parte de lo público, de lo común, desde otra afección, para que el des-encantamiento no sea el dolor de una coraza o la caída de una fuga sino la fuerza para ser otros.

Hacer política hoy es rebelarnos en contra de este tiempo cerrado y homogéneo impuesto por el capitalismo y persistido en nuestra propia subjetividad, es intentar hacernos cargo para que éste no sea el mismo tiempo que el de siempre, sino el que se abre a lo particular de cada práctica, de cada historia, de cada lucha, de cada obra, de cada encuentro, de cada rostro, de cada voz. Hacer política es no constituirnos desde lo político instituido y legitimado sino ser la acción que dice basta, que es un basta, es no consolarnos en la costumbre sino construirnos en la necesidad de que esto sea diferente. La dificultad es que no hay programa o agenda que nos salve; la gracia, que todo lo que nos queda son caminos por inventar...

Entrega del “Archivo Olivier Debroise” al centro de documentación Arkheia, MuAC

El día de hoy, al mediodía, se hizo la entrega pública del "Archivo Olivier Debroise" al centro de documentación Arkheia, del recientemente inaugurado MuAC (Museo de Arte Contemporáneo) de la UNAM en México D.F. El súbito fallecimiento de Olivier en mayo pasado fue sin duda un golpe muy duro para todos aquellos que pudimos ser parte de la cadena de transformaciones y efectos que su pensamiento y presencia indujo a lo largo de casi tres décadas de trabajo incansable. Algo que sin duda tendré siempre presente es esa dimensión política radical desde la cual asumía su trabajo (nunca meramente crítico, o meramente literario, o meramente historiográfico, o meramente curatorial, o meramente visual, o cualquier otra infeliz etiqueta). Para Olivier no había lugar fijo desde donde poder establecer una crítica, sino la urgencia de impugnar el consenso, de entrar por la puerta de atrás. El archivo de Olivier fue entregado finalmente al MuAC, el nuevo Museo de la UNAM que el ayudó a construir conceptualmente desde un primer momento, y cuyo gran impulso fue también en complicidad con la notable exposición La Era de la Discrepancia. Arte y Cultura Visual en México. 1968-1997.

El archivo pasará precisamente a la institución donde Olivier se hubiese quedado, en una manera otra quizá de estar donde él hubiese querido. Pero no como una banal colección de papeles en cajas y archiveros, sino desde esa condición crítica inminente del propio archivo: esa capacidad de poner en duda, desacomodar y extraviar toda las posibles lógicas y órdenes de una modernidad normalizada, que Olivier impugnó permanentemente; de perder deliberadamente el hilo, de reponer contextos distintos y significados reprimidos. Eso que fue él mismo siempre: un lugar de agitación permanente. Reproduzco el flyer de la ceremonia.

Blog de Cita a Ciegas / Epicentro Cusco

Como ya se anuncio desde el pasado 1 de febrero se viene presentando el Festival de Performance Cita a Ciegas, organizado por Epicentro Cusco, y de cuyas actividades no ha podido dar aún cuenta. Se vienen enviando la información actualizada via mail, pero además recomiendo estar atentos al blog de EPICENTRO CUSCO donde se actualizan continuamente las actividades y performances a realizarse durante todo el mes de Febrero.

Con retraso, algunos anuncios en Lima

Lamento las pocas actualizaciones desde la semana pasada pero son diversos inconvenientes los que hacen imposible que este mes dedique el tiempo que tenía acostumbrado (inconvenientes que pueden resumirse en la más total y grosera falta de tiempo, incluso para dormir satisfactoriamente mis 6 horas que ya de por sí era un momento bastante apreciado en mi día a día). En compensación, espero, ello pueda revertir en ciertas actividades públicas que resultaran políticamente productivas y que espero anunciar pronto con detalle. Adelanto simplemente dos: En primer lugar, la segunda sesión del Seminario 'El arte tras los feminismos', que estará centrada en plantear preguntas en torno a la construcción historiográfica de los activismos en el Estado Español desde los 70 en adelante, y cómo el sida marca una alteración radical en los estrategias y de formas de representación a inicios de los 90. El título es "Micropolíticas transmaricabolleras. Activismos torcidos antes y después del sida", será el 23 y 24 de febrero en el auditorio del MACBA, y ya lo comentaré con algo más de detalle.

La segunda cosa es el pre-anuncio de la presentación de la Red Conceptualismos del Sur en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el 9 y 11 de marzo próximo, donde 10 de nosotros estaremos viajando de América Latina y Europa para armar dos sesiones de discusión colectiva, sobre las direcciones de trabajo de la red. Las sesiones públicas las he cordinado con Ana Longoni, con la colaboración de Jesús Carrillo y el interés de Manuel Borja-Villel, por lo cual será una estupenda ocasión para presentar en España parte de la agenda política y trabajo colectivo que estamos reelaborando de forma permanente. Comentaré con detalle sobre esto la próxima semana.

Entre tanto reproduzco algunos de los anuncios de exposiciones en Lima, de los varios que nunca pude colgar por cuestión de tiempo.
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La exposición Tres al cubo: trinidades apócrifas, generada en colaboración por el proyecto A Imagen & Semejanza (AI&S) con Micromuseo, inaugurada el martes 27 de enero en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano de Miraflores. Es importante señalar que gran parte de la producción pictórica de esta exposición ha sido realizada por Angel Valdez con el apoyo de distintos colaboradores. El curador Gustavo Buntinx ha desarrollado varias ideas sobre ello que pueden ser leídas en este post titulado 'A Imagen y Diferencia (arte y teología)' de la bitácora de Micromuseo, y donde se anuncian también algunas visitas guiadas. Reproduzco la invitación.

Se ha inaugurado también la exposición Yuri Soncco "En las Puertas de las Flores" de Katia Céspedes, curada por Alfredo Márquez, y que inauguró el pasado viernes 6 de febrero en el Segundo Piso del Patio de Letras del Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos. Reproduzco el buen comentario que realiza David Flores-Hora sobre la exposición, en su blog Escuela-de-mArte, con una cita de Márquez. Más información sobre el trabajo de Katia en este link.

Aquí se podrá ver un poderoso conjunto de esculturas desarrolladas en alto relieve en técnica mixta sobre marcos informes de madera. Un proyecto que pone en evidencia y trastoca el momento de la muerte y el dolor de los niños atacados de anemia aplásica. Una visión particular de Katia, provocada por su acompañamiento a los niños que padecen esta enfermedad y que se encuentran internos en el INSN ex- Hospital del Niño.

El curador detalla así este proyecto:

“Particularmente considero que la labor y el trabajo que esta exposición testimonia es muy importante, para aproximarnos a una situación que afecta a un sector importante de los niños de los sectores más populares de la población, enfermedades terminales asociadas a la contaminación por la explotación minera y petrolera en sus áreas de habitad. Este dato no acompaña la muestra, por la inexistencia de investigación científica que tenga esta conclusión sustentada. Pero si de un mapeo empírico que cruza la procedencia de estos niños afectados por la anemia aplásica con áreas contaminadas.En todo caso la sensibilidad de Katia y su apuesta de trabajo nos entrega una muestra no solo rica en calidad plástica sino también en calidad ética y compromiso humano.”

Esta exposición incluye una jornada artística para niños, a cargo del grupo de teatro Madero, el sábado 21 de Febrero 3:00 pm. La exposición va hasta el 27 de febrero.

Me llega también por vía indirecta la invitación para la exposición del artista ayacuchano Fredy Huamán Mallqui, que inauguró el pasado 22 de enero en el Centro Cultural de San Marcos. La exposición va hasta el 7 de marzo y se titula "Producto Peruano".


También se anuncia para el siguiente lunes el portafolio del curador Emilio Tarazona, como parte de los Lunes del CDAPC, donde Tarazona hará una revisión crítica sobre su trabajo como curador e investigador en la última década. Es significativo que gran parte de las curadurías de Tarazona hayan tenido un matiz de relectura histórica, sea desde las notables Juan Javier Salazar. Super-visiones: antes-durante-después. 1978-2006, en marzo de 2006; o Accionismo en el Perú 1965-2000, en enero de 2005 en el ICPNA, además de los proyectos en los cuales hemos trabajado juntos, y del cual destacaría La persistencia de lo efímero. Orígenes del no-objetualismo peruano: ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965-1975), y sobre el cual hemos escrito un texto de que se publicará este año. Aunque no dejaría de lado otro tipo de proyectos como la exposición Poéticas del polvo y la ceniza que, recuerdo con inexactitud se presentó en 2003, y que retomaba algunas ideas en torno a lo efímero y al ensamblaje. Ojalá Emilio pueda colgar algo de lo que presentará por aquí también.

Nelly Richard sobre los derechos de la mujer en Chile

Casi de casualidad me he tropezado con una pequeña entrevista realizada a la crítica chilena Nelly Richard hace dos meses a propósito de un visita suya a Caracas para el Seminario Internacional 'Equidad de género en acción', publicada en el semanario cultural Corneta. En ese número #21 (diciembre 2008) han republicado también la entrevista al Espacio La Culpable, que nos hiciera la curadora ecuatoriana María Fernanda Cartagena a fines de 2007 para la revista latinart.com. Reproduzco ahora la breve entrevista con Nelly Richard.
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Entrevista con Nelly Richard

¿Cuanto, o en que, se ha avanzado en los últimos años con respecto a los derechos de la mujer en Chile?

Durante los años de la dictadura en Chile, las mujeres feministas se organizaron para luchar por la recuperación democrática y, al mismo tiempo, para introducir el tema del género en los debates de la izquierda sobre la renovación socialista y para introducir ese tema -el de la conciencia de género- en las reflexiones sobre la política y lo político.

A partir de 1990, y durante los sucesivos gobiernos de la Transición, se produjo un notorio repliegue del avance feminista. Primero, lo que se llamó "la democracia de los acuerdos" privilegió los pactos y las negociaciones a través de una política del consenso que dejaba fuera de la agenda oficial todos aquellos temas polémicos y disensuales en torno a los cuales que generaron enfrentamientos de puntos de vista: desde los temas de derechos humanos hasta los temas valóricos. La creación del SERNAM (Servicio Nacional de la Mujer) en el primer año del Presidente Aylwin) se prestó a que dicha institución fuera hegemonizada por la Democracia Crisitiana que, en materia valórica, suscribió las posturas conservadoras de la Iglesia que, siguiendo la moral evangélica, se puso a dictar pautas en materia de cuerpos e identidades sexuales. El Ministerio de la Mujer

se concibió básicamente como un Ministerio de la Familia que, si bien elaboró algunas políticas públicas favorables a las mujeres (en contra de la violencia intrafamiliar, por ejemplo), tendió a marginalizar de sus plantemientos el avance de la reflexión feminista -ganado durante la dictadura- sobre mujer, igualdad y diferencia. Esta postura de la Democracia Cristiana apoyada en las enseñanzas del Vaticano y consensuadas por la derecha conservadora en Chile, le quitó todo filo político a la reflexión sobre mujer, política, sociedad, poder, cuerpos e ideologías, que analizan la crítica y la teoría feministas.

El nombramiento de Michelle Bachelet como primera Presidenta de la República mujer, creó ciertas expectativas en torno a la cuestión del "género", sobre todo considerando que ella asumió su gobierno con un gesto audaz: el de aplicar la fórmula de lo "paritario" (simetría numérica de hombres y mujeres en los cargos de decisión pública) en la constitución de su Gabinete y otros organismos públicos. Lamentablemente, ella misma renunció a su propio compromiso con el primer cambio de Gabinete, restaurando una política de acomodos que transaba con la lógica tradicional de los partidos. Ni siquiera se alzanzó a debatir públicamente (aunque fuese para debatirlo) la cuestión de lo paritario, que quedó presa de los reduccionismos, las simplificaciones y los estereotipos con los que fue tratado en el mundo político (también en la Concertación) y en la prensa nacional.

¿Cuanto queda por hacer, cuales serían los movimientos claves para avanzar estos derechos en Chile?

Queda mucho por hacer toma en cuenta que Chile es un país en el que hace poco se dictó un fallo del Tribunal Constitucional en contra de la "píldora del día después", por considerarla abortiva, en circunstancias en que había sido una política del gobierno de Bachelet distribuirla en los consultorios públicos. Ese tipo de decisiones es completamente retrógrado...

Una de las lecciones que podemos sacar de lo ocurrido con Bachelet es la importancia de que la elaboración de las políticas públicas tome en serio la reflexión crítica en torno a género y feminismo, para dotarlas de mayor espesor crítico. La incorporación de más mujeres al aparato público -en cargos de decisión, influencia y poder- plantea, lo sabemos, temas complejos y ambiguos. No basta con "ser mujer" para articular una visión de sociedad desde la conciencia de género; no bastan las políticas públicas en torno a la mujer -sectorializadas- para desmontar la simbólica del poder dominante ya que las ideologías sexuales impregan todo el universo de significaciones y de representaciones que se despliega en torno a nociones como igualdad y diferencia; democracia; ciudadanía; participación y representación, etc. En Chile, la izquierda se ha mostrado relativamente indiferente al tema de la(s)

diferencia(s), de las mujeres y del género, mientras que la derecha le ha sacado provecho a un cierto inmovilismo político de las mujeres (justificado por el "temor a al cambio") que ha significado, históricamente, que su voto favoreciera a las tendencias más conservadoras de la derecha. Me parece indispensable que las fuerzas de izquierda en Chile piensen en lo político como algo que va más allá de lo programático o de lo instrumental de la política como administración. Hay que tomar en serio la simbolicidad de lo cultural para activar desde ahí nuevos imaginarios del cambio. No todo se resuelve en el lenguaje político-administrativo de las "políticas públicas". Lo "simbólico-cultural" condensa todo lo que desborda las lógicas de ordenamiento y regulación de lo social: imágenes, fantasías, discursos, subjetividad, identidad, lenguajes, etc. Y es en ese horizonte de lo cultural donde (también) lo emancipatorio toma forma, ya que no hay cambios políticos radicales sin una interrogación acerca de los modos de expresarse, de representarse y de comunicarse de las identidades a través de los discursos sociales. Es ahí donde se da la batalla entre lo hegemónico y lo contrahegemónico, lo dominante y lo subalterno, lo unánime y lo divergente, lo legitimado y lo excluido, etc.

Posible nombramiento del Dr. Ricardo Estabridis como director de la Comisión Reorganizadora de la Escuela de Bellas Artes

En el blog Escuela-de-mArte, David Flores-Hora cuelga un post en torno a la propuesta de que el Dr. Ricardo Estabridis asuma la Presidencia de la Comisión Reorganizadora de esta institución. El anuncio público debería de poder concretarse en las próximas horas. Ojalá este nombramiento permita dar nuevos aires y salidas a esta situación de emergencia. Reproduzco el post en su integridad.
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Sobre crisis en la Escuela Nacional de Bellas Artes: el Dr. Ricardo Estabridis es propuesto como director de la Comisión Reorganizadora

El último comunicado aparecido en la bitácora del Centro de Estudiantes de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (ENSABAP) da cuenta de la propuesta cursada al Dr. Ricardo Estabridis para que asuma la Presidencia de la Comisión Reorganizadora de esta institución.

Esta propuesta, impulsada por los estudiantes y la dirección académica, es importante en tanto Estabridis es un investigador y académico de reconocimiento, con muchos años de experiencia en la enseñanza superior de arte. Además fue director del Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos y director de la escuela académica profesional de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, escuela donde actualmente es profesor principal.

Sabemos por fuentes muy confiables que el nombramiento de Estabridis ya ha sido presentado y aprobado por la Comisión de Educación, Ciencia, Tecnología, Cultura, Patrimonio Cultural, Juventud y Deporte del Congreso de la República. Para hacer valer esta propuesta solo faltaría el pronunciamiento y conformidad del Ministerio de Educación.

De concretarse este nombramiento, Estabridis tendría que viabilizar la Reorganización y la Adecuación de la Escuela a la Ley 23733 (Ley Universitaria), tal como lo dispuso la Ley 29292 (publicada el 13 de diciembre 2008) que otorga a esta escuela la facultad de emitir Grados y títulos de Valor Universitario. Un anhelo de muchas generaciones que han pasado por esta institución.

Seguiremos informando sobre el curso de estos acontecimientos. Más información en la bitácora CE-ENSABAP.

David Flores-Hora

Regreso a 'Locus Solus' - por: Enrique Vila-Matas

Fue Duchamp quien a principios de los setenta me situó en la pista del enigma Roussel: "En 1911, asistí con Picabia y Apollinaire en el Teatro Antoine a la representación de Impresiones de África, de Raymond Roussel. ¡Fue formidable! En escena había un maniquí y una serpiente que se movían muy poco, todo muy loco, muy insólito. Ese hombre fue un revolucionario: al nivel de un Rimbaud. Rompió con todo (...) ¡Qué personaje sorprendente! Vivía encerrado en sí mismo, en su roulotte, con las persianas bajadas. ¡Tuvo una vida extraordinaria! Y, al final, ese suicidio...".

Aunque el suicidio era lo más enigmático, todo en aquel comentario de Duchamp me dejó intrigado. Unos días después, supe que si Roussel vivía encerrado en sí mismo y con las persianas de su roulotte bajadas era porque pensaba que estaba rodeado de esplendores todo lo que escribía y temía la menor fisura que pudiera dejar escapar los rayos luminosos que salían de su pluma. Quedé impresionado, no podía ni creerlo. Fui a comprar su novela Locus Solus, que acababa de publicar Seix Barral. Y hoy ese ejemplar es una de las cinco piezas más queridas de mi biblioteca.

Recuerdo la primera vez que terminé Locus Solus. Al cerrar el libro, tuve la impresión de que cerraba la losa que caía sobre mi propia tumba. Supe que a partir de entonces iban a quedarme obsesivamente grabados, en una atmósfera de descanso eterno, todos los secretos de aquella finca singular, sin similitud alguna con otras que pudiera uno encontrarse por aquí o por allá, por los senderos de la vida o de la literatura. Y también supe que no tardaría en variar notablemente el rumbo de mis lecturas. Porque Locus Solus de Roussel (1877-1933) no sólo me pareció una propuesta literaria que se tomaba insólitas libertades sino que, además, estaba muy alejada de lo que hasta entonces en mi tierra me habían dicho que era una novela.

Decía Leopardi que la vista del cielo es quizá menos agradable que la de la tierra y de los campos, porque es menos variada, y también menos semejante a nosotros, no nos es tan propia, pertenece menos a lo nuestro... Y sin embargo, si la lectura de Locus Solus me pareció tan agradable y me conmocionó con fuerza fue precisamente porque el libro no lo sentí nada cercano y propio, sino lo contrario: seductoramente extraño y extranjero, profundamente glacial y ajeno.

La novela es una tarde interminable. Así la recuerdo, en un primer momento, siempre que me decido a recordarla. Luego, si me acerco más al libro, voy viendo que Locus Solus es también un paseo por ese Lugar Solitario que es la propiedad monumental de Martial Canterel, un itinerario iniciático a lo largo de una tarde en la que este científico va mostrando a sus invitados los inventos y máquinas solteras que pueblan la villa de Montmorency, rarezas e invenciones que a medida que avanza la narración van haciéndose cada vez más geniales. Y así, por ejemplo, tras un martinete formado por un mosaico de dientes y un enorme diamante de cristal relleno de agua en la que flota una chica que baila, un gato sin pelo y la cabeza conservada de Danton, llegamos al pasaje central, el más inolvidable, el que nos persigue muchos años después de haber leído este libro: la descripción de ocho escenas que tiene lugar en una enorme galería acristalada. Descubrimos que los actores son en realidad gente muerta que Canterel ha reanimado con resurrectina, un fluido de su invención que si se inyecta a un cadáver reciente hace que represente el incidente más importante de su vida.

"Cubierto de pieles, un ayudante de Canterel ponía o quitaba a los ocho muertos su autoritario tapón de vitalium, y si era preciso hacía sucederse sin interrupción las escenas, cuidándose regularmente de animar a un sujeto poco antes de hacer dormir a otro".

Anoche soñé que volvía a Locus Solus, aquella gran finca y lugar solitario que en los días del pasado tanto me fascinó. Y esta mañana, ya perfectamente despierto, me he dedicado a revisar la novela. Más allá del deslumbramiento inicial irrepetible, he visto que lo que más pervive hoy en mí de este libro es el procedimiento que inventara su autor para crearlo; un método basado en retruécanos y combinaciones fonéticas y juegos de palabras, tal como lo testimonia el conmovedor y alucinante texto póstumo del propio Roussel, Cómo escribí algunos libros míos: "Escogía dos palabras casi iguales (al modo de los metagramas). Por ejemplo billard (billar) y pillard (saqueador, bandido). A continuación, añadía palabras idénticas, pero tomadas en sentidos diferentes...".

Ni una sola línea de las historias que Roussel cuenta en Locus Solus y en algunos otros libros suyos surgió de su imaginación, sino del artificial procedimiento, de sus infinitas combinaciones fonéticas. A veces, pienso que si en mi literatura he exasperado y llevado al límite el uso de las citas literarias distorsionadas, es decir, si en ocasiones mi falsa erudición ha funcionado casi como una sintaxis o modo de darle forma a los textos, todo eso es deudor de la distorsión de los ecos de aquel procedimiento rousseliano descubierto a una edad en la que aún sabía canalizar mis hallazgos de lector.

Me pareció asombroso ayer volver a observar cómo en Roussel las combinaciones fonéticas funcionan perfectamente como una sintaxis incesante y un modo arbitrario y a la vez riguroso de darle forma a los textos, de darle sentido a todas esas historias que no salen de la vida, sino de la cibernética particular que inventó en su laboratorio de las persianas bajadas. Nada de lo que contaba procedía de su imaginación, a pesar de que era muy imaginativo. Y es que en realidad Roussel jamás viajó. Aun habiendo dado dos veces la vuelta al mundo, jamás le llegó algo desde fuera, jamás el exterior hizo mella en el paisaje interior de su cráneo. En todos los países visitados veía tan sólo lo que había previamente escrito de antemano en su -avanzado para su tiempo- revolucionario laboratorio cibernético.

Fue un hombre que vivió siempre en un lugar solitario, tan aislado como incomprendido, o sólo comprendido por los surrealistas, a los que él no comprendía. Su forma de ser parecía triste, pero él pensaba que llevaba una vida de frecuentes alegrías, ya que escribía sin parar, hasta la extenuación cada día. Navegando por los mares del Sur, recibió una carta de un amigo en la que le decía que le envidiaba por las puestas de sol que estaría viendo. Le respondió inmediatamente que no había visto ninguna, ya que trabajaba en su camarote y no había salido de él desde hacía semanas.

Ayer, tras soñar que volvía a la finca de Canterel y pasar después a leer Locus Solus por enésima vez, me pareció ver que en el camino de la vida, y ya desde la primera lectura de ese libro, me viene acompañando la confortable sospecha o gran revelación de que puede uno crearse un procedimiento propio, perfectamente artificial, para construir una obra inmensamente verdadera.

[publicado originalmente en ELPAÍS.com, visto en Salón Kritik]

Vivimos en un tiempo asustado. Entrevista con Ticio Escobar

A fines del próximo mes se inaugura la Décima Bienal de la Habana 'Integración y Resistencia en la era global', en Cuba, y que por lo que he escuchado puede resultar interesante -aunque con un título que recuerda los discusiones de los 90, pero que no deja de ser pertinente de discutir-. La página web de la Bienal ha empezado a actualizar los contenidos sobre el evento y un 'boletín' donde ha empezado a publicar entrevistas, textos y otros documentados vinculados directa o indirectamente con esta nueva edición de la Bienal. De ese último número del boletín recupero esta primera parte de una entrevista con el teórico paraguayo Ticio Escobar, quien este año es además curador de la Trienal de Santiago -a la cual también conviene echarle un vistazo-. Espero comentar algo más sobre esto pronto ya que de forma coincidente este año compartiran tiempos algunos proyectos a gran escala -bienales digamos- que pueden resultar particular e inusualmente críticos desde sus respectivos escenarios. Espejimo? Excesivo entusiasmo? De momento reproduzco esta primera parte publicada de la entrevista con Escobar en el boletín de la Bienal.
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Entrevista con Ticio Escobar
Vivimos en un tiempo asustado

Entrevista realizada por Jorge Fernández , Director del Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, a Ticio Escobar, culturólogo y crítico paraguayo. (primera parte)

Ciertas tendencias esencialistas dentro de la teoría de la cultura analizan el arte latinoamericano como un fenómeno homogéneo. ¿Qué piensa de esto?

No creo que pueda hablarse de una cultura latinoamericana homogénea. Pienso que uno de los riesgos del pensamiento latinoamericano ha sido sustantivar la latinoamericanidad, convertirla en una esencia un poco anterior a la historia misma, que se ha prestado a muchos idealismos y a una concepción un poco cliché de lo latinoamericano, que ha traducido sus diferencias en pos de una idea, una historia común, un territorio, un proyecto más o menos homogéneo, etcétera.

Ahora, sí me parece importante mantener la idea de un arte latinoamericano como un sentido estratégico, quizás basado en detectar una serie de cuestiones y problemas comunes, y trabajar a través de eso.

¿Qué cuestión hay en común? ¿Qué posibilidad de estrategias comunes puede existir en un momento determinado, cosa que no va tanto a un contenido, a una sustancia o a esencias, como a un problema? Y, ¿qué problemáticas articulables tiene América Latina? ¿Qué entrejuego común puede existir como para que a través del mismo puedan esbozarse estrategias comunes? O sea, a mí me parece que lo latinoamericano puede ser concebido como un escenario en el cual confluye o se representa un orden de problemas, o si se quiere, como un recorte estratégico de una serie de cuestiones.

En última instancia, el lenguaje, arbitrario como es, permite creaciones; y si nosotros nos ponemos de acuerdo en que cuando hablamos de lo latinoamericano estamos hablando de una serie de aspectos y recursos en común, y de una serie de posibilidades de ponernos de acuerdo en cómo manejar y afrontar determinadas prácticas y utilizar determinadas tácticas de producción, de sobrevivencia incluso, de construcción de utopías más o menos cercanas, y de circuitos colectivos que nos sirvan para potenciar nuestras prácticas de cara a ciertas manipulaciones centrales, o a cierto descontrol del mercado, etcétera, entonces me parece absolutamente válido.

Aracy Amaral, la gran crítica brasilera, se opone a la utilización del término arte latinoamericano, porque dice que atañe a una serie de mitos de una identidad esencializada, idealizada, y que de hecho no ha logrado demasiado frutos. Yo estoy de acuerdo con ella en que no tendría que usarse de manera esencialista, pero se recalca ese sentido estratégico, a mí me parece válido en cuanto se aclare que se está designando una pluralidad. Diferencias que en algún momento se interceptan y se entrecruzan y conforman un ámbito de cuestiones comunes. Entonces me parece válido y me parece útil seguir usando el término.

¿Qué relación existe entre los llamados centros culturales y las nombradas periferias, un asunto real pero empobrecido por algunas teorizaciones con enfoques esquemáticos?

Hay siempre un forcejeo entre culturas. Así como no creo en el arte latinoamericano, tampoco creo mucho en las artes nacionales porque (sobre todo en nuestro país, Paraguay, no sé exactamente en Cuba, que tiene otra realidad) apañan en su interior conflictos que tienen que ver con otras otredades dentro de una nueva realidad de un nuevo exótico latinoamericano; como una especie de Frankiestein ante ojos rayban y plumas en la cabeza. Fascina también al imaginario europeo, que está buscando siempre el exotismo más radical de los otros.

Hay otro juego al cual nos prestamos y jugamos, a partir de seducciones y de simulacros: tiene que ver con un tomar la imagen como con un dar imagen; así reencubre una serie de mecanismos de mutuas seducciones y mutuas simulaciones. Entonces hay que ver qué se gana y qué se pierde con cada uno de esos lances. Pero tampoco nosotros somos los inocentes que estamos violados por la otra cultura. ¡No! Incluso nosotros, pícaramente, jugamos con una serie de seducciones y de miradas, y con toda una serie de coqueteos en torno a la imagen que proyectamos y que el otro necesita.

Asimismo, subyacen rejuegos entre un arte hegemónico, superhegemónico, y culturas populares, culturas indígenas y formas de culturas más mediáticas, e incluso culturas ilustradas que casi pudieran decir que pertenecen más al circuito de la hegemonía y la dominación que a un circuito de un arte propio de ese país (en el supuesto caso que fuera acotable “el arte de ese país”, así, en términos muy tajantes). De modo que el juego entre la metrópoli y los países periféricos, o las submetrópolis en algunos casos, es de relaciones complejas, deconstructivas, pero no creo que puedan ser manejadas en forma unilateral.

Pienso que el arte actual es más una serie de transacciones, negociaciones y escarceos en torno al sentido, que un juego de luchas por el poder simbólico. Quizás la lucha por el poder simbólico asuma en muchos de estos casos un juego de muñequeo, de lances y de batallas menores. En medio de todo ese juego de lances de ida y vuelta, bastante confusos, se abren posibilidades concretas que tienen que ver con el espacio que pueden encontrar las otras culturas o los otros creadores, los creadores concretos; o sea, que para esos creadores muchas veces sus propios contextos culturales también están constriñendo o siendo adversos a su posición de artistas, y es que hay posiciones que están jugando en este caso. Por ejemplo, en Latinoamérica yo creo que Sao Paulo y Buenos Aires actúan como submetrópolis regionales para ciudades pequeñas dentro del Mercosur, como Asunción y Montevideo, que dependen de las submetrópolis y que, a su vez, Asunción, para el interior del país, actúa como submetrópoli de otras comunidades rurales, o de grupos indígenas en los cuales las sucesivas cadenas de hegemonías y de juegos hegemónicos y periféricos se van dando también hacia el interior del propio país; y quizás se vuelve a repetir una serie de desdoblamientos y de eslabones. Pero eso viene dando una vuelta, no solamente unilateral, sino que también hay refracciones y hay cruces, necesidades. Muchas veces la dialéctica del hazme mezclado supone un juego de miradas y una lucha de reconocimientos por los cuales el otro también se constituye desde la mirada que intenta cosificarlo. Entonces habría que ver cómo se aseguran espacios a partir de los cuales ese arte propio pueda jugar con esas intersecciones para provecho o para mejor expresarse.

A usted le escuché decir una vez que la cultura era ingrata porque necesitaba profanar sus mitos para renovarse. ¿Cómo evaluar la transformación que ha tenido, en esta tardomodernidad, la representación?

Por una parte está el hecho de que la cultura sí es ingrata, en cierto sentido, porque, por definición, es bifronte, tanto conserva como recusa. La cultura siempre es conservadora y es transformadora, si no, no podría actuar como transmisora de historia, memorias, procesos, si no estaría conservando e incluso custodiando determinadas formas de tradición. Por otra parte, es ingrata, porque se vuelve contra sus propias producciones y las devora o las sacrifica. Continuamente está exigiendo un proceso de renovaciones. Si entendemos que en cierto sentido la cultura es como un cuerpo de respuestas simbólicas que tienen los grupos ante historias determinadas, es evidente que a medida que pasan esas historias, esas respuestas tienen que ser renovadas.

Pero tampoco tenemos que creer en una cuestión tan funcionalista. La cultura también va conservando algunas cuestiones aunque sean disfuncionales socialmente y vayan incomodando al cuerpo social, y son como muchos nudos duros o fibras que a lo mejor necesitan ser recortadas en otros escenarios, y eso lleva a varios juegos dentro de la propia cultura, en los cuales no hay simplemente una respuesta muy lógica a los condicionamientos, sino que hay una serie de reacomodos simbólicos que tiene muchos tiempos.

En cada cultura sobreviven los tiempos del rito, tiempo de la memoria, tiempo del mito y tiempo de lo imaginario, que están como enredándose continuamente, pero siempre hay un tiempo del sacrificio. La cultura necesariamente sacrifica el mito, sacrifica ideas, sacrifica conceptos, sacrifica personas continuamente.

(continuará ...)

Más sobre la crisis de Bellas Artes

Copio aquí dos videos que amplian detalles sobre la situación de crisis extrema que atraviesa la Escuela de Bellas Artes de Lima. El primero es un reportaje transmitido por Canal 2 hace pocas noches, en el programa Enemigos Intimos, sobre la toma de la Escuela -visto en el blog Escuela-de-mArte-; y el segundo es una entrevista con Nemiye Pérez, secretaria general del Centro de Estudiantes de Bellas Artes -tomado del blog de CEENSABAP-.
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Reportaje de Enemigos Intimos sobre la crisis en la ENSABAP



Entrevista con Nemiye Peres sobre la crisis de la ENSABAP

20 Desarreglos (entrevista con Gerardo Mosquera)

Vía [esferapública] llegó también hace pocos días una entrevista con el crítico cubano y curador adjunto del New Museum of Contemporary Art (NY), Gerardo Mosquera, sobre la exposición Desarreglos -principalmente de arte brasileño-, que se exhibiendo actualmente en el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá. La entrevista es, debo ser honesto, algo limitada -por no decir pobre-, quiero creer que se trata de cierto tono didáctico impuesto por el canal de youtube de la institución, aunque quizá me estaría engañando a mí mismo.
Reproduzco la información sobre la expo que va hasta el 9 de febrero.
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20 Desarreglos (entrevista con Gerardo Mosquera)



Noviembre 5 de 2008 - Febrero 9 de 2009
Museo de Arte del Banco de la República, Piso 3
Calle 11 No. 4-21
Entrada Gratuita

Esta exposición se denomina 20 desarreglos pues los artistas seleccionados crean sus obras mediante el recurso formal y conceptual de “desarreglar” una estructura.
Esta es la presentación de la bienal Panorama del Arte Brasileño, organizado por el Museo de Arte Moderno de São Paulo en el 2003 cuyo concepto curatorial es el de “antipanorama”. Y se llama antipanorama porque esta exposición no pretende hacer una revisión de lo mejor del arte brasilero contemporáneo; por el contrario, se trata de una muestra con un concepto propio y explícito, capaz de sostenerse por sí misma más allá del Panorama.

Toda esta orientación encaja en las tendencias postminimalistas del llamado lenguaje artístico internacional. Sólo que, debido a la herencia neoconcreta, los artistas brasileños trabajan con una sensibilidad particular, que les da un trazo característico. Ellos han introducido una –quizás– paradójica expresividad en el detachment contemporáneo, han complejizado al máximo la estética del material, proveyéndolo a la vez de una carga subjetiva, y han diversificado, vuelto más compleja y aún subvertido la práctica del “lenguaje internacional”.

La personalidad de esta plástica anti-samba no se produce –como tanto ocurre en el arte latinoamericano– mediante representaciones, simbolizaciones o activaciones importantes de la cultura vernácula, sino por una manera específica de hacer el arte contemporáneo. Es decir, más por los modos de hacer los textos que de proyectar los contextos. Si se ha impuesto una suerte de “lenguaje artístico internacional” como resultado de la mayor internacionalización de los circuitos y del mercado del arte, los brasileños, más que hablar este lenguaje con acento, lo hacen a la brasileña.

Gerardo Mosquera. Crítico y curador cubano, curador adjunto del New Museum of Contemporary Art, Nueva York, asesor de la Academia de Bellas Artes del Estado de Holanda, y miembro de los consejos editoriales de varias revistas internacionales. Autor de libros y de numerosos ensayos. Fundador de la Bienal de La Habana, ha curado numerosas exposiciones internacionales.
Vea la galería de imágenes en flickr

Visitas gratuitas para el público general:
Lunes a viernes: 11:00 a.m. y 4:00 p.m. (excepto los martes)
Sábados y domingos: 10:00 a.m. 12:00 m., 2:00 p.m., 4:00 p.m.

El que a Cristo se mete termina crucificado, por Lucas Ospina

Lucas Ospina hace un comentario sobre el 41 Salón Nacional de Artistas, celebrado en Cali, y curado por los artistas Wilson Díaz, José Horario Martínez, Oscar Muñoz, Bernardoo Ortiz y la curadora argentina Victoria Noorthoorn. Reproduzco su comentario circulado por [esferapública]:
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El que a Cristo se mete termina crucificado

"Antes se hablaba de arte, ahora se habla de arte de Cali, de Medellín, de la Costa, haciendo eco así al clientelismo cultural del Ministerio de Cultura. Ese fenómeno regional hay que desconocerlo totalmente."
—Bernardo Salcedo

El debate del Salón Nacional de Artistas estaría entre la demagogia participativa y el despotismo ilustrado, la curaduría sería el fusible que tiene que lidiar con los cambios repentinos de electricidad que se dan entre estos dos flujos de corriente: la demagogia participativa demanda que los artistas, la ciudad, la región y la nación sean representados; el despotismo ilustrado en aras de alcanzar un "arte de calidad internacional" lo hace “todo para el pueblo, todo por el pueblo, pero sin el pueblo”, no se apoya en la estadística, discrimina obras y artistas, a unos los expone en espacios cuidados y a otros en lugares descuidados, a unos los invita y los financia y a otros quisiera “desinvitarlos” (son los parientes pobres).

El riesgo de morir electrocutado es inmenso, y si se trata de la curaduría de este 41 Salón Nacional de Artistas el deceso parece inevitable. La autoridad de esta curaduría no ha venido de la presencia, la provocación, la ironía o el debate, sino de la varita mágica del “Misterio de la Cultura” que convierte por decreto a artistas, burócratas y gestores en curadores impúberes. Tal vez algo se logró en la plataforma inicial de este Salón, un texto redactado a cinco manos bajo los buenos auspicios que propicia todo comienzo, pero que luego, con la escabrosa logística del evento y la fricción de la crítica, se apagó, quedó huérfano, y de plataforma pasó a pendón, de teoría a diseño, un astuto sambenito que se colgaba a cada obra y exposición. Ante la baja de tensión, la brillantez de las ideas de los artistas que jugaron a ser curadores (y de la curadora-paracaidista que vino desde Argentina) no alcanzó más resplandor que el de un bombillo de 20W, luego la curaduría hizo corto circuito.

El futuro dirá si algo se aprendió de esta chamusquina. Este debate es recurrente, pero ahora, con la entronización definitiva del modelo curatorial, uno esperaría que la polémica tuviera más alcance que en las ediciones pasadas, que el diálogo alcanzara esferas diferentes al rifirrafe político-cultural y la cultura de la queja… pero tal vez hay algo de atávico en esto del Salón, un termómetro que hay que insertarle por donde le quepa a unos autistas impacientes, un megaevento que genera a la brava indicadores positivos de gestión para las instituciones vinculadas, un ritual de crucifixión que antes sacrificaba a un Artista-Ganador y que ahora no soporta ser religión parca y correcta, añora las masacres del pasado y sacrifica lo que se le ponga enfrente.

Quedan 15 o 20 obras que como arte validan el evento.

—Lucas Ospina

No tan Bellas Artes, por: Diego Otero

Un oportuno artículo de Diego Otero publicado el día de ayer en el Suplemento El Dominical, del diario El Comercio, hace más pública aún la situación de abandono extremo y desidia total por parte del Estado que sufre actualmente la Escuela de Bellas Artes de Lima, tomada actualmente por los alumnos como una justificada medida que responde ante tanto atropello. Es importante que la situación actual no quede simplemente como una mera anécdota, o como un incidente menor protagonizado por un conjunto de alumnos rebeldes, y que se entienda la dimensión política que el acontecimiento en sí mismo señala. Esta puede ser una de las últimas oportunidades para impulsar finalmente los cambios que hace tiempo son necesarios a nivel curricular y académico, y desenquistar de una vez a ciertos profesores que se han atornillado (i)legalmente a la silla aún sabiendo que no están en la capacidad de impartir aquellos cursos. Como señala Andrea Ramos en el artículo, quizá lo más urgente sea convocar a elecciones -ya que actualmente la ENSABAP se encuentra sin dirección académica estable-, y poner también en marcha un proceso de evaluación imparcial a los docentes de la escuela.
En el blog de CEENSABAP, el artista Luis Castellanos Jara, ex alumno de la Escuela de Bellas Artes, hace un comentario sobre el artículo de Otero señalando que fueron los alumnos quienes pidieron el retiro de Leslie Lee y no el sindicato de profesores. En comentario de Castellanos puede verse aquí.

Reproduzco ahora la nota completa de Diego Otero, tomada de El Dominical, donde el autor cita también algunos comentarios de este blog. Ojalá que la difusión pueda ampliarse mucho más, y que el Ministerio de Educación finalmente tenga que tomar una posición al respecto, o que incluso -aunque eso es aún más utópico- que nuestro propio sistema artístico local pueda tender un puente de colaboración y lucha solidaria frente a esta situación. Aunque si no somos ni siquiera capaces de hacer esto ya queda bastante claro a donde se dirige nuestra producción 'contemporánea'.
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La crisis de la escuela

No tan Bellas Artes.

LA ESCUELA EN EMERGENCIA. A PUNTO DE QUE ENTRE EN VIGOR LA LEY QUE LE PERMITIRÁ OTORGAR TÍTULOS UNIVERSITARIOS, NUESTRA PRIMERA ESCUELA DE ARTE —TOMADA POR LOS ALUMNOS, CON EL AÑO ACADÉMICO INCONCLUSO Y SIN DIRECTOR HACE 10 MESES— ENFRENTA LA PEOR CRISIS DE SU HISTORIA.

Por: Diego Otero

El terremoto del 15 de agosto del 2007 dibujó una serie de profundas rajaduras en las columnas de la sede central de la Escuela Nacional de Bellas Artes. También inutilizó por completo algunas aulas de la Casa Canevaro —a media cuadra—, donde se solían dictar los talleres de pintura. A más de un año del terremoto, las rajaduras y la inhabilitación continúan, como un símbolo dramático de otras rajaduras y otras inhabilitaciones, acaso más severas, que vienen arrastrándose desde hace mucho tiempo.

Solo un dato nos puede dar alguna idea de la calamitosa situación: desde marzo del año pasado la escuela no cuenta con un director general, está absolutamente acéfala. ¿Por qué? Tratemos de seguir el recuento de los últimos hechos: La comisión presidida por Leslie Lee —un artista de prestigio innegable y de reconocida solvencia intelectual— se retira en el 2007, luego de que un grupo de profesores lo acusara de ejercer el cargo sin la titulación adecuada.

Vale la pena saber algo más de estos profesores: Todos ellos fueron despedidos el 2001, luego de que los alumnos realizaran una toma y los denunciaran “por incompetencia y malos manejos”. En el 2003 estos profesores ganan un juicio contra la escuela. Regresan y forman el sindicato de docentes de Bellas Artes. Y empiezan a ejercer presión para que Lee dejara el cargo. Finalmente, a la salida de este, el Ministerio de Educación envía otra comisión, esta vez encabezada por Manuel Solís, actual director de educación superior del ministerio.

Solís estuvo cuatro meses en la dirección general, y realizó un informe (No. 002-2008-CR) de resultados poco alentadores: La calidad profesional de buena parte de los profesores estaba por debajo de lo mínimamente exigible; la malla curricular era contradictoria, plagada de vacíos; había un clima de tensión entre distintas áreas de la institución, etcétera. A la salida de Solís, el ministerio encargó la dirección académica al profesor Roberto Villegas, pero este decidió jubilarse y encargar el puesto —a su vez— a Luis Sono, miembro del sindicato mencionado líneas arriba.

Entonces recrudecieron los problemas. Se dijo que Villegas no tenía potestad para delegar el cargo; se dijo también que el ministerio no había aprobado el traspaso de funciones. La crisis llegó a un punto de inflexión cuando un grupo amplio de estudiantes tomó nuevamente la escuela, en noviembre del año pasado, como una impugnación pública frente a lo que consideraron “una actuación inoperante por parte de las autoridades académicas y una displicencia generalizada por parte del Estado”.

El fin de año llegó con las clases suspendidas a causa de la toma. Sin embargo, extrañamente, los profesores recibieron un documento de la dirección académica que les solicitaba entregar notas. Pero, ¿qué notas podían entregar si no se había podido terminar de evaluar a los estudiantes? Un conjunto de docentes decidió entonces no acatar la medida y la situación se hizo insostenible: A estas alturas pocos querían que Sono permaneciera en el cargo por más tiempo.

¿Ministerio sordo?
Dos semanas atrás, alrededor del 15 de enero, una asamblea integrada por un grupo de profesores, egresados, alumnos y administrativos propone que Sono sea depuesto y que se nombre a la profesora Andrea Ramos, perteneciente a la asociación de docentes, como nueva directora académica. Una resolución de la secretaría general de la escuela aprueba la medida y Ramos asume el cargo con el propósito expreso de tender un puente entre el alumnado y la institución, y solucionar los puntos álgidos de la crisis al más corto plazo; de otro modo no se podrá asumir el rango universitario.

Según Hugo Alegre, que ha sido docente de la escuela por más de doce años, “Bellas Artes es una perfecta versión a escala del país. La escuela se ha convertido en un conjunto de cofradías y recelos. Por un lado está el sindicato y por el otro la asociación, y en el medio los alumnos. La cosa es sumamente compleja y la presencia de Andrea Ramos responde ciertamente a la urgente necesidad de que haya alguien que opere como intermediario. Ojalá que estos cambios sirvan para algo, pues en realidad el problema de fondo es que el ministerio tiene la escuela completamente abandonada”.

Marie Jean Castañeda, representante del Centro de Estudiantes de Bellas Artes, está de acuerdo: El problema de fondo es que el ministerio no está respondiendo a ninguna de las solicitudes de diálogo que la escuela propone. “Hemos hablado con el viceministro Idel Vexler, con el propio Solís. Incluso la Comisión de Educación del Congreso ha enviado un oficio al ministro Chang, pero no hay respuesta. Y la escuela depende del ministerio para funcionar, para aprobar cualquier cambio importante, para tomar medidas”. ¿Qué sucede con el ministerio?, ¿Es que sencillamente no le interesa que la escuela de arte más importante del país esté agonizando?

Nos comunicamos con Manuel Solís para plantearle estas y otras interrogantes, pero él prefirió no tocar el tema: “Sobre Bellas Artes yo no puedo opinar. Eso depende de Secretaría General del Ministerio de Educación, que es el nexo directo con el señor ministro. No está en el ámbito de gestión académica”. Por lo pronto, la escuela está con la soga al cuello, y entre la espada y la pared. Mientras no se convoque a elecciones para director general no se podrá acceder al rango universitario.

Sindicato vs asociación
Encontramos a Andrea Ramos en la Casa Canevaro, trabajando en un organigrama de tareas urgentes. Nuestra primera pregunta tiene que ver con el conflicto que parece haber entre el sindicato de profesores y la asociación. “Ese es uno de los temas más graves, y tiene que ver con una insalvable brecha generacional. Los profesores del sindicato, que son bastante mayores, insisten en un desarrollo académico tradicional, conservador; la asociación, que es un conjunto de profesores más o menos joven, busca abrir la institución a una concepción del arte acorde con los tiempos”.

Ramos cree que la mejor opción para zanjar problemas de esta índole es convocar a una asamblea con todos los profesores; una especie de tregua que les permita llegar a acuerdos comunes, y desde ahí trabajar. “Después de eso, lo justo sería que todos los profesores, sin excepción, pasemos por una evaluación realizada por profesionales imparciales, que no tengan ningún vínculo con la escuela. Solo así se puede recuperar la confianza de los alumnos”.

Ramos pone un ejemplo de cuán mal ha venido siendo manejada la institución: “El año pasado, a pesar de contar con una infraestructura semicolapsada y de tener problemas de diversa índole, se hizo ingresar a 120 alumnos. ¿Por qué no se postergó el examen o, por lo menos, por qué no se redujo las vacantes?”. Lamentablemente no hay tiempo de responder esas preguntas. Las prioridades son ahora cesar la toma y convocar elecciones. Solo así se podrá asumir el rango universitario. Solo así sobrevivirá la escuela.

El sistema (artístico) no responde
Quizá estemos siendo testigos de la última oportunidad de la escuela para volver a alzar vuelo, como en su época de esplendor. Después de todo, en los últimos diez años no ha habido más que crisis. En el 2001 la escuela estuvo tomada por tres meses; en el 2007 por diez días. Y no es que esas tomas hayan sido el capricho de un grupo de alumnos revoltosos e indisciplinados: han sido el síntoma más elocuente de una institución que hace agua y se hunde, jalonada por pequeñas mezquindades e intereses, burocracia, mediocridad, desinformación y desidia.

Andrea Ramos dice que no se puede trabajar mientras las cartas no estén sobre la mesa y las cosas no sean transparentes: “Cuando Solís llegó al cargo, convocó a una asamblea general, aseguró que iba a haber un diálogo horizontal y plural. Pero fue mentira: solo se reunió con los profesores del sindicato. A los de la asociación nos abrió la puerta solo una vez, y no de muy buena gana. El asunto es elemental, cuando hay grupos en conflicto y solo eliges a uno de esos grupos para dialogar, entonces generas más problemas”.

Entretanto, como bien lo han dicho algunas voces aisladas, como el artista y curador Miguel López desde su blog (arte-nuevo.blogspot.com), las élites artísticas han permanecido en un elocuente silencio frente a la crítica situación de la mayor escuela pública de arte del país. “Esta nueva crisis es, sin duda, un síntoma evidente de un sistema artístico que no es capaz de comprometerse colectivamente con lo más mínimo que podría exigirse: Una educación desde el arte respetable y digna. Resulta así curioso pensar en perspectiva ciertas utopías de crecimiento del campo del arte”.

¿Qué se derrumba, a fin de cuentas, junto al derrumbe de la escuela? Muchas cosas. En primer lugar, la esperanza de que el Estado pondere por fin el verdadero lugar que ocupa, o debería ocupar, la cultura en cualquier país: Nuestra identidad y nuestra autoestima social están edificadas sobre los bienes simbólicos que producimos. En segundo lugar, el sueño de un considerable grupo de jóvenes que piensan —todavía, con valiosa inocencia— que el arte es una de las últimas reservas de conciencia crítica, uno de los últimos espacios que pueden generar transformaciones.

+ info
Andrea Ramos, coordinadora del Área de Dibujo de la Ensabap, profesora asociada y, desde hace dos semanas, directora académica de la escuela, tiene la responsabilidad de intentar resolver el entrampamiento en el que se encuentra la institución. De lo contrario el rango universitario —es decir, la posibilidad de que los egresados puedan competir en igualdad de condiciones con los egresados de la PUCP, por ejemplo, en cuestión de becas y posibilidades profesionales— correría peligro.
Por su parte, el centro de estudiantes de la escuela, a través de su blog (ce-ensabap.blogspot.com) viene haciendo públicas todas las acciones que realizan y todos los reclamos y solicitudes que enarbolan. Su dramático mensaje luego de la última toma termina con estas dos elocuentes condiciones para devolver las instalaciones: “Que no se proceda a elecciones hasta que existan las condiciones para ello; que se lleve a cabo una auditoría general y no queden impunes las irregularidades cometidas por los malos elementos de la Ensabap”

[imágenes del blog del CEENSABAP]

Hoy comienza Cita a Ciegas en el Cusco!!

Nuestra organización, Epicentro Cusco, surge como una iniciativa de autogestión artística que, con visión crítica frente al enfoque económico desarrollista de la globalización y perspectiva de responsabilidad global profesional, tiene la vocación de integrar una red de activadores socioculturales latinoamericanos mediante asociaciones estratégicas para la creación, producción, investigación y difusión de las artes y las ciencias sociales.

Iniciamos actividades llevando a cabo del 01 al 28 de febrero en la ciuadad de Cusco (Perú) Cita a Ciegas Encuentro Internacional de Performance, con la presencia de más de 70 performistas de Alemania, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Holanda, Israel, Perú y Suiza, y con el apoyo de las fundaciones Pro Helvetia, y Mondriaan Stichting, instituciones académicas, estatales y empresas de las localidades de origen de los artistas visitantes, e instituciones y empresas de Cusco, entre ellas Asociación Equilátero, quienes comparten con nosotros la producción local del encuentro.

Este encuentro ha sido programado como una iniciativa surgida desde el foro internacional de arte del performance Performanceología, buscando el intercambio profesional entre performistas de distintas latitudes del planeta, así como su diálogo fructífero con la ciudadanía de Cusco como lugar estratégico para el desarrollo social y cultural de América Andina.

Todas las actividades, que incluyen performances, talleres, conferencias y conversatorios a realizarse de lunes a domingo de 9:00 am a 9:00 pm en lugares públicos y privados abiertos y cerrados, son absolutamente gratuitas y de participación libre para los ciudadanos de Cusco y los visitantes de la ciudad.

A las actividades de los performistas seleccionados a través de un proceso de convocatoria internacional mediante publicación virtual en http://www.epicentrocusco.blogspot.com/, http://performanceologia.blogspot.com, http://www.arte-nuevo.blogspot.com/ y http://www.enfocarte.com/, se suman, previa evaluación de proyecto, la difusión de performances de creadores que, sin estar inscritos en la delegación de performistas visitantes, deseen hacerse presentes con actividades independientes adheridas al encuentro.

Informes:
epicentro.cusco@gmail.com
citaaciegas@epicentrocusco.org
emilio@epicentrocusco.org
fernando@epicentrocusco.org

Emilio Santisteban (Director Artístico)
Fernando Oballe (Director Ejecutivo)
EPICENTRO CUSCO