Convocatoria / Ensayos Públicos #5

Desde LASA-Laboratorio Artístico San Agustín, a quienes pude conocer en mi último paso por Lugar a Dudas en Cali, en agosto pasado, me llega la quinta convocatoria del proyecto Ensayos Públicos en La Habana, Cuba. La reproduzco íntegra.
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ENSAYOS PUBLICOS #5 la propia-percepción

LASA-laboratorio artistico de san agustin
La Habana – Cuba
15 de abril – 15 de mayo del 2010

CONVOCATORIA
acciones de arte contextual en el espacio público de San Agustin (La Habana-Cuba)

QUIEN PUEDE PARTICIPAR?
artistas de las artes visuales y de las artes escénicas,
arquitectos y urbanistas,
estudiantes,
escritores, críticos de arte, curadores, emprendedores culturales,
cineastas y creadores de video.

FECHA Y MODO DE ENTREGA
antes del 15 de enero del 2010 para los artistas residentes en Cuba
por correo electrónico: lasa.cuba@gmail.com
por vía postal: Centro LASA, Calle 254 esq. 35. San Agustín, La Lisa. C. Habana. Cuba

antes del 15 de enero del 2010 por los artistas que no residen a Cuba
por correo electrónico: lasa.cuba@gmail.com
por vía postal: Proyecto LASA c/o Aurélie Sampeur, 18 Le Rocheret 22490 Plouër sur Rance, Francia

QUE INCLUYE LA SELECCIÓN?
Cada artista seleccionado por el equipo LASA contara con una beca de 15 días en abril del 2010 en el laboratorio artístico de san agustín, que incluye:
- transporte hasta La Habana para los artistas cubanos residentes en otras provincias,
- alojamiento,
- la logística de producción para su obra (disponibilidad de un taller, herramientas y técnicos),
- acompañamiento artístico durante el proceso de creación,
- promoción del trabajo del artista en el marco de los ENSAYOS PÚBLICOS #5 (prensa local e internacional, Internet, campañas de emails),
- administración de la obra (autorizaciones para trabajar en el espacio público).

DONDE SABER MAS?
la convocatoria completa a descargar: http://lasa-cuba.googlegroups.com/web/call-for-proposals-EP5-es.pdf?hl=es&gsc=of7lPwsAAABX2i3-SzlGO9s3De7BCIap
sitio: www.lasa.mehr-licht.org
blog: www.lasa-cuba.blogspot.com
plataforma virtual: http://groups.google.com.cu/group/lasa-cuba

centro: Calle 254 esq. 35. San Agustín, La Lisa. C. Habana. Cuba
email: lasa.cuba@gmail.com
teléfono: +537 267 3761

También visite la página web del creador de LASA, el artista cubano CANDELARIO www.candelario3ac.org

Ramona 97. La Internacional Argentina

Hace una semana salió Ramona #97 con el dossier 'La Internacional Argentina'. Reproduzco la presentación y el índice.
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INTRODUCCIÓN

La Internacional Argentina

Desde fines del siglo XIX y la mitad del XX, con el viaje a Florencia, Roma o París culminaba la formación de los artistas argentinos: en las grandes academias, en los talleres de moda, en los museos o en las bohemias, se entrenaban para retornar al sur del sur con un título real o imaginario que los autorizaba a practicar su arte.
Más tarde, los exilios se tornaron culturales, económicos o políticos. Y la diáspora abarcó también América Latina y del Norte, así como ciudades que antes no figuraban en las guías del artista argentino desterrado….
Decenas de artistas argentinos se instalaron en el mundo para no volver o volver muy poco o muy grandes. En sus nuevos destinos muchos desarrollaron obras relevantes, fueron reconocidos y se integraron al medio que los había acogido.
Este trasplante debió significar muchísimo en la tarea de estos creadores. Algunos no han vuelto nunca, otros se mantienen a una distancia prudente y los menos, reciben cada tanto el tardío reembolso por su largo trabajo como embajadores de un país que de uno u otro modo los expulsó.
ramona aspira en este número a recoger los pasos de quienes se fueron: vidas de artista en otras partes. Sería importante saber, en este mundo actual donde las distancias se han hecho tanto más breves, si aquellos trasplantes arrastraron hacia afuera algo que pudiera llamarse una mirada argentina, una maleta espiritual en otras latitudes.
Y, complementariamente, también querríamos saber si subsistió la pulsión del “volver”, si en estos años de afuera, pervivió algún adentro imaginario, alguna Argentina deseante que responda a esa carta que hace muchos años se arrojó al mar, dentro de una botella.

INDICE

LA INTERNACIONAL ARGENTINA
Cecilia Biagini
Diego Bruno
Bibi Calderaro
Marula Di Como
León Ferrari
Mariano Gaich
Carlos Ginzburg
Julio Grinblatt
Nicolás Guagnini
Ruth Gurvich
Enrique Ježik
Leandro Katz
David Lamelas
Leopoldo Maler
Fabián Marcaccio
Gustavo Marrone
Marie Orensanz
Liliana Porter
Pablo Reinoso
Osvaldo Romberg
Miguel Rothschild
Áxel Straschnoy
Juan Tessi
Sergio Vega

Y ADEMÁS...
Warhol y Duchamp. ¿Nada que ver?
José Fernández Vega

Apenas, nada menos. En torno a “Arqueología de la ausencia” de Lucila Quieto
Ana Longoni

Entrevista con Jon Leidecker sobre apropiacionismo sonoro

En la web del MACBA publican una entrevista bastante interesante con Jon Leidecker, quien trabaja en collages de música apropiativa bajo el seudónimo de Wobbly. Según se indica en la web una selección de su obra se encuentra disponible en http://detritus.net/wobbly. Leidecker fue el comisario de la serie VARIACIONES para la Ràdio Web MACBA en torno a la historia del apropiacionismo sonoro y el sampling. Reproduzco la entrevista.
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Entrevista con Jon Leidecker

Pregunta: Tras tu proceso de investigación para la serie acerca del sampling en la música y el apropiacionismo sonoro en RWM, ¿cuáles han sido tus principales revelaciones o descubrimientos, teniendo en cuenta que ya eras un especialista en la materia?

Respuesta: El primer paso, más que trabajar en la narración, fue escuchar las piezas clave de la historia del collage musical una detrás de otra, en estricto orden cronológico. Hay muchas más piezas de lo que mucha gente piensa, y es útil escuchar las composiciones más raras en su contexto original junto a las más conocidas. Pronto me di cuenta de que estas piezas ilustraban una transición crucial en la música del siglo xx, la substitución de la partitura por las grabaciones sonoras como medio definitivo de la composición musical. Ahora damos por sentado que la música se compone de sonidos organizados porque así los escuchamos, y la audiencia está más familiarizada con la transformación y el control de sonidos mediante procedimientos electrónicos. El collage musical ha sido siempre el ejemplo más transparente de lo que el compositor puede hacer con esos sonidos en un estudio: cuando sabes cómo sonaba el material original, resulta más fácil reconocer lo que el compositor hizo con él a posteriori. Así que el collage musical y el apropiacionismo sonoro son de alguna manera la ilustración más clara del cambio que el rol del compositor ha experimentado a lo largo de los últimos cien años, a medida que aprendía a utilizar las herramientas que brinda un estudio de grabación.

P: ¿Podrías explicar con mayor detalle el cambio de paradigma del que hablas tanto en el primer episodio de la serie? La evolución y transformación del concepto de autoría tras la aparición de las grabaciones sonoras.

R: Hasta cierto punto, nuestro concepto de autoría es una herencia del paradigma de la música escrita sobre partitura. Incluso siglos después de la invención de la notación musical, nadie se atrevía a firmar sus composiciones; no era una práctica común, ya que iba en contra de la alabanza religiosa, que era la verdadera finalidad de la música según los estamentos más cultos de la sociedad de la época. Unos siglos más tarde, en cambio, la figura del compositor se ha inmortalizado, y su importancia en el proceso de creación musical parece indiscutible. Con la llegada de la música grabada, esa relevancia empieza a repartirse, al tiempo que queda constancia de todos los individuos involucrados en una interpretación, desde los músicos hasta el público, pasando por la figura cada vez más importante del productor o el ingeniero de sonido que dan forma a los sonidos utilizados. Las grabaciones devuelven a la música su carácter de actividad social, pero al mismo tiempo separan a los músicos de su audiencia, que empieza a concebir su experiencia como un hecho que tiene lugar en aislamiento. La experiencia de la música grabada plantea pues un conflicto entre el antiguo paradigma del creador individual y el potencial conciliador de la propia música.

P: ¿Algún otro descubrimiento que quieras destacar?

R: Lo que más me sorprendió al trabajar en el segundo episodio, el de los años sesenta, fue la cantidad de piezas de la época que eran en realidad collages de música del mundo. Durante los sesenta tuvo lugar una explosión de compositores que crearon grupos ficticios a partir de músicos de distintas culturas, encontrando armonías y contrapuntos entre gentes de distintos continentes. Una idea natural que despertó en paralelo a la idea de Aldea Global de McLuhan. Lo realmente interesante del caso es el carácter premonitorio de esta mezcla, que se anticipó a la fusión global que floreció durante los años ochenta, cuando músicos de diferentes culturas empezaron a trabajar juntos, esta vez en persona, para encontrar formas congruentes de expresar esas armonías. El estudio de grabación sirve a menudo para postular ideas sin precedentes que se convierten en algo cotidiano, algo a reproducir y explorar una vez que la gente empieza a escuchar el resultado de esas nuevas combinaciones. En otras palabras, demuestra que algunas cosas pueden hacerse realidad. Existen numerosos ejemplos de collages musicales que de alguna forma propusieron híbridos que en su momento todavía no existían, como la música disco, u otros que eran imposibles de interpretar, como el drum'n'bass. Y en cuanto aparecieron, la gente aprendió a tocar esa música en directo. Los buenos collages conllevan cierta promesa utópica que tiende a hacerse realidad, prueba de que tiene sentido verlos con buenos ojos.

P: ¿De qué trata el próximo episodio?

R: Los tres primeros episodios de la serie cubren el desarrollo del collage en el contexto del arte sonoro, los DJs y los novelty singles^[1].El cuarto episodio arranca en 1980 con el nacimiento del hip-hop, que es aproximadamente el punto en que la estética del collage devino una forma de música popular pura y se infiltró definitivamente en el mainstream. Es también el momento en que se comercializaron los primeros samplers y el término samplear empezó a utilizarse de forma habitual. Los primeros samplers se presentaron como poco más que cajas de ritmos primitivas, pero hacia la mitad de los 80 se habían convertido ya en una herramienta indispensable del pop, ya fuera de manera visible o encubierta. Mientras el hip-hop continuó su ascensión hacia la cima de las listas de éxitos, artistas como Negativland y John Oswald construyeron collages críticos y autoreferenciales a partir de materiales de la cultura popular, sentando las bases y definiendo el vocabulario, los efectos e ideas implícitas en la práctica de un artista del sampling.

P: Pero esta explosión de creatividad se anquilosó con la cruda realidad de los noventa...

R: La primera ola de juicios relacionados con derechos de autor y sampling pegó muy fuerte en los primeros noventa, y básicamente alteró la dirección que muchos artistas como Public Enemy, los Beastie Boys o De La Soul parecían estar siguiendo de manera natural, hacia una mayor densidad y diversidad de materiales. Para muchos artistas que utilizaban más de 5 o 30 muestras en una canción, se volvió literalmente imposible obtener los permisos legales para cada una de las fuentes, así que se optó por reinstaurar el modelo comercial de la versión: coger uno o dos compases, subir la batería, «rapear» encima y listos. Pero incluso así surgían los problemas, porque la cesión de derechos de autor no es obligatoria, de modo que cualquier artista o abogado está en su derecho de denegar el uso de una muestra. Hacia finales de los noventa, artistas como Dr. Dre empezaron a contratar músicos para reinterpretar las muestras elegidas y luego licenciar el resultado como una versión. Mientras tanto, los artistas interesados en la yuxtaposición y el collage fueron condenados a sobrevivir en el underground, en los márgenes. Estos permanecieron en pequeños sellos discográficos hasta que el auge de Internet solucionó el problema de la distribución, al tiempo que los mashups de canciones pop de lo más dispar acaparaban millones de descargas y buena parte de la creatividad en la música apropiacionista se afincaba definitivamente en la Red, que es a día de hoy el mayor foro de vanguardia en la materia.


^[1] Los novelty singles son un género discográfico típicamente norteamericano fundamentado en canciones-broma y pequeños sketchs humorísticos musicados, que tuvo su apogeo en las primeras décadas del siglo XX [N. del T.]

BIOS - Trabajador@s del arte: Christian Bendayán / Museo Itinerante Arte por la Memoria

Una excelente iniciativa del CDACP durante el 2009 ha sido el proyecto de pequeños documentales de una serie llamada BIOS - Trabajador@s del arte, que da cuenta de diversas experiencias y procesos locales de producción artística.

El último que acaba de ser difundido se ha centrado en el trabajo de Christian Bendayán, un artista involucrado activamente también en la gestión y curaduría de exposiciones de arte amazónico. Coloco aquí también el documental sobre el proyecto del Museo Itinerante Arte de la Memoria, una iniciativa autogestionada que intenta articular, en sus distintas derivas por el país, una mirada crítica sobre las últimas dos décadas de violencia interna a través de los procesos estéticos.
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BIOS - Trabajador@s del Arte - Christian Bendayan
Centro de Documentación de Arte Peruano Contemporáneo (CDAPC)
© 2009. Lima-Perú. Centro Cultural de España en Lima

BIOS - Trabajador@s del Arte - Colectivo Museo Itinerante Arte por la Memoria
Centro de Documentación de Arte Peruano Contemporáneo (CDAPC)

© 2009. Lima-Perú. Centro Cultural de España en Lima

Extramuros, de Luis Alvarado

Mi buen amigo Luis Alvarado ha abierto el blog Extramuros. Los márgenes de la música peruana, un blog donde vuelve a la carga con una cantidad enorme de música que no fluye necesariamente por los canales de escucha cotidiana. Luis es, además de editor independiente de revistas como Autobus y productor de múltiples compilatorios musicales desde el indie pop al paisaje sonoro, un investigador apasionado por la experimentación musical que lo ha llevado a indagar producir exposiciones sobre las vanguardias y el sonido electroacústico de los 50, textos sobre las pequeñas historias del noise peruano, o incluso en torno a la poesía sonora como la reciente exposición Inventar la voz: nuevas tradiciones orales (sobre la cual, por cierto, Mario Montalbetti ha escrito un texto en el último número de la revista Hueso Húmero). Recientemente se presentó en Lima el libro de César Bolaños --que aun no tengo el placer de tener en mis manos-- y el cual es en realidad el preludio de una serie de importantes recuperaciones musicales. En ese mismo espíritu su blog Extramuros parece intentar proponer una lectura a contramano de la música local a partir de una serie de experiencias desclasificadas, borradas, perdidas o descatalogadas. Intuyo que el título recupera algo del espíritu de su texto 'En los extramuros del underground' (que puede leerse aquí por partes).

Para mi es un placer anunciar que Luis abre este nuevo blog al cual promete continuidad y larga vida (y con la cantidad de material que tiene le creemos), es sin duda un buen regalo para los que solíamos leer su anterior blog Autobús. Largas conversaciones, colaboraciones y complicidades editoriales hemos tenido, y sin duda es de agradecer que existan aún ánimos de autogesión y producción crítica independiente capaces de contagiar el entorno. Debo decir además que cuando este blog surgió hace ya casi cuatro años (!) pocos prototipos locales de blog tenía a la mano, y sin duda Autobús fue uno importante tanto por su agilidad en los comentarios pero particularmente porque el blog se concebía como parte de un tipo de intervención y operación cultural en la escena que relataba: más que mero cronista se trataba de ser agitador. Y ahora que me encuentro largamente fuera de Lima --y dicho sea de paso, que chateamos mas bien poco-- esta será una buena manera de mantenernos blogueramente comunicados a través de lo que nos apasiona.

Por cierto, el blog Extramuros además de pequeñas nota pone a disposición la libre descarga del material. Copio uno de sus recientes post.
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VVAA - Música Electrónica Latinoamericana (1969)
por Luis Alvarado



Este es uno de los registros más tempranos con música electrónica latinoamericana del que tengo noticia, lo que no quiere decir que incluya las obras electrónicas más tempranas compuestas en Latinoamerica, ya que estas datan de la década del cincuenta. De lo que sí podemos dar constancia es que este vinilo, editado en Argentina por Discos Siglo Veinte, incluye el trabajo de músicos pioneros en el uso de medios electrónicos para la composición de toda la región: el chileno José Vicente Asuar, el argentino Francisco Kröpfl y los peruanos César Bolaños y Enrique Pinilla.

Sobre Pinilla habría que decir que es uno de los compositores peruanos de la llamada generación de los 50s, autor de un par de cortometrajes y una novela y muy comprometido con la música de su tiempo (y con la del Perú), un verdadero vanguardista, escribió un imprescindible libro sobre la música peruana del siglo XX. Compuso una única pieza electrónica llamada "Prisma" (1967), durante su estadía en la Columbia University, pieza que se recoge en este vinilo. De César Bolaños se incluye "Interpolaciones" (1966), para guitarra eléctrica y cinta, fue compuesta en el Laboratorio de música electrónica del Instituto Torcuato Di Tella, en Buenos Aires, Argentina, donde fue becario y posteriormente profesor. Hace poco la obra fue reestrenada en el VII festival de Música clásica contemporánea de Lima, en una interesante versión. De Bolaños hay que agregar que la notable disquera neoyorquina Pogus, acaba de editarle un cd doble con sus piezas (1964-1970) y que pueden adquirir directamente a través de la web del sello.

El vinilo incluye notas del critico Jacobo Romano y mucha información sobre los compositores y las piezas. Todo está escaneado y servido aquí. Un detalle: la foto del invididuo con lentes corresponde a César Bolaños y la foto del individuo sentado corresponde a Enrique Pinilla. Son las únicas que aparecen en el vinilo lo que también lo hace especial. Disfrútenlo.


Descargar

César Bolaños. Música Electroacústica y Experimental Peruana (1964-1970)

El investigador Luis Alvarado me hace llegar el link de un disco doble compilatorio de César Bolaños editado por Pogus, con un ensayo introductorio de Alvarado. Muy recientemente se publicó en Lima además el libro "Tiempo y obra de César Bolaños". La información del Cd está de momento solamente en inglés y aquí la reproduzco.
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César Bolaños
Peruvian Electroacoustic and Experimental Music (1964-1970)

CD 1: Intensidad y Altu¬ra (1964); Interpolaciones (1966) for electric guitar and tape; Flexum (1969) for woodwind instruments, strings, percussion and tape; Divertimento I (1966) for clarinet, flute, bass clarinet, trumpet, clave, piano, double bass and percussion; Divertimento III (1967) for clarinet, flute, bass clarinet, piano, and percussion instruments; I 10 AIFG/Rbt-1 (1968) for 3 performers, horn, trombone, electric guitar, 2 percussionists, 2 projectionists and 9 projectors of slides synchronized by automatic system, and tape

CD 2: Sialoecibi, ESEPCO I (1970) for piano and a recitator-mime-actor; Canción sin Palabras, ESEPCO II (1970) for piano (2 performers) and tape; Ñacahuasu (1970) for a small orchestra of 21 instrumentalists and a recitator

César Bolaños is one of the leading artists of the Latin American avant-garde of the mid 20th century. Born in Lima, Peru in 1931, he was part of an astonishing generation of Peruvian composers: Edgar Valcárcel, Olga Pozzi-Escot, Alejandro Núñez Allauca, Leopoldo La Rosa, Enrique Pinilla and Celso Garrido-Lecca, among others. After studying piano at the National Conservatory in Lima, and following classes with the Belgian composer Andrés Sas (who after leaving Europe settles in Peru), he would join the group "Renovación" (together with Valcárcel, Pozzi-Escot, Pulgar Vidal and Sas); with them Bolaños began a series of presentations and edited a music magazine. He had already composed brief pieces for piano and music for a chamber orchestra. At that time Bolaños is interested in the work of Stravinsky, Bartók and Schoenberg. But he's still far from the sound radicalism that he would reach in the future. In 1957 he traveled to New York City to study composition at the Manhattan School of Music and electronics at RCA. He met the Argentine composer Alberto Ginastera, who offered him a scholarship to study at the Latin-American Center of High Musical Studies (CLAEM) in Buenos Aires, Argentina. On his arrival in 1963, Bolaños became involved in the design and development of the electronic music laboratory of the CLAEM. There he composed his first electronic piece and the first work generated in the above laboratory: "Intensity and Height" (1964), inspired by a poem of César Vallejo. Bolaños also composed "Interpolations" (1966) for electric guitar and magnetic tape, "Spaces I" (1966), "II" (1967), "III" (1968) for magnetic tape, the experimental audio-visual cantata "Alpha-Omega" (1967), instrumental and mixed pieces like "Flexum" (1969), "I-10-AIFG/Rbt-1" (1968), and, with a commission from Radio Bremen (Germany), "Nacahuasu" (1970), inspired by the Che Guevara diaries. Bolaños also experimented with computers, and composed two pieces with the mathematician Mauricio Milchberg. "Sialoecibi" (1970): ESEPCO I (computer sound-expressive structure)* for piano and a recitator-mime-actor (a work that satirizes the organization language initials from the 1950's) and "Song without words", ESEPCO II (1970) "Homage to the unpronounced words" for piano (2 performers) and tape. For the composition of these pieces Bolaños and Milchberg introduce into the computer parameters to have the machine generate a composition from the information obtained by the composer's production.

These recordings bring together for the first time a definitive edition of his work on CD.

Papel Alpha 7 - Fotografía y Arte Conceptual

Hace muy poco tiempo empezó a circular la revista Papel Alpha. Cuadernos de Fotografía, editada por el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca cuya edición no. 7 compila una serie de textos sobre arte conceptual y fotografía bajo el cuidado editorial de Alberto Martín. La edición es sin duda interesante por el abanico de entradas al tema y más aún por permitir que circulen por vez primera en castellano. Aprovecho para destacar el muy citado texto de Campany "Conceptual Art History or, a Home for Homes for America" (publicado en el libro de M. Newman y J. Bird, Rewriting Conceptual Art en 1999), pero también el pocas veces referido pero notable escrito de John Roberts titulado "Photography, Iconofobia and the Ruins of Conceptual Art", publicado originalmente en el catálogo de una exposición que el propio Roberts curó en 1997 en Londres, titulada The Impossible Document: Photography and Conceptual Art in Britain, 1966-1976 --un pequeño catálogo hoy inhallable. Completan la edición un texto de la historiadora Liz Kotz titulado "Texto e imagen: Relectura del arte conceptual" que es un fragmento de su libro Words to be Looked At: Language in 1960s Art, un texto de Lucy Soutter publicado en Afterimage 1999 bajo el título "The Photographic Idea" y uno muy reciente del historiador Erik Verhagen titulado "La photographie conceptuelle" (2008). Un último item, que entrá quizá más como lectura transversal del tema, es la entrevista que le hice a Jorge Ribalta a propósito de la exposición Archivo Universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna, en el MACBA, y en donde se abordan sí algunas ideas en torno a algunas prácticas conceptuales de los años 60/70 pero más directamente sobre el concepto de realismo, la noción de documento y el archivo, y el papel político de la imagen fotográfica en la esfera pública a propósito de la exposición Archivo Universal. Esta entrevista, publicada previamente en Ramona 88 pero con ediciones por limitaciones de espacio, se edita aquí finalmente completa y con algunas imágenes de la exposición. Creo que este número además anuncia un segundo periodo de la revista Papel Alpha que dejó de publicarse por un buen tiempo.

Desvío un momento el tema además para aprovechar en comentar que John Roberts ha sido editor del penúltimo número de Third Text titulado "Art, Praxis, and the Community to Come" sobre el imaginario de 'nuevo comunismo' teórico post-stalinista y la generación de espacios de resistencia utópicos al interior del arte contemporáneo. El índice puede verse aquí. Es un número que creo vale mucho la pena revisar.

He recordado también que David Campany estará mañana en el MNCARS con una conferencia titulada "Trabar para revistas y 'Trabajos' para revistas. El documental experimental y los precursores del arte conceptual", en el ciclo de conferencias "Un acontecimiento menor" donde hace poco estuvimos conversando sobre el Siluetazo.

Reproduzco ahora la tabla de contenidos de Papel Alpha no. 7
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ÍNDICE

- Historia del arte conceptual o Un hogar para «Homes for America»
David Campany

- Fotografía, iconofobia y las ruinas del arte conceptual
John Roberts

- Texto e imagen: Relectura del arte conceptual
Liz Kotz

- La idea fotográfica: Reconsideración de la fotografía conceptual
Lucy Soutter

- La fotografía conceptual. Paradojas contradicciones e imposibilidades
Erik Verhagen

- Archivo universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna. Entrevista con Jorge Ribalta
Miguel López

Entrevista a Gerardo Mosquera sobre Copiar el Edén

A propósito de la reciente publicación de arte chileno contemporáneo Copiar el Edén, editado por Gerardo Mosquera, se publica una entrevista en la revista Arte y Crítica que ahora reproduzco íntegramente.
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Entrevista a Gerardo Mosquera
escrito por Daniel Reyes León

Hemos realizado una entrevista a Gerardo Mosquera en la que nos detalla algunos aspectos de la edición de "Copiar el Edén", un libro-curatoría que se puede encontrar en todas las embajadas de Chile en el extranjero y que ha establecido un puente entre el arte contemporáneo realizado en Chile y un potencial mercado internacional.

Daniel Reyes León: A mi modo de ver, la internacionalización del arte en Chile se está desarrollando paralelamente en varios frentes de visibilidad y gestión y Copiar el Edén es uno de esos frentes ¿Cuáles son las líneas generales de la estrategia de internacionalización que has ideado para el arte contemporáneo chileno a través de “Copiar el Edén”?

Gerardo Mosquera: Quienes han ideado y llevado adelante una estrategia son Claudia Pertuzé y Tomás Andreus, de Puro Chile. Mi papel ha sido sólo participar en los eventos que se organizan en mi calidad de editor del libro, y dar algún asesoramiento espontáneo.

D.R: La importancia del libro / catálogo en el arte chileno radica en una cultura editorial testimonial para el arte. Sin embargo hasta Copiar el Edén, no se había logrado un consenso respecto a cómo materializar en un libro las últimas manifestaciones plásticas de los noventa y del presente siglo ¿Encontraste alguna similitud entre tu trabajo – y el de tu equipo- y el realizado por otros compiladores que en los años ochenta o en décadas anteriores, realizaron una labor similar?

G.M: Estoy muy reconocido al libro de Ivelic y Galaz, de gran importancia, así como de otras publicaciones anteriores positivas y que me ayudaron mucho en mi trabajo. No obstante, me planteé un libro diferente a lo hecho con anterioridad. Sus rasgos definitorios son:
a. Un libro muy visual, con muchas reproducciones de obras de alta calidad y un buen diseño. Como sabes, las publicaciones sobre arte en Chile se han caracterizado por una preponderancia del texto sobre la imagen, y yo traté de conseguir una donde se pusiese “ver” el arte chileno.
b. Una publicación que agrupase y presentase lo que llamamos arte contemporáneo. Así, la fecha que establece el corte de lo incluido en el libro corresponde no sólo con el cambio traumático en la cultura producido por el golpe militar sino por la irrupción de lo que podría llamarse una “neovanguardia postmoderna” que instala el hoy llamado arte contemporáneo en el país. Existieron precedentes, de algunos de cuyos ejemplos aparecen imágenes reproducidas dentro de los textos del libro.
c. Una selección rigurosa de los artistas a antologar. Esta escogencia estuvo basada en mi juicio curatorial, pero éste ha debido a la vez expandirse hacia artistas y procesos que no son “my cup of tea”, pero que pensé debían estar en el libro por su peso en la escena y por razones históricas. Por supuesto, bajo un criterio de excelencia. No es lo mismo la responsabilidad más amplia de editar un libro como este que hacer una muestra o un volumen más “de autor”, donde uno puede ir más radicalmente por sus propios gustos e ideas. Por cierto, imágenes de piezas de una cantidad importante de artistas no antologados (por razones de época o de lo breve de su obra) aparecen reproducidas dentro de los textos.
d. Los artistas seleccionados figuran en orden alfabético para evitar jerarquizaciones inútiles. El número de reproducciones de cada uno está determinado por la dimensión y variedad de su obra. Así, por ejemplo, un artista con obra variada llevará más reproducciones que otro con una obra menos variada. No se establecieron categorías de asignación de reproducciones, como suele hacerse en libros similares, donde se consignan, por ejemplo, 10 obras para los “maestros”, 6 para los “midcareer”, 3 para los “emergentes”, etc.
e. Un libro donde se discutiesen temas capitales sobre el arte en Chile de un modo articulado. A la vez, un volumen que fuese una plataforma inclusiva donde pudiesen cohabitar y aún chocar distintas ideas y puntos de vista. Basta revisar la nómina de los autores que contribuyeron al libro para percibir la variedad de posiciones que representan. El criterio para su selección fue de nuevo la excelencia, el conocimiento y el rol histórico desempeñado.
f. Una publicación que fijase la información sobre el arte contemporáneo en Chile, que se encontraba muy dispersa. Fue muy arduo el trabajo de búsqueda de imágenes y datos, y a esto Claudia Pertuzé contribuyó de modo capital. Quizás lo que más me satisface del libro son los pies de fotos: dieron mucho trabajo, pero en ellos ha quedado establecida una información muy necesaria de modo riguroso. Los futuros historiadores me lo agradecerán...
g. Una fuente de información visual y textual que complaciese tanto a un público más general como a profesores, curadores, críticos, periodistas, académicos, investigadores... Así, por un lado es un libro que puede hojearse y disfrutarse visualmente y al mismo tiempo ser útil a un investigador, que sin duda agradecerá, por ejemplo, la vasta bibliografía y las citas de publicaciones compiladas por Josefina de la Maza y Catalina Valdés.

D.R: ¿Es palpable para el responsable de un libro como “Copiar el Edén” el gesto validador y / o invalidador que ejerce esta publicación sobre un grupo determinado de artistas mal llamados “artistas jóvenes”? ¿No existe el peligro que el libro se convierta en una especie de biblia o manual de instrucciones?

G.M: Siempre he insistido en que el libro no es un Quram, sino una curaduría que ha intentado ser lo más amplia posible dentro de su rigor, pero que necesariamente implica una visión. Así, fíjate en este caso curioso: Lucía Egaña no fue antologada, sólo aparece con una foto de una obra en la introducción, y, sin embargo, después la he incluido en dos exposiciones que he curado. En toda selección hay siempre fronteras discutibles. Y esto afecta en particular a los jóvenes que todavía tienen una obra escasa. No obstante, puedes comprobar la cantidad de artistas jóvenes que aparecen. Ellos tienen incluso voz en una entrevista que encargué a Catalina Mena.

D.R: Una vez realizado el libro mismo ¿Has seguido las consecuencias de éste en al plano internacional? ¿Que se podría destacar en cuanto al fortalecimiento de la escena chilena?

G.M: Me asombra lo que ha circulado el libro internacionalmente, y cómo este es usado. De la Tate Modern me mandaron un email felicitándome por el libro poco después de que apareció: el Fondo del Príncipe Claus, en Holanda, se los había enviado. Hace poco estaba en una conferencia en Rótterdam, le hablé a Ute Meta Bauer del libro, y cuál no sería mi sorpresa cuando me dijo que lo tenía y le había impresionado mucho: alguien se lo había regalado. Una curadora mexicana me hablaba sorprendida de su descubrimiento de la obra de Carlos Leppe, quien por desgracia está aún muy lejos de ser reconocido como se merece, aún en América Latina.

D.R: Dentro de Chile ¿Tienes información de lo que ha sucedido en otros lugares fuera de Santiago respecto a la publicación de “Copiar el Edén”?

G.M: Me ha llegado que se ha criticado la ausencia de artistas no establecidos en Santiago. No dudo que puede haber algún artista valioso que haya quedado fuera por la falta de difusión que implica el no vivir en las capitales megalocefálicas latinoamericanas y el alcance de mi propia ignorancia. Siempre trato de que no sea así, y busqué información más allá de Santiago, pero todos somos víctimas de esta deformación que hay que combatir. También, en la época que hice el libro, no muchos artistas tenían sitios en la red o blogs, y esto dificultó el trabajo.

D.R: Cual es la relación entre Copiar el Edén y otras formas de posicionamiento del arte chileno en los circuitos internacionales, tales como participación en ferias, activación de galerías, grandes exposiciones., tomando en cuenta que el libro mismo tiene características elitistas (por su precio, su contenido, diseño y circulación), mientras que los otros eventos se han caracterizado por tener, al menos intenciones, de llegar a un publico masivo.

G.M: Cada cosa es lo que es. Todos los intentos por ir más allá del pequeño círculo del arte deben ser bienvenidos. Pero no se puede hacer un libro como Copiar el Edén sin que resulte caro por el costo mismo de sus materiales, impresión y traslado. Toca a las instituciones públicas o a los auspicios privados garantizar que el libro se distribuya en las bibliotecas de todo el país. Puro Chile sí lo ha puesto completo en la red, donde puede consultarse y bajarse sin costo alguno.

Jorge Villacorta en Mediamatic

Reproduzco la invitación de Mediamatic y el Prince Claus Fundation para una charla pública del crítico peruano Jorge Villacorta el próximo 14 de diciembre en Amsterdam.
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Invitation Slow Dating with Jorge Villacorta

Have lunch with renowned geneticist and curator Jorge Villacorta and hear him speak on the subject of the particularities of cultural spaces in the Andes.

Monday 14 December

Time:	13h00 – 14h30
Location:	Mediamatic, Vijzelstraat 68, Amsterdam
Organisation:	Prince Claus Fund & Mediamatic
Language:	English
	Jorge Villacorta will be discussing the following (in his words): “The cultural map of South America after the end of colonial rule changed under the influence of contact with the rest of the world. Countries on the Atlantic created powerful links with Europe and contemporary art benefited from the contact with the artistic scenes of different European capitals. The Andes acted as a dividing line where communication with artistic centers was difficult and less frequent. These countries tended to develop their own isolated scenes, in midst of political and social turmoil. In the 21st Century the barriers have been lowered and the particularities of these spaces have become apparent and attractive.” The Prince Claus Fund and Mediamatic have invited Jorge Villacorta to speak about his work which combines art and curatorship with science and new media. He will be interviewed by Xander Karstens, curator at De Hallen, Haarlem, followed by an informal lunch where guests will be able to have a chat with Jorge. Register: If you would like to attend this event, please RSVP before Wednesday December 9th via the following link: http://www.mediamatic.net/page/127888/nl and go to the red button on top “doe iets”

Jorge Villacorta is a Peruvian geneticist, art critic and independent curator, whose strong interest in contemporary visual art has developed parallel to his scientific work. He is co-founder and academic director of ATA. He lives in Lima and is currently working in the Tissue Bank, Institute of Child Health.

Alta Tecnología Andina (ATA) is a cultural non-governmental, nonprofit organisation, founded with the aim of contributing to the development of new culture based on the use and expansion of electronic media in Peru and Latin America. ATA has started Escuelab, a 11-month advanced residence programme for Latin American artists from the Andean and Central American regions. ATA is a network partner of the Prince Claus Fund.

Mediamatic is a cultural institution based in Amsterdam. She is interested in the cultural developments that go hand in hand with new technologies and in new technologies that cause cultural development. Mediamatic organizes exhibitions, salons, lectures, workshops and develops software and art projects, and she used to publish the magazine Mediamatic Off-Line.

The Prince Claus Fund actively seeks international cultural collaborations with partners of excellence in spaces of need. The Prince Claus Fund provides immediate cultural rescue as well as support to sustainable cultural processes. It takes initiatives to raise awareness on the importance of culture in everyday life and for development. The Fund works in the spirit of Prince Claus’ belief that one cannot develop people, but people develop themselves. The Prince Claus Fund is supported by the Dutch Ministry of Foreign Affairs and the Dutch Postcode Lottery.

Un año amazónico - Christian Bendayán

Acaba un año más para el hombre de la ciudad, largo y corto tiempo a la vez para una vida. El 2009 nos deja la esperanza de que algunas cosas cambiaron en el país, pero también nos deja el recuerdo de un dolor que marcó a la Amazonía toda: el enfrentamiento en Bagua y las muertes que trajo consigo. Un hecho que generó sufrimiento e indignación, pero que también significó un cambio para el hombre y las comunidades amazónicas que alzaron su voz y transformaron la historia, poniendo un alto a la indiferencia y la arrogancia de los poderosos. En el resto del Perú, manifestaciones de solidaridad se levantaron, a pesar del manejo mediático por parte de un gobierno que desconocía su responsabilidad y un presidente que, con lamentables calificativos, aumentaba la discriminación que sufren los hombres y mujeres de la selva.

Como un reflejo de estos eventos políticos, la acción por parte de intelectuales y artistas de distintas disciplinas, fue determinante para generar un mayor conocimiento sobre la selva y sus pobladores. Fueron iniciativas particulares, sin que nada tuvieran que ver las autoridades y gobernantes de turno. Pero esta identificación con los ideales de los pobladores amazónicos y de amor por la selva, esta suma de voces y acciones, hacen que podamos llamar orgullosamente a este año que se va como un año amazónico.

Si enumeramos las manifestaciones artísticas de temática amazónica que se produjeron en el 2009, difícilmente acabaríamos. La selva mostró su calor y color en pinturas, fotografías, películas, obras de teatro, cine, video, cuentos, murales, ropa, comida, libros, música, etc. Grandes iniciativas se convirtieron en grandes proyectos, exposiciones multidisciplinarias, festivales multitudinarios, intervenciones artísticas en las calles, mesas de discusión, publicaciones de todo formato. El arte indígena rompió la barrera de los espacios protegidos, exhibiéndose en galerías comerciales y subastas de arte, dejando atrás la idea de que el arte indígena solo podía ser visto como materia antropológica. Artistas populares de Iquitos, artistas boras, huitotos, shipibos, y de otras naciones amazónicas, exhibieron sus obras en galerías, museos y centros culturales en el Perú y el extranjero. Muchísima gente participó de este movimiento; artistas y gestores culturales de distintas procedencias, son ahora tan amazónicos, y a través de su aporte, la selva encuentra nuevas posibilidades de expresión y expansión.

De pronto, casi al cierre del año, otro evento entristece el panorama con una amarga noticia; partió para otros mundos el pintor qué más ha influido en la producción amazónica: Pablo Amaringo, hombre nacido en el corazón del pueblo y que compartió con su gente y sus alumnos, hasta el final, todo lo que poseía. Nos deja un invaluable legado; una amplia y compleja obra que es un compendio de sabiduría sobre las infinitas realidades de la Amazonía; Amaringo es el punto de partida para un arte que reúne tradición y modernidad en la selva; él es a la pintura, lo que Juaneco y su Combo, a la música. Eternos, únicos,…después de tantos años seguimos vacilando con ayahuasca, como dice mi compadre Ashuco: ¡Wilindoro vive, no se ha muerto mi abuelo!

En el 2009 el Amazonas se desbordó como nunca antes, sus aguas dulces trajeron sabiduría, arte, música, al corazón de los peruanos; ahora sabemos que todos somos amazónicos. Que en los años venideros, suene otra vez el manguaré y que su voz ruja infinitamente en nuestra conciencia.

Christian Bendayán

Amaringo: adiós a un visionario - Alfredo Villar

El domingo pasado Alredo Villar publicó un artículo en el suplemento Dominical a propósito del reciente fallecimiento de Pablo Amaringo, pintor amazónico y fundador en 1988 de la Escuela de Pintura Usko Ayat, cuyo aporte e influencia ha sido invaluable para pintores y artistas locales. El blog de Felipe Mayuri también lo comenta y coloca dos links adicionales. Reproduzco aquí el artículo de Villar, y en el siguiente post publico un texto a propósito de las artes amazónicas durante el 2009 que ha hecho circular recientemente Christian Bendayán.
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Amaringo: Adiós a un visionario

por Alfredo Villar

El arte amazónico está de luto. El 16 de noviembre pasado dejó de latir el corazón de su progenitor: Pablo Amaringo Shuña. Maestro de las plantas, chamán, pintor visionario, Amaringo fue el patriarca del arte en la Amazonía, el principal responsable de su (re)nacimiento, pues gracias a él decenas de pintores nativos y mestizos perdieron la vergüenza y pudieron comenzar a plasmar las, durante mucho tiempo, ocultas visiones de sus culturas.

La importancia de Pablo Amaringo para el arte popular de la Amazonía es semejante a la de Joaquín López Antay para el caso del arte popular ayacuchano; con él se supera la época de la artesanía y el costumbrismo y se pasa a una nueva etapa creativa.

Su primera experiencia
Pablo Amaringo nace en 1938 cerca a Tamanco, pueblito ribereño del Ucayali. A los 10 años va a Pucallpa y tiene, de la mano de su padre, su primera experiencia de toma de ayahuasca. Pero no será hasta 20 años después que comienza —dirigido por una maestra nativa— su exploración con la bebida sagrada hasta convertirse él mismo en un chamán y experto naturalista.

Durante los años 70, Pablo se dedicará a trabajar como curandero y médico naturista en distintas zonas de la Amazonía peruana y brasileña. En los 80, abandona el chamanismo para evitar los continuos enfrentamientos con otros brujos y chamanes que envidiaban su poder, mientras se dedica a pintar escenas costumbristas de la Amazonía que vendía a los turistas.

Encuentro crucial
A mediados de esta década, Amaringo se encuentra con el antropólogo colombiano Luis Eduardo Luna, quien investigaba las plantas medicinales y el chamanismo. Luna, deslumbrado por los conocimientos de Amaringo, le sugiere que comience a pintar aquello que había aprehendido en sus visiones. El resultado fue una revolución de imágenes que cambiarían totalmente el arte que se hacía en la Amazonía.

Pintor prolífico
Amaringo era un pintor prolífico, en una semana podía pintar hasta tres cuadros de gran formato, en un año un centenar y su obra total consta de un aproximado de 2.000 pinturas. Pero lo importante no es la cantidad sino la profundidad y riqueza de visiones que cada cuadro suyo encierra. Se trata de elaborados mapas de conocimientos sobre la Amazonía y los “distintos mundos” visibles e invisibles que pueblan el universo. Amaringo entremezclaba en sus pinturas la cultura nativa shipiba, la ribereña mestiza y la universal. A esto habría que agregarle su y personalísima mitología que cada una de estas obras contiene.

Complejas cosmovisiones
Él, como William Blake, era un pintor no solo de visiones sino de vastas y complejas cosmovisiones. (Habría que mencionar también su vertiente realista y paisajística hecha con acrílico que es el material emblemático del arte popular y callejero amazónico). En 1988, Amaringo funda la Escuela de Pintura Usko Ayar, que fue un semillero de artistas mestizos y nativos, aunque nunca tuvo reconocimiento oficial. Don Pablo era un verdadero maestro pero no podía dar certificados a nombre de la Nación porque él mismo carecía de “títulos”, solo pudo cursar hasta el quinto de primaria. Pero era un “hombre de conocimiento” y las enseñanzas que nos ha legado no solo son artísticas, sino también morales y espirituales. La Amazonía y el Perú todo le deben homenaje y reconocimiento.

'Coco Manifesto' de Ernesto Neto

Via el blog de Pablo León de la Barra me encuentro con un video manifiesto de Ernesto Neto en defensa de la bebida y venta del agua de coco tradicional en contra de su comercialización y consumo empacado.

Reconocimiento de la AACA a la publicación El Siluetazo

La semana pasada se anunciaron algunos reconocimientos --Premios a la crítica 2007/2008-- otorgados por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA), y entre los cuales figura el premio a la mejor publicación del 2008 (investigación) al volumen compilatorio El Siluetazo, editado por Ana Longoni y Gustavo Bruzzone. Más allá de señalar el mérito ante el notable trabajo editorial y la investigación realizada, o de la mera celebración ante el premio, es significativo advertir el particular desplazamiento que allí parece operar en tanto no se trata propiamente de una publicación de arte sino una reunión de documentos, textos y entrevistas con sociólogos, historiadores, periodistas, docentes, activistas, las propias madres de Plaza de Mayo y claro también artistas involucrados, entre varios otros actores y protagonistas durante los últimos 25 años. Es interesante recordar que las acciones recordadas bajo el nombre del Siluetazo a inicios de los 80 (el trazado de la forma vacía de un cuerpo a escala natural sobre papeles para luego ser pegadas en los muros de la ciudad como forma de representar “la presencia de una ausencia") se originan principalmente como una manifestación que otorga potente visualidad --quizá la mayor a inicios de los 80-- al movimiento de derechos humanos en Argentina, y que se multiplica y reproduce hasta el presente a través de la producción incesante de siluetas de una multitud anónima en las distintas marchas de protesta. Es también significativo pensar que aquella experiencia se haya mantenido relativamente al margen tanto de los recuentos de la propia historia del arte como de la propia historia política. En esas coordenadas tal vez el reconocimiento sobre el libro (y sobre el Siluetazo mismo) podría ser leído como algo más que la mera artistificación de lo político, y en cambio podría permitirnos volver sobre la capacidad de la práctica estética de poner en duda y redefinir permanentemente sus contornos, sus modos de hacer y sus formas de intervenir en lo común.

Recupero una frase de Longoni sobre la experiencia: "Los primeros Siluetazos (septiembre de 1983 a marzo de 1984) señalan uno de esos momentos excepcionales de la historia en que una iniciativa artística coincide con una demanda de los movimientos sociales, y toma cuerpo por el impulso de una multitud. Implicó la participación, en un improvisado e inmenso taller al aire libre que duró hasta la medianoche, de cientos de manifestantes que pintaron, pusieron el cuerpo para bosquejar las siluetas, y luego las pegaron sobre paredes, monumentos y árboles, a pesar del dispositivo policial imperante. En medio de una ciudad hostil y represiva, se liberó un espacio (temporal) de creación colectiva que se puede pensar tanto como redefinición de la práctica artística como de la práctica política."

Hace algunos meses atrás se publicó también en el diario La Vanguardia un dossier a propósito de la salida del libro, y cuyos textos pueden leerse aquí (Xavier Antich), aquí (Marcelo Expósito) y aquí (Miguel López).

Aquí también una pequeña nota que anuncia el premio sobre el Siluetazo en Página 12, y aquí la lista entera de los premios. Me gustaría destacar además el premio a la publicación del 2007 al libro "Noescritos" de Luis Felipe Noé por la editorial Adriana Hidalgo; el premio al texto curatorial del 2008 de Roberto Amigo por "Las armas de la pintura. La Nación en construcción"; y el premio a la investigación en artes visuales del 2007 por la exposición "Arte Nuevo en La Plata 1960-1976" por Fernando Davis, María Cristina Rossi, María de los Ángeles de Rueda y María Florencia Sánchez Guerrini.

Foro Proyecto del Ministerio de Cultura

En el último post del blog de Felipe Mayuri me encuentro con el anuncio de una serie de actividades y conversatorios en torno a la creación de un posible Ministerio de Cultura en Perú. Reproduzco las actividades del Centro Cultural de San Marcos que allí se anuncian --hubo otro foro anteriormente organizado por R.A.C.E.-.
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SOBRE LA CREACIÓN DEL MINISTERIO DE CULTURA

• Un Foro gratuito donde destacados profesionales de diversas áreas darán pautas y aportes al proyecto de la creación del Ministerio de Cultura se realizará en la Casona de San Marcos.

• El evento se desarrollará los días 9,10 y 11 de diciembre (ver afiche para horarios).

A portas del inicio de la discusión en el pleno del Congreso de la República del proyecto de creación del Ministerio de Cultura, salta a la luz una serie de cuestionamientos acerca del proyecto mismo que terminan por manifestar contradicciones, vacíos y la desarticulación de muchas de sus partes. Partiendo de la misma idea que el proyecto establece: la inclusión y el respeto de pluralidad cultural, la pregunta es: ¿dónde está la consulta democrática y la participación de los especialistas en el tema de cultura y gestión en el desarrollo de la misma?

A raíz de estos cuestionamientos e interrogantes el Centro Cultural de San Marcos – La Casona ha organizado el Foro “Del Papel a la Realidad. Proyecto del Ministerio de Cultura”, con la finalidad de ofrecer el espacio ideal para el debate y la formulación de propuestas en torno al Proyecto de Ley del Ministerio de Cultura. A través de este espacio se busca facilitar y viabilizar, a través de un documento final, la participación ciudadana en torno al Proyecto de Ley sobre la creación del Ministerio de Cultura. Así como, dar a conocer la postura de los principales agentes culturales de nuestro país en todos los ámbitos, frente al proyecto de ley.

En el Foro se realizará un análisis concreto y completo del Proyecto de Ley, la evaluación de modelos aplicados a realidades cercanas y se reflexionará sobre las demandas culturales nacionales, sustentando diversas propuestas. Participarán artistas, críticos de arte, promotores y gestores culturales, antropólogos, historiadores, filósofos, congresistas, sociólogos, como: Gustavo Buntix, Guillermo Nugent, José Ignacio López Soria, Elvira de la Puente, Rosa María Oliart, Luciana León, Herbert Rodríguez, Diana Guerra, Santiago Alfaro, entre otros.

La actividad se realizará los días 9, 10 y 11 de diciembre, en el Salón de Grados del Centro Cultural de San Marcos (Av. Nicolás de Piérola 1222, Parque Universitario).

El programa completo puede verse en http://www.ccsm-unmsm.edu.pe.

El ingreso es libre.

Para mayores informes comunicarse con la Oficina de Imagen Institucional del CCSM al teléfono: 6197000 anexo 5207.

PROGRAMA (Ver Afiche):

Miércoles 9 de DIC – 5:00-7:00pm
¿Realmente necesitamos un ministerio de cultura?
Herbert Rodriguez
Gustavo Buntinx
Guillermo Nugent
José Ignacio Lopez Soria
Ernesto Mávila

Miércoles 9 DIC – 7:00pm-9:00pm
Ministerio de Cultura: ¿programa, plan o centralismo político?
Guillermo Cortés
Elvira de la Puente
Fernando De Lucchi
Pedro Pablo Alayza

Jueves 10 DIC – 7:00pm-9:00pm
¿Y la participación ciudadana en la construcción del perfil del Ministerio de Cultura?
Efrain Aguero
Rosa Maria Oliart
Javier Flores Barrientos
Mauricio Delfin

Viernes 11 DIC – 6:30pm-8:30pm
Confusiones, conflictos y aclaraciones en el levantamiento de un Ministerio de Cultura. Análisis del Proyecto del Ministerio de Cultura
Santiago Alfaro
Luciana Leon
Diana Guerra

Revolución en la revolución 3: Contra todo totalitarismo

Gustavo Buntinx comenta nuevamente en su blog en torno al caso de Yoani Sánchez (quien fue agredida en Cuba por mantener un blog crítico del régimen castrista) y los reparos que existen al defender la libre opinión frente al control totalitario del discurso. Me pregunto: qué otra revolución podemos defender sino aquella del lado del ejercicio libre de la palabra, de la desclasificación permanente de los cuerpos. Es acaso imposible imaginar --y más aún desde un discurso de izquierdas-- un proyecto político y crítico más poderoso que cualquier ideologización burocrática, impuesta y controlada, para imaginar una revuelta radicalmente otra inscrita en el desacuerdo mismo, en esa demarcación radical del artificio consensual y profundamente despolitizador que intenta continuamente asignar lugares perfectamente demarcados dentro el orden así llamado revolucionario, filtrando la entrada y la salida de ciertos cuerpos, disponiendo los límites de aquello que puede ser dicho o pensado. Hay situaciones donde la 'policía' se quiere enmascarar como auténtica política.

(en el otro extremo: ahora mismo en Colombia se despliega una acusación judicial sobre un joven estudiante de arte que armó un grupo en facebook donde se 'amenazaba' a la familia del presidente. más allá de la imprudencia que pueda reprochársele sorprende la espectacular celeridad y la sobrecarga mediática que bien parecen orquestadas como una buena inyección de miedo colectivo. esta vez sí se trata de la policía --sin máscaras posibles-- en todo su espledor)
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Revolución en la revolución 3: Contra todo totalitarismo
por Gustavo Buntinx



Vuelvo sobre los temas urgentes de las luchas por la emancipación y la ciudadanía total. Tareas políticas de primer orden que bajo el régimen cubano se ven ahora encarnadas por voces independientes y reprimidas como las de Yoani Sánchez. Miguel López, en su blog Arte Nuevo, se pronuncia también al respecto en un gesto significativo por multiplicar el potencial liberador de internet. Pero han habido otras comunicaciones, privadas, expresando ansiedades ante la ruptura con una quimera que algunos identifican con juventudes e ilusiones perdidas. Sueños que devienen pesadillas a las que sin embargo la tortuosa psique humana se sigue aferrando. No faltan quienes racionalizan sus inseguridades mediante esotéricas interpretaciones de líneas políticas supuestamente embozadas en las comunicaciones de Yoani y otros disidentes.

El tema, por supuesto, es enteramente otro: la simple y llana libertad para la libre circulación e intercurso de ideas (y de personas), cualesquieras ellas sean. Para no agotarme en argumentar lo obvio, cuelgo arriba el video clandestino en que Yoani registra su confrontación con agentes del servicio de migraciones de Cuba al ser notificada de una nueva prohibición para su salida del país, sin explicación ni justificación alguna.

Insisto: ¿cuántos de los que entre nosotros titubean ante la dictadura cubana tolerarían ese ejercicio arbitrario del poder sobre sus propios cuerpos, sobre sus mentes?

Tarea revolucionaria crucial es liberar la palabra “revolución” de cualquier connotación opresiva y totalitaria. He allí una gesta romántica. Y de izquierdas.

Desprocesamiento de la causa penal contra PINCHE!!

Lo reproduzco íntegro de la revista chilena Plus.
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Actualmente (2009) pesa una absurda acusación penal de “instigación a cometer delitos” sobre una obra realizada en 2003/2005.

Pinche fué una propuesta del Taller de Guerrilla de la Comunicación (2002/2005), desarollado por el colectivo Cateaters en el espacio Planeta X, Rosario, Argentina.

PEJ abordó desde la ironía y con las herramientas propias del marketing una práctica corriente de consumo, señalando aquellas alternativas a las propuestas del mercado de la televisión por cable. Utilizando un sitio web, piezas gráficas, merchandansing y un stand se convirtió en “la primera empresa de tv por cable autoinstalable de la república Argentina”.

Para reforzar el la ilusión de existencia “empresarial” se instaló un stand en las ciudades de Rosario y Buenos Aires, la primera en el marco de la Semana del Arte (Castagnino/ MACRO) y la segunda durante el evento Estudio Abierto, en ambos caso se eligió la calle como escenario. Allí promotores repartieron flyers y merchandainsing durante cuatro jornadas.

INFÓRMATE EN PINCHE. EMPALME JUSTO

No te metas a mi facebook - Lucas Ospina

Una nueva novela mediática comienza: el caso de Nicolás Castro Plested avanza. Él, un estudiante de arte de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, fue detenido por la Fiscalía que lo sindica de ser el autor del grupo de Facebook “Me comprometo a matar a Jerónimo Alberto Uribe, hijo de Álvaro Uribe” (creado hace más de cinco meses). Castró afirma que él no lo creo, que solo opinó, opinar no es un delito. La Fiscalía necesita probar, gracias a los indicios que le dio el FBI, que vía Facebook Castro se asoció con “terroristas”; el fiscal afirma que al “grupo que alcanzó a tener cerca de 20 miembros ingresaron hasta tres miembros de la guerrilla de las Farc” La Fiscalía centra ahí el caso, ¿tendrán los investigadores como ases bajo su manga a 3 terroristas? (¿de las Farc, de Al Qaeda, de lo que sea?).

Mientras se espera la formulación de un nuevo enfrentamiento con la justicia y a través del “facebook tradicional”, o de eltiempo.com, se fabrica una información que acentúa el carácter terrorista de Castro (“Joven que amenazaba al hijo de Uribe consultaba web de Al Qaeda” ), pero en la red ya hay un disenso que se aparta del reporte ligero que hacen los medios sobre lo que parece ser un falso positivo “light”. (1, 2, 3, 4, 5…)

Por ahora, mientras Castro pasa su primera noche en la cárcel La Picota, se puede leer un texto suyo publicado en Esfera Pública que apareció a raíz de los problemas académicos del programa de arte de la universidad donde él estudia. Y luego de leerlo cabe preguntarse ¿este es el texto de un terrorista?

“Donde no hay villanos ni héroes”

http://esferapublica.org/nfblog/?p=1056

Lucas Ospina

Campaña contra la amenaza de golpe de Estado en Paraguay

Me llega la campaña que han iniciado en Paraguay contra la amenaza del golpe de Estado. Entre los firmantes e impulsores se encuentra Ticio Escobar, actual ministro de cultura en ese país. Los nombres puedes adherirse como comentario al post o enviado a la siguiente dirección: ybyraty@gmail.com
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Ante el anuncio de quiebre institucional y la campaña abierta de la misma, llevada adelante por varios legisladores, un grupo de gente se encuentra haciendo correr este documento al cual se puede adherir y pedimos se adhieran, enviando las mismas a ybyraty@gmail.com, con nombre de las personas, documentos, organización, país Orlando Castillo Caballero




Democracia o Barbarie

Nosotros, hombres y mujeres que luchamos por la palabra cuando la dictadura nos forzó al silencio, y por la opinión crítica durante la transición democrática, cuando grupos autoritarios pretenden engañar a la opinión pública con campañas mediáticas, no podemos tolerar en silencio los sórdidos embates que el gobierno recibe cotidianamente de los grupos más retrógrados o corruptos -o ambos al mismo tiempo- del país.

Desde nuestras diversas posiciones doctrinarias y con énfasis diferentes, testimoniamos con esperanza:

a) el salto histórico que significa para el Paraguay la primera alternancia política en el gobierno, por la voluntad popular libremente expresada en las urnas.

b) la dedicación e idoneidad, patriotismo y honestidad de los miembros -hombres y mujeres- de este gabinete del Ejecutivo, uno de los mejores que nuestro país tuvo en un largo tiempo de infortunio.

c) los inéditos esfuerzos emprendidos hoy por el Estado para garantizar derechos y oportunidades a los sectores pobres y excluidos de nuestra sociedad, y salvar las graves desigualdades acumuladas en el pasado.

Reconocer lo anterior no significa ignorar los errores y desprolijidades de ciertos actos del gobierno, ni aprobar la insuficiencia o lentitud con que se enfrentan algunas reformas mayoritariamente demandadas en las elecciones del año pasado.

En concordancia con las malas prácticas del viejo país, era previsible la oposición intransigente de los partidos que gobernaron el Paraguay durante la dictadura y la transición, y de los sectores ilegalmente privilegiados con sus políticas. Son resabios de la barbarie que marcó tan duramente nuestro pasado político. Pero instalar en forma permanente y con cualquier excusa, la amenaza de golpe eleva la incertidumbre y la angustia social hasta límites extremos. La irresponsabilidad política es aún más alevosa en la coyuntura actual, en la que rescatar con vida a un compatriota víctima de un criminal secuestro y castigar severamente a sus captores, demanda gobernabilidad y consenso entre los poderes del Estado.

Por eso, nos resulta intolerable que el futuro de nuestra democracia esté siendo jaqueado y ofertado al mejor postor por algunos parlamentarios de la Alianza, cuyo vocero Jaeggli se vanagloria de un plan para derrocar al gobierno antes de seis meses y de los instrumentos para maniatarlo, negándole fondos de inversión social desde de la Comisión Bicameral de Presupuesto. Es una expresión obscena de barbarie política, que desprestigia y socava la institucionalidad republicana.

Resultaría vano exigirle a este senador -dada su trayectoria- que renuncie a promover el caos institucional y la anarquía en el país, pero sí consideramos lícito preguntarnos quien asume la responsabilidad política de esta campaña desestabilizadora que empantana al país y degrada su imagen internacional. ¿Dejará impune el PLRA la traición de quien deshonra desvergonzadamente su bancada, amenazando “tumbar” al gobierno que su partido integra?

Con la oportunidad histórica de profundizar y legitimar la democracia que tanto esfuerzo nos cuesta construir, rechazamos decididamente cualquier intento de ruptura por vía de campañas desestabilizadoras o golpes parlamentarios. Hemos abierto, finalmente, un camino para crecer en paz, con libertad e igualdad, como sociedad y como Estado. Aún debemos debatir informada y civilizadamente los logros y falencias de este nuevo caminar preñado de obstáculos, apoyar los esfuerzos que hace el gobierno pese a los lastres de la burocracia estatal, incidir activamente en la corrección de sus falencias y aportar a la enmienda de errores que abundan.

Al reivindicar el imperio de la ley sobre el arbitrio de los poderosos y de la democracia sobre la barbarie, alertamos a la ciudadanía contra los oscuros pregoneros de catástrofes, que aún ven al Paraguay como el coto privado de su depredación. Para lograr un Estado más moderno e incluyente, exigimos que no se nos niegue -una vez más- esta oportunidad de construir la convivencia civilizada y humana que queremos para nosotros y para las generaciones venideras.

Paraguay
1. Milda Rivarola, CI 413 583
2. Ticio Escobar, CI 279962
3. Lia Colombino, CI 9902304
4. Orlando Castillo, CI 2.498.405

Gordon Matta-Clark: deshacer el espacio, en Chile

Reproduzco la nota de prensa del Museo de Arte de Lima sobre la exposición de Gordon Matta Clark recien inaugurada en Santiago de Chile, organizada por el MALI y curada por Tatiana Cuevas y Gabriela Rangel.
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GORDON MATTA-CLARK: deshacer el espacio

[Lima, noviembre de 2009].- Por primera vez se realiza en Sudamérica una gran muestra antológica del artista Gordon Matta-Clark, organizada por el Museo de Arte de Lima - MALI con el apoyo del Legado de Gordon Matta-Clark y David Zwirner, Nueva York.

Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978), hijo de los artistas surrealistas Roberto Matta (Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia 2002) y Anne Clark (Lincoln, Illinois, 1914 – Nueva York, 1997), es un artista de estatura legendaria cuyo trabajo es poco conocido en esta parte del continente; su trabajo, sin embargo se centró en temas urbanos, sociales y políticos que podrían encontrar cabida en la coyuntura actual de muchas ciudades latinoamericanas.

Gordon Matta-Clark: deshacer el espacio, curada por Tatiana Cuevas –Curadora de arte contemporáneo del MALI- y Gabriela Rangel –Directora de artes visuales de la Americas Society de Nueva York-, busca presentar el trabajo de Matta-Clark como una figura radical que combina los discursos críticos de las neo-vanguardias europeas con ciertas prácticas del arte experimental surgidas en Nueva York en la década de 1970. La exhibición propone una revisión de los distintos registros involucrados en el trabajo artístico de Matta-Clark, así como su interés en la historia de la arquitectura y en los espacios urbanos marginales o abandonados.

Itinerancia internacional: Esta importante muestra organizada por el MALI comienza su periplo el 10 de noviembre en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile (MNBA), donde permanecerá abierta al público hasta el 24 de enero de 2010. Posteriormente continuará su recorrido por Brasil, donde se presentará en el Museu de Arte Moderna de Sao Paulo entre febrero y abril de 2010, para terminar su presentación en el Museo de Arte de Lima - MALI en los meses posteriores a su reapertura el próximo año.

Actualmente se está trabajando en la edición de un completo catálogo que acompañará a las diferentes sedes de la exposición.

MÁS SOBRE EL ARTISTA, LA EXPOSICIÓN Y EL CATÁLOGO:

La exhibición propone una revisión de los distintos registros involucrados en el trabajo artístico de Matta-Clark, así como su interés en la historia de la arquitectura y en los espacios urbanos marginales o abandonados. Junto con la documentación fotográfica y fílmica de su icónicos “cortes” de edificios como A W-Hole House (1973), Splitting (1974), Bingo (1974), Day’s End (1975), Conical Intersect (1978), Office Baroque (1977), y Circus (1978), Gordon Matta Clark: deshacer el espacio reconsidera algunas de las acciones del artista basadas en aspectos sociales o políticos, como Garbage Wall (1970), su participación en la Contra Bienal (1971), Fresh Air (1972), Fake Estates (1973), el desarrollo del concepto y lenguaje de Anarquitectura (1972-1974), o el registro de uno de sus últimos performances, realizado en el Muro de Berlín –The Wall (1976)–. La muestra busca ubicar estas obras dentro de un contexto más amplio que incluye la Guerra Fría y las transformaciones urbanas de la segunda mitad del siglo XX.

Gordon Matta Clark: deshacer el espacio examina la respuesta crítica del artista hacia el fracaso de la arquitectura moderna como un esfuerzo humanista y al colapso de las políticas de vivienda asequibles. La muestra incluye algunos de sus proyectos concebidos como respuesta a su preocupación por crear refugios para indigentes o grupos sociales marginados basándose en viviendas auto-sostenibles que involucraran la construcción de paredes de basura, casas canasta, casas globo, entre otras. Estas ideas podrían encontrar un eco en los cambios urbanos y las demandas sociales de muchos países sudamericanos, especialmente en ciudades como Lima, Santiago y Sao Paulo, donde se presentará la exposición.

Esta es la primera vez que será exhibido un grupo de fotografías de la intervención llevada a cabo por el artista en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile en 1971, la cual involucra uno de los primeros “cortes” realizados por Matta-Clark. La muestra presentará también una selección de bocetos, dibujos y documentos, que van desde escritos sobre sus posturas como artista hasta meditaciones filosóficas sobre el espacio y el tiempo. La obras que conforman esta muestra provienen del Legado de Gordon Matta-Clark, el Canadian Centre for Arquitecture y la organización Electronic Arts Intermix, así como de algunas colecciones privadas en Nuevas York.

La exposición en las diferentes sedes estará acompañada por un completo catálogo, que viene siendo editado actualmente. El libro incluye ensayos de las curadoras y de Jane Crawford (EE.UU.), Lisette Lagnado (Brasil), Justo Pastor Mellado (Chile) y Gwendolyn Owens (EE.UU.), así como una selección de textos del artista y entrevistas que le fueron realizadas. La publicación apunta a facilitar al público sudamericano el acceso a una serie de traducciones de ensayos previamente publicados sobre el artista, así como nuevas revisiones de su trabajo en relación al contexto de la región.


[imagen: Gordon Matta-Clark, Museo Nacional de Bellas Artes, 1971. Impresión en papel de gelatina de plata. 50 x 40 cm. Cortesía del Legado de Gordon Matta-Clark y David Zwirner, Nueva York]

Claire Bishop en el Centro de Investigaciones Artísticas

Un arte impuro, por Fietta Jarque

Ad portas de la 'celebración' de los bicentenarios, el próximo 2010, no debe sorprendernos que gran parte (sino toda) la atención del aparato cultural español y de varios de los países de América Latina se vire hacia la 'revisión' de las políticas de intercambio entre estos dos continentes, que aún se encuentran en gran medida en el espectro del discurso liberal neocolonial. El suplemento Babelia le dedica un temprano especial al tema de los 'bicentenarios' que titula 'Inventar América', y se incluye allí un artículo sobre el 'arte latinoamericano' de Fietta Jarque, en donde aunque se recuperan voces interesantes como las de Medina, Buntinx o Longoni se termina afirmando a grandes rasgos y en un tono paternalista que "el arte latinoamericano llega a la madurez". El arranque está dado y será interesante ver qué operaciones y modos de representación intercontinental empiezan a configurarse a lo largo del 2010. El panorama debería ser más alentador que la desverguenza por las 'celebraciones' del Quinto Centenario en 1992, aunque no creo que demasiado.

Reproduzco el artículo en su integridad.
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Un arte impuro
por Fietta Jarque

Mestizo y cosmopolita, politizado y global sin perder ciertas señas de identidad, el arte latinoamericano llega a la madurez

La mescolanza del mundo global diluye las identidades. En el arte contemporáneo es fácil comprobarlo al recorrer cualquier feria que reúna artistas de distintos países. A simple vista es casi imposible determinar su origen. Pero existe un fenómeno llamativo. El arte de América Latina mantiene su distinción. Resulta sintomático, por ejemplo, que la Tate Modern creara en 2000 una comisión especial para adquisiciones de arte latinoamericano, o que las grandes casas de subastas internacionales dediquen ventas monográficas a los artistas contemporáneos de esa región. Hace poco más de un mes tuvo lugar la primera subasta anual de esta especialidad en Londres, en la firma Phillips de Pury, que vendió obras por un total de 1.846.600 dólares. Una suma no muy elevada, aunque ese es uno de los elementos atractivos para los coleccionistas actuales.

"Creo que ahora mismo la única región artística del mundo que tiene sustancialidad como tal es América Latina. Es el único territorio en donde los participantes del juego artístico comparten una serie de referencias y deberes comunes en términos históricos, sin que eso tenga que ver con el tema de la identidad sino con determinada dialéctica cultural", afirma Cuauhtémoc Medina, comisario mexicano que integró desde sus inicios el mencionado consejo de la Tate. La dialéctica cultural a la que se refiere está compuesta por una trama de instituciones museológicas, colecciones, mercados y departamentos de universidades que producen un fértil campo de estudio, así como un amplio circuito comercial y de representación. "En Europa no sucede lo mismo, no existe como región artística".

Algo parecido opina el galerista colombiano Fernando Pradilla. "Creo que ha llegado el momento del arte latinoamericano. Hasta hace poco, todo el espectro estaba en pañales, sólo en Buenos Aires y México tenían una escena fuerte. Pero últimamente los artistas están saliendo del mercado local. Hay una apertura de la región hacia el mundo, sobre todo porque ahí la crisis se ha sentido menos. Por otro lado, el arte latinoamericano ha llegado a un punto de madurez. Además, está más blindado contra la especulación porque sus precios son más razonables", afirma.

Pradilla tiene galería en Bogotá y en Madrid. La española lleva abierta ocho años y dedica un 80% de su programación al arte latinoamericano emergente. Una labor solitaria que busca recompensas a largo plazo. "España actúa como puente entre el arte latinoamericano y Europa", sostiene Pradilla. "Lo que distingue a estos artistas es que siguen teniendo cierto arraigo a su propia historia, un interés por las circunstancias políticas y sociales. Y donde más se nota es en campos como el vídeo y la fotografía. Los artistas españoles, por ejemplo, no reflejan su realidad".

Aunque, para la crítica de arte argentina Ana Longoni, es mejor no simplificar. "Atribuir un aditamento político o ideológico como condición inherente al arte latinoamericano presenta varios flancos débiles. Sobre todo asume la alusión política en el arte como resultado de las urgencias de situaciones de conmoción o crisis que solemos atravesar en América Latina como si Europa estuviera exenta de esas (u otras) perturbaciones y sólo pudiese producirse allí -en contraste- un arte puro".

De todas formas, hay que admitir que si hay una chispa que haya encendido una y otra vez el motor del arte latinoamericano es la política. "El arte, para mi generación, era un buen instrumento de subversión", dice el artista uruguayo Luis Camnitzer (1937) en su reciente ensayo sobre el arte conceptual en dicho continente, Didáctica de la liberación (Cendeac, 2009). A través de su experiencia, se ha decidido a reescribir un capítulo del arte latinoamericano aportando una óptica que lo distingue de lo sucedido dentro de ese movimiento en el resto del mundo. Como él, otros señalan hoy la necesidad de revisar y revalorar los aportes de artistas y movimientos considerados hasta ahora sólo a la sombra de lo acontecido en las poderosas capitales del arte.

Longoni forma parte de una plataforma de teóricos y artistas llamada Red Conceptualismos del Sur, para la investigación, rescate y puesta en red de archivos documentales con el objetivo de dar a conocer las experiencias que eclosionaron desde los años sesenta en América Latina, en las que se conjugaban de manera radical las dimensiones poética y política. "Entiendo el sentido de mi trabajo de investigación en torno a la articulación entre arte y política en Argentina y América Latina sólo en tanto parte inescindible de una serie de esfuerzos colectivos por revisar (y en muchos casos directamente exhumar) episodios y dimensiones que han quedado silenciados o banalizados no sólo dentro de los relatos canónicos de la historia del arte sino también en los de la historia política. En ese sentido, veo la necesidad imperiosa de una relectura -y la consiguiente reescritura a muchas voces- de la historia del arte", dice Longoni.

Otro factor que ha dinamizado la escena del arte latinoamericano han sido las bienales. La escasez de museos de arte contemporáneo en esos países hace que las bienales contribuyan a centrar la atención del público en un conjunto de exposiciones reunidas. Aparte de la de São Paulo (la más antigua del continente), hay intentos de diversificar los formatos adaptándolos a ideas más cercanas a las necesidades y características del arte de la región, como hace la de Porto Alegre y, en estos momentos, la Trienal de Chile. El comisario de exposiciones peruano Gustavo Buntinx participa en esta última con una exposición sobre su proyecto de un museo ambulante titulado Micromuseo. En él se propone un encuentro específico, local, entre el arte pequeñoburgués-ilustrado y el popular-emergente. "La Trienal de Chile expone planteamientos sobre los límites del arte como los sostenidos en Asunción por el Museo del Barro, por Ticio Escobar (crítico de arte y actual ministro de Cultura de Paraguay), quien es precisamente el curador general de esta trienal. Con ellas coincide en muchos puntos Micromuseo, en Lima, que reivindica una musealidad promiscua donde las obras llamadas artísticas coexisten con productos masivos u objetos reciclados, además de notables ejemplos de la múltiple creatividad popular. Una especie de museo mestizo donde las palabras artista y artesano se irán reemplazando por la de artífice con el fin de significar la crisis de esas y otras distinciones en una sociedad hecha de lo impuro y lo contaminado".

Quizá sea esa impureza el ingrediente que da su particular sabor a las expresiones artísticas de un continente tan lleno de contrastes como de coincidencias. Mezclado, atomizado, pero con fuertes lazos históricos. Desigual, contradictorio y a la vez misteriosamente homogéneo. El arte en América Latina se está poniendo de pie. Y tiene mucho que contar.


[imagen: Fernando Prats, Sismografía de Chile. 2009. Acción Chaiten, Mapa de intuición 30, still, exhibido en la Trienal de Santiago de Chile]

Eclipses, de Pablo Vargas Lugo, en Sucre 101

ECLIPSES: 4 videos concebidos por el artista mexicano Pablo Vargas Lugo

ESTE JUEVES 26 DE NOVIEMBRE a partir de las 9PM-

EN SUCRE 101 BARRANCO

Eclipses /para Lima/ [a partir de las versiones orginales de Austin, TX]

El 6 de Octubre de 2009, un grupo de aproximadamente 200 voluntarios se reunió en las gradas del Estadio Darrel K. Royal-Texas Memorial para representar 4 eclipses totales de sol que ocurrirán entre 2024 y 2343, tal y como se verán desde las coordenadas del estadio. Para crear esta representación de la la silueta de la luna transitando sobre el disco solar, los voluntarios ejecutaron una serie de mosaicos animados mostrando cartulinas amarillas o negras según una secuencia predeterminada.

Los cuatro videos resultado de este proyecto, concebido por el artista mexicano Pablo Vargas Lugo para una muestra en el Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin, serán presentados junto con su banda sonora original en el Difunto Espacio La Culpable.

Pablo Vargas Lugo nació en la ciudad de México en 1968 y cursó la carrera de Artes Visuales en la UNAM. Se destacan entre sus muestras individuales las presentadas en el Museo Carrillo Gil y el Museo Tamayo en la Ciudad de México, el Museo de Arte del Condado de los Angeles y en el Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin. Ha participado también en exposiciones como La 26ª Bienal de Sao Paulo, la 5ª Bienal de Porto Alegre, y en muestras colectivas en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el MALBA de Buenos Aires y PS1 en Nueva York, entre muchas otras sedes. Vive y trabaja en Lima.

Lugar: Sucre 101 Barranco

Hora: 9 pm (en el after after de las muestras de Cherman y Diego Molina en el mismo barrio)

----refrescante cerveza helada a discreción---

Hoy "Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham" de John Cage

JUEVES 26 de NOVIEMBRE

19.30 h Performance
"Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham" de John Cage
Por Eduard Escoffet y Bartolomé Ferrando

Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham (1971) consiste en 62 mesostics visuales, poemas acrósticos en los que siempre puede leerse verticalmente el nombre o apellido de Merce Cunningham, a quien está dedicada la pieza. Los textos están formados por sílabas o palabras extraídas del libro Changes: Notes on Choreography de Cunningham y de otros 32 libros de la biblioteca del coreógrafo, mezcladas mediante el I Ching. La partitura está realizada con 730 tipos distintos de letraset y presenta un resultado próximo a la poesía visual. Más allá de una estructura temporal muy estricta, llena de silencios entre poema y poema, las instrucciones dejan mucha libertad de interpretación. La versión de Ferrando y Escoffet, presentada por primera vez en el Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón en 2008, abrevia ligeramente su duración y acerca la pieza a las sonoridades de la poesía fonética, evitando todo virtuosismo musical.

Eduard Escoffet es poeta y agitador cultural. De 2000 a 2004, dirigió el festival internacional de poesías y polipoesías PROPOSTA (CCCB). Actualmente es asesor del festival Yuxtaposiciones (Madrid). Ha presentado su trabajo en festivales de poesía en varias ciudades de España y en Portugal, Italia, Francia, Alemania, Bélgica, China, República Checa, Estados Unidos y Argentina. Con Eugeni Bonet, fue comisario del ciclo de cine Próximamente en esta pantalla. El cine letrista, entre la discrepancia y la sublevación, que tuvo lugar en el MACBA en 2005.

Bartolomé Ferrando es uno de los poetas experimentales más destacados de España y uno de los más reconocidos internacionalmente. Formó parte con Fátima Miranda y Llorenç Barber del grupo de improvisación fonética Flatus Vocis Trio. Es profesor de performance en la Universidad Politécnica de Valencia. Recientemente ha centrado su trabajo en las posibilidades de la improvisación fonética a partir de elementos visuales aleatorios.

Auditorio MACBA. Entrada libre
Aforo limitado

El Inmenso Poder del Sinpoder Absoluto, por Gustavo Buntinx

Gustavo Buntinx vuelve a postear sobre el caso de Yoani Sánchez luego de que, en un acto tan cobarde como el anterior, su esposo fuera también amedrentado en el espacio público. Como se comentó algunos días atrás la propia Yoani fue secuestrada y golpeada por mantener un espacio de discusión independiente y crítico con el régimen a través de su blog Generación Y.

Reproduzco el post de Buntinx en su integridad.
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El Inmenso Poder del Sinpoder Absoluto: Una Solitaria Bloguera Desestabiliza a la Dictadura Cubana (Revolución en la Revolución 2)
por Gustavo Buntinx


Impresionante: la dictadura cubana no encontró mejor manera de responder al solitario reto de una discusión verbal en la vía pública que movilizando a sus propias organizaciones regimentadas para hostigar al disidente y reprimir cualquier posibilidad de intercambio libre o de debate.

Resumen: el 6 de noviembre, casi a vísperas del vigésimo aniversario de la caída del Muro de Berlín, la bloguera cubana Yoani Sánchez fue brevemente secuestrada y golpeada por presuntos agentes encubiertos del régimen, en represalia aparente por el contenido crítico de sus comunicaciones electrónicas y en circunstancias en que se dirigía a una manifestación por la paz y la libertad de opinión (causas "contrarrevolucionarias" para el paraíso socialista). Como respuesta no violentas a esa agresión, informa el periódico español El País, Orlando Escobar, esposo de Yoani, "retó a un 'duelo verbal' al seguroso que golpeo a su mujer, un tal 'agente Rodney'. La cita era el 20 de noviembre a las 17.00 en la misma esquina de la ciudad [en que Yoani fue agredida], pero días antes fue convocado en el lugar un Festival Universitario del Libro y la Lectura. La cosa acabó como se sabe": es decir, con el espacio público bloqueado por cientos de secuaces del gobierno "que zarandearon al bloguero con saña e impunidad". Orlando Escobar, dicho sea de paso, es un hombre mayor que frisa ya los 62 años de edad.

Cuelgo abajo el video que registra parte de esos hechos. Particularmente revelador y patético allí es el lema coreado con insistencia por los agitadores oficiales: "esta calle es de Fidel". ¿Para convertir a un país entero en propiedad de un caudillo vitalicio (y de una dinastía familiar) es que se brindaron tan heroicamente tantas vidas ejemplares? La ilusión y la promesa revolucionarias parecieran hoy encarnarse más bien en quienes, como Yoani y su esposo Orlando, enfrentan desde la precariedad total a un poder totalitario que ni siquiera admite la posibilidad de una confrontación de palabras. Cualquiera sea el emblema bajo el que se justifiquen esas opresiones ellas identificarán siempre a un sistema fascista.

Fascista: atención a la otra, torpísima, consigna voceada a gritos por el capataz de esa manifestación "espontánea": "con este muro no van a acabar", en alusión evidente al Muro de Berlín cuya caída por la presión popular de las masas alemanas es una de grandes gestas liberadoras de nuestros tiempos. Bien podrían vociferar "vivan las cadenas".

Reitero la inquietud planteada en mi post del 11 de noviembre sobre el tema: ¿cuántos de los que hoy reclaman una transformación progresista en nuestras sociedades tolerarían no poder publicar siquiera un fanzine propio, no poder mantener sin graves costos y riesgos personales un blog crítico, no poder optar por más de una opción partidaria al momento de elegir y ser elegidos? Aunque se multiplican las respuestas personales a ese requerimiento, pocas de ellas optan por hacerse públicas. Destaco ahora la intervención de Miguel López, publicada el 14 de noviembre en su bitácora Arte Nuevo.

Estas y otras actitudes me despiertan la fantasía romántica de una nueva y distinta revolución en la revolución, por utilizar la frase de Régis Debray subvertida en el título del post mío anteriormente mencionado: una red crítica en la web que efectivamente contribuya a terminar con esta y otras tiranías que hoy tergiversan y empantanan las luchas legítimas por la emancipación y la ciudadanía total en América Latina. Hay un enorme aliento para ello en ejemplos como el de Yoani: la serena rebeldía de una cubana infinitamente débil, radicalmente digna, provoca el temblor y la agitación del aparato estatal en toda su omnipotencia y dogmatismo.

El inmenso poder del sinpoder absoluto.

TROCA - TROCA (25-26 nov) en Rio de Janeiro

com Giuseppe Campuzano do Museo Travesti del Peru, Maria Galindo, Pablo Leon de La Barra e Victor Manuel Rodriguez

25 – 26 Novembro, 19:00 – 21:30
Centro Latino-Americano em Sexualidade e Direitos Humanos- CLAM da UERJ

http://www.troca-trocas.blogspot.com

Durante duas noites um grupo de artistas e curadores vindos do Peru, Colômbia, México/Inglaterra e Bolívia apresentarão palestras sobre pesquisas em arte e cultura visual que indagam as sexualidades dissidentes nos seus contextos. Num momento histórico em que os formatos de ética e de identidades globalizantes da Gay International – tais como o Orgulho Gay e a sigla LGBT como etiquetas uniformizadoras – têm sido adotados em diferentes contextos ao redor do mundo, o encontro Troca-troca procura apresentar e debater as experiências micropolíticas de representação na esfera pública das sexualidades dissidentes em relação às hierarquias sociais, historiografias pós-coloniais e os contextos políticos particulares de diferentes países da America Latina.

O encontro troca-troca é coordenado pelo curador Inti Guerrero (Colômbia/Holanda), recebe apoio do Fundo Prince Claus, Arts Collaboratory e Capacete Entretenimentos e está sendo organizado pelo Centro Latino-americano em Sexualidade e Direitos Humanos (CLAM/IMS-UERJ).

Como chegar: Metrô Maracanã. O auditório fica no bloco F, 3o andar do prédio principal da UERJ, na Rua Sao Francisco Xavier 524

PROGRAMAÇÃO e PALESTRANTES

25 de Novembro – quarta-feira

19:00-19:10h: Mesa de abertura CLAM e Inti Guerrero

19:10-19:40h: Giuseppe Campuzzano – “Museo Travesti del Peru”


O Museu Travesti do Peru é uma plataforma de pesquisa que abriga um acervo de documentos, artefatos, imagens, obras de arte e mitologias que atestam a existência e participação social dos travestis na Historia Nacional do país andino. O Museu pesquisa tradições travestis indígenas que permanecem na cultura visual contemporânea do Peru, entendidas por Campuzzano como reflexo de uma mesma historiografia travesti (transcultural) da concepção pós-colonial do Estado-Nação.

Giuseppe Campuzano (Lima, 1969) Estudou filosofia, e desde 1990 registra o seu corpo travestido como projeto estético. Desde 2003 desenvolve uma pesquisa sobre as origens, realidades e significados do travestismo no Peru. Tem apresentado o seu Museu em diversos formatos nas exposições: En todas partes; Politicas da diversidade sexual na arte, Centro Galego de Arte Contemporanea, 2009; Trienal de Chile, Santiago, 2009; Staging Citizenship Hemispheric Institute, Bogota. Tem publicado Reclaiming Travesti Histories (Bulletin, 2006); Gender, Identity and Travesti Rights in Peru, em Development with a Body: Sexualities, Development and Human Rights (Zed Books, 2008)

19:40-20:10h Victor Manuel Rodriguez (Colombia) – “En el ojo del huracán: Prácticas artísticas y estudios queer latinoamericanos”


A palestra apresentará duas exposições que Rodriguez organizou em Bogotá: Un caballero no se sienta asi (2003) e Yo no soy esa. (2005) as quais reuniram práticas artísticas contemporâneas e produção de cultura visual que indagavam as experiências de homossexualidade e travestismo na cidade.

Victor Manuel Rodriguez é um acadêmico e agente cultural que trabalha em Bogotá. É doutor em Estudos Culturais pela Rochester University e mestre em História da Arte pela Goldsmiths- University of London. Participou do governo distrital da cidade de Bogotá dirigindo a área de fomento cultural. Já foi curador de várias exposições em Bogotá como Un Caballero no se sienta asi, Galeria Santa Fe, 2003; Yo no soy esa, Galeria Santa Fe, 2005 e organizou o foro Prácticas artísticas. Enfoques contemporaneos, Universidad Nacional. Foi o tradutor para o espanhol do texto Images (1977) do acadêmico queer Douglas Crimp.

20:10-20:25 Coffe-break

20:25-20:55 Pablo Leon de La Barra (Mexico-Inglaterra) – “Pablo’s International Magazine; Macho not rough – art, men and architecture”


Apresentação da pesquisa que contribuiu para a publicação dos volumes da revista “Pablo’s International que relacionam a homossexualidade com experiências contraculturais em diferentes contextos urbanos.

Pablo León de La Barra (Ciudad de Mexico, 1972) formado em arquitetura e urbanismo, é artista, editor, curador e galerista morando em Londres. Foi curador das exposições To Be Political it Has to Look Nice, Apexart, New York, 2003; Glory Hole, Architecture Foundation, Londres, 2006 e participou de mostras como Localismos, Cidade do Mexico, 2004; Tropical Abstraction, Stedelijk Museum, Amsterdam, 2005; BMW-9th Baltic Triennial, CAC-Lithuania and ICA-London, 2005; Globos Sonda/Trial Balloons, MUSAC, Leon, 2006; Nothing Really Matters When You Wear A Big Moustache, Locus, Athens 2006. Pablo León de La Barra planeja publicar um novo volume da revista dedicado ao Rio de Janeiro, fazendo associações com as contraculturas sexuais dos anos 1970 representadas na época tanto pelas artes visuais como na cultura vernacular e uma possível contracultura sexual hoje. Paralelamente realizará uma pesquisa para compor um arquivo pessoal de revistas gay impressas no Brasil durante a ditadura.

26 de Novembro – quinta-feira

19:00-19:40 Maria Galindo (Bolivia) – “Feminismo nos Andes”


A palestra apresentará diferentes projetos controversos realizados pela Galindo junto com o coletivo Mujeres Creando em espaços públicos na Bolivia. Seja este espaço físico (a praça) ou midiático (a televisão), as intervenções realizadas são uma reação à experiência micropolítica do machismo, homofobia e racismo da sociedade multicultural de seu país. Um caso específico discute o seu protesto contra a visita do presidente Irani Mahmud Ahmadineyad a Bolivia, convidado por Evo Morales.

A prática de Maria Galindo não esteticiza ‘o político’, mas trata-se justamente de um agenciamento cultural que atua diretamente sobre as injustiças dos governos racistas e sexistas na Bolívia. Através de ativismo, performance urbana e processos legislativos, ela criou uma proposta engajada em sua esfera pública. Maria Galindo é co-fundadora da organização feminista Mujeres Creando, que procura justiça contra a violência física e simbólica infringida às mulheres e aos homossexuais na Bolívia. O manifesto das Mujeres Creando tem ajudado a compreender o abuso do poder patriarcal e latifundiário que tem apagado a herança indígena de seu país, através de pesquisas de experiências locais de desigualdade de gênero em uma sociedade multicultural. Galindo participou igualmente de mostras como a 27a Bienal de São Paulo; Como viver Juntos e Espacio Uno, Centro de Arte Museo Reina Sofia, Madrid.

19:40-19:55 Coffe-break

19:55-21:15 Mesa Redonda “Troca-troca com Maria Galindo, Victor Manuel Rodriguez, Pablo Leon de La Barra e Giussepe Campuzzano Campuzano. Moderador: Inti Guerrero”

21:00 Encerramento – Inti Guerrero

Inti Guerrero é curador Colombiano morando em Amsterdã. Foi Curador-em-Residencia de Capacete no Rio de Janeiro (Oct 08-Jan 09). Formado pelo Programa Curatorial do De Appel na Holanda, estudou História e História & Teoria da Arte na Universidad de Los Andes em Bogotá, Colômbia e na FFLCH e na ECA da Universidade de São Paulo. Curador e co-curador de exposições como When the bough breaks-On myth and religion, MARCO, Vigo e FRAC, Lorraine, 2010; Light Years – Cristina Lucas, Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, 2009; Eppur se muove-Danger to fall in the sea, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, 2009 e Despistando al Enemigo, Laboratorio Interdisciplianrio para las Artes, Bogota, 2008.

PLASMA 2. Segundo Encuentro Peruano de Arte y Nuevos Medios

Hoy se inicia el encuentro Plasma 2 en Lima. Reproduzco el programa del primer día de actividades (hoy). Pueden ver el programa completo aquí.
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PLASMA 2. Segundo Encuentro Peruano de Arte y Nuevos Medios
25-28 de noviembre, 2009

DIA 1: MIERCOLES 25 Noviembre
Local: Centro Fundación Telefónica (CFT)
Avenida Arequipa 1155, Lima / Telf: 210 1327

9:00 - REGISTRO DE PARTICIPANTES / ENTREGA DE MATERIALES

10:00 – Presentación de PLASMA 2 – 2009
Mauricio Delfin (Realidad Visual), Jorge Villacorta (ATA) y Lucía Garcia (Centro Fundación Telefónica)

10:15 – EMERGENCIA Y CREATIVIDAD

Mauricio Delfin (Realidad Visual) – Director de PLASMA
La emergencia como agencia y la creatividad como sistema
Una año después de la primera edición de PLASMA, hemos considerado importante avanzar tres frentes reflexivos: ciudades, cuerpos y futuros. En esta presentación hablaremos de estos ámbitos conceptuales y de dos ejes para el debate: Emergencia y Creatividad. Se abordarán nociones para el análisis crítico de las artes digitales desde estos dos ejes y se presentarán algunas ideas iniciales para enmarcar y debatir desde el Segundo Encuentro Peruano de Arte y Nuevos Medios (PLASMA 2).

Kiko Mayorga (Escuelab)
Una crisis sistémica sólo se revertirá con una solución sistémica. Y el sistema es social.
En nuestros tiempos, el medio ambiente, la educación, la salud y la paz empiezan a figurar entre los objetivos de la agenda común. Hoy nos valemos de herramientas tecnológicas evolutivas, que abren posibilidades de innovación en los procesos de creación, consenso y colaboración para la transformación social. Para activar tales herramientas, la creatividad, la disposición a la experimentación y el intercambio serán los recursos más valiosos, recursos que debemos aprender a incubar, promover y cuidar sistemáticamente.

11:00 – 13:00 – TALLER PARA CREAR FUTUROS

Lala Deheinzelin
Crie Futuros, Brasil) (*)

Cree Futuros es un movimiento internacional que articula personas e instituciones, ofreciendo actividades y plataformas digitales para la creación de futuros deseables. La base del Movimiento es el concepto WIKI: movilizar la inteligencia y creatividad de los colectivos para diseñar los futuros que deseamos.

Organizan: Realidad Visual (Crie Futuros, Nodo Perú), Centro Fundación Telefónica y el Proyecto Cultural Noviembre
+¡personas de todas las edades! ¡SE BUSCAN PARTICIPANTES! ¡ASISTE Y PARTICIPA!
Contácto: delfin@realidadvisual.org

13:00 - PAUSA – PAUSA – PAUSA

14:00 – Arte y Nuevos Medios – DISEÑO/SOCIEDAD 1

Participan: Guillermo Quiroz, Lucía Cuba y Miguel Zegarra

Guillermo Quiroz
Encuentros en la Memoria
www.encuentrosenlamemoria.blogspot.com

Proceso artístico que explora en la memoria colectiva sobre la celebración del día de los muertos y su importancia en la historia de la cultura local del distrito de Comas. Así los vecinos del AA.HH. Cerro San Francisco pobladores del Barrio la Balanza de este distrito, participarán en la expresión de diversos acciones artísticas que recrean las tradiciones y costumbres propias de la celebración del día de los muertos, manifestadas en el cementerio de su localidad el 1 de noviembre del 2009.

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Lucia Cuba
www.proyectogamarra.pe

PROYECTO GAMARRA es una iniciativa de “diseño activista” que a través de dos plataformas [MODA] + [WEB] busca sensibilizar al usuario (consumidor+productor+proveedor) sobre la importancia y comprensión del Emporio Comercial de Gamarra, dentro del Sistema de la Moda peruano. GAMARRA es usado como un símbolo de interacción entre el textil, la creación, la producción y el consumo de la moda peruana. Todos los diseñadores peruanos conocemos el emporio comercial de GAMARRA y hemos extraído algo de él. + GAMARRA representa un importante aporte al desarrollo económico para el sector, a nivel local, nacional e internacional. + GAMARRA es fuente de trabajo (que con el tiempo se va formalizando más, insertando estándares de calidad, respeto y pertinencia en su producción y gestión). + GAMARRA es fuente de creación. Inicialmente de producción/creación masiva, el emporio comercial apunta en la actualidad al aporte en creatividad y originalidad en su producción.

Miguel Zegarra
Diálogos Sur-Sur desde el Norte: arte electrónico y medial de Brasil y Perú en Canadá. Una reflexión sobre la exposición Restraint / Contrainte

La presentación se centrará en el tema de cómo los diálogos entre contextos y producciones afines en países geográficamente cercanos, muchas veces se dan a partir de la mediación y la iniciativa de contextos foráneos. Es así que la exposición recientemente presentada en Montreal por el Groupe Molior, Restraint / Contrainte, descubrió puntos de encuentro entre la producción en artes electrónicas y mediales de Brasil y Perú a inicios del siglo XXI y reveló contextos de producción similares: desarrollo urbano desde el caos, violencia y reciclaje electrónico.

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15:00 - Arte y Nuevos Medios – PERU EXPERIMENTAL

Participan: Marco Valdivia (Arequipa), Gabriel Castillo (Huancayo) y Felipe del Águila (Lima)

Marco Valdivia (Arequipa)
Formando / gestando un espacio / Festival Asim´tria V

La propuesta apunta finalmente a la experiencia de la formación y posterior sostenibilidad de un espacio en la ciudad de Arequipa, un espacio que ha tomado el nombre de Festival Asim´tria, espacio que tiene como objetivo la difusión, investigación, debate, formación y creación en base a artes mediales, y el compartir estos resultados, lo que ha permitido a éste ser ya permanente, superar el alcance de una gestión individual, y posicionar ideas al respecto, tras una gestión de casi 5 años.
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Gabriel Castillo
Huancayo-Electrónico

Huancayo – Electrónico, aborda los diferentes aspectos en el trabajo de promoción y gestión de expresiones mediales en la ciudad de Huancayo y su proyección en el ámbito internacional estas van desde conferencias usando tecnología en tiempo real, desarrollo de conciertos, portafolios de artistas y recientemente el impulso de Festivales referidos específicamente a las expresiones en video, cine, animación y sonido. La conferencia tocara las diversas propuestas y su problemática, haciéndose un recorrido de las actividades desarrolladas en el Centro Cultural de la Universidad Continental, poniendo énfasis en las expresiones mediales como son: El Festival Arte y Nuevos Medios “Piloto”, El Primer Festival Internacional de Video y Sonido “WANKA”, Live Electronics + Compilación de Videos Extremos de Perú – Córdoba – Argentina, así como los diferentes conciertos de música experimental realizados en el contexto huancaíno.

Felipe del Águila
Aloardi
Aloardi es un colectivo, una tribu, una plataforma experimental, una posición política, un sello de música, un grupo de amigos, etc. Este proyecto colectivo ha generado diversas plataformas, redes, eventos, proyectos experimentales procurando compartir conocimientos entre diferentes músicos, artistas, programadores, activistas, anti-teóricos, mutantes y público en general, fomentando el desarrollo de nuevas formas de acercarse a los medios tecnológicos y no tecnológicos, tratando de mantener una postura crítica y social frente a las políticas y conductas de control que se generan en torno a éstos. Daremos un repaso rápido de lo sucedido en los 11 años de Aloardi y las direcciones que se están tomando en el futuro próximo.

16:30 – INTERFACES

Participan: Jennifer Dopazo y Jaime Oliver. Las participaciones en este panel se realizarán por Skype.

Jaime Oliver (Lima, San Diego)
Percusión Silenciosa
http://www.realidadvisual.org/jaimeoliver

El proyecto de percusión silenciosa es un conjunto de controladores en desarrollo que exploran el uso del gesto en la creación de música por computadora. En esta breve presentación, demostraré el uso de uno de ellos, el tambor silencioso y presentaré el trabajo en proceso de otro de ellos, al cual estoy llamando tentativamente el therevid. Durante la presentación intentaré resaltar algunos de los principios que guían el diseño de estos instrumentos y cómo estos encajan dentro de la creación de música electrónica contemporánea.

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.Jennifer Dopazo (Venezuela, Nueva York)
TIKOS

Los Tikos, representando los números uno, dos y tres, motivan el juego experiencial para introducir a niños de prescolar a los conceptos de los números, sus símbolos y su secuencia. Usando materiales suaves capaces de conducir electricidad como el ‘velcro’, tela e hilo, los Tikos son capaces de interactuar entre ellos y a su vez responder al niño. Los sensores de tacto proveen diferentes tipos de respuesta auditiva dependiendo del orden en que son colocados. Esta presentación describe el proceso, las técnicas y la experimentación del projecto y su aproximación al proceso de aprendizaje y el temprano desarrollo matemático.

18:00 - PAUSA – PAUSA – PAUSA
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18:30 – Local: Escuelab.org / Jiron de la Unión 1044 – Piso 5 – Lima Centro – Perú
— telf: +511 330 4583

Participan: Pablo Diaz, Diego Rodriguez, Pablo C. Herrera y Luis Odiaga

FABRICACIÓN DIGITAL / FAB LAB LIMA – http://www.fablablima.org/

Los Fab Labs proporcionan el acceso directo a los medios modernos para la invención. Comenzaron como un proyecto externo del Centro de Bits y Átomos (CBA) del Massachusetts Institute of Technology (MIT), el CBA ha puesto millones de dólares en el desarrollo de máquinas para la investigación en fabricación digital, últimamente con el objetivo de desarrollar ensambladores moleculares programables que pudieran hacer cualquier cosa. Los Fab Labs caen en estos extremos, constan de equipos y materiales valorados en cincuenta mil dólares que se pueden utilizar hoy para hacer lo que será posible hacer mañana con máquinas de fabricación personal.

Carta Abierta del ITAE a la Ciudadanía

CARTA ABIERTA DEL ITAE A LA CIUDADANIA

Guayaquil, 11 de noviembre de 2009

Desde la misma fundación del ITAE, el Banco Central ha incumplido sus compromisos con una institución que fue creada por él mismo.

Durante meses, el Presidente de su actual Directorio, Ingeniero Carlos Vallejo, se ha negado a atender a los directivos y alumnos del ITAE, delegando en los mismos tecnócratas que en tiempos de Lucio Gutiérrez ya intentaron enterrar y aniquilar un proyecto artístico y universitario sin precedentes en Guayaquil y en toda la costa ecuatoriana.

Un Instituto que con todo en contra, empezando por el boicot sistemático de su propio promotor, ha logrado en apenas cinco años convertirse en una referencia crucial del arte y la educación universitaria en el país, como lo demuestran los más de 60 premios nacionales e internacionales que nuestros alumnos y profesores han recibido.

Por su parte, el Ministro de Cultura, Ramiro Noriega, ha sido incapaz de hacer implementar las políticas que, con respecto al ITAE, él mismo entiende y ha defendido como las más sencillas e indicadas.

Hoy el ITAE esta a punto de desaparecer. No es posible que justamente en esta época se condene a los artistas a convertirse en limosneros o en mártires. Por ello, los alumnos y profesores del ITAE exigimos que el Ing. Vallejo, el Ministro Noriega y quien sea que ocupe la Gerencia General del Banco, con todo y sus asesores, se reúnan en Guayaquil con nosotros, para en un día de trabajo dar una solución definitiva a nuestra problemática.

Asimismo, solicitamos a todos y a todas quienes conocen el trabajo, el rigor y el compromiso del ITAE, en el Ecuador y fuera de el, a solidarizarse con nosotros. Nuestra decisión, hasta que se realice la reunión que estamos exigiendo, no será la de suspender ni interrumpir nuestra actividades docentes y creativas, sino la de desplazar las mismas hasta el edificio de la Sucursal Mayor del Banco Central en Guayaquil.

Ahí, al aire libre, en contra del imperio de la tecnocracia, vamos a reafirmar el valor de nuestro trabajo, desarrollando todas nuestras actividades, abiertas a que la ciudadanía en general, participe de ellas.

Atentamente,

Los estudiantes y profesores del ITAE

Plantón del ITAE, registros del blog de Rodolfo Kronfle

A propósito de los incidentes y la protesta del Instituto Tecnológico de Artes en el Ecuador (ITAE) a las afueras del Banco Central, reproduzco algunos regisrtros y enlaces colgados por el curador ecuatoriano Rodolfo Kronfle Chambers, en el último post de su blog Río Revuelto.

Del mismo modo en un post de Esfera Pública se podrán encontrar distintos comentarios sobre la situación en Ecuador.
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Plantón del ITAE

http://www.flickr.com/photos/36825917@N08/sets/72157622862296916/show/

Imágenes del último día del plantón - viernes 20/11/09

Podcast de La Selecta: conversación de X. Andrade con Lupe Álvarez, Rodolfo Kronfle, Graciela Guerrero e Illich Castillo

Entrevista del ochoymedio a X. Andrade La cultura: una revolución pendiente - publicada en Revista Anaconda



Llegada de los participantes del plantón a las instalaciones del ITAE el viernes 20/11/09




Levantamiento del plantón la tarde del viernes 20/11/09

Mañana viernes 20 de noviembre el ITAE regresa a casa!!!
Desde las 17H00 estaremos en los exteriores del Banco Central del Ecuador (9 de Octubre y Pichincha), a las 18H00 comenzaremos el regreso junto al Grupo Arawa a la sede del Centro Cívico "Eloy Alfaro".
Luego: Reunión Festiva!



Xavier Patiño -Rector del ITAE- anuncia el levantamiento del plantón la noche del jueves

http://www.flickr.com/photos/36825917@N08/sets/72157622712337705/show/

Restraint / Contrainte. New media art practices from Brazil and Peru, en Montreal

Desde el 7 de noviembre pasado se vienen exhibiendo la exposición Restraint / Contrainte. New media art practices from Brazil and Peru, en Montreal, Canadá, co-curada por Miguel Zegarra, Julie Bélisle y Kiki Mazzucchelli. Reproduzco la presentación de la exposición (en inglés).
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Restraint / Contrainte. New media art practices from Brazil and Peru,

Oboro y en la Maison de la culture Marie-Uguay, Montreal:

CONTRAINTE / RESTRAINT
curators:/ Julie Bélisle / Kiki Mazzucchelli / Miguel Zegarra
Exhibition in Montreal

www.molior.ca/projets.php?section=pr_art&lang=0

Artists:
Rolando Sanchez PE, Rodrigo Matheus BR,Gabriel Acevedo Velarde PE, Nicole Franchy PE, Lucas Bambozzi BR, Leandro Lima & Gisella Motta PE, Amilcar Packer BR, Jose Carlos Martinat PE

The starting point of this exhibition is to show what the Brazilian and Peruvian contexts, in their cultural, social, and political aspects, have in common regarding the use of media technologies. It explores how these aspects are reflected in representative new media art practices and works from both countries. The common issues in these specific contexts could be explained or made visible in a dynamic of dualities, paradoxes and a superimposition of different worlds, which built on idiosyncrasies to reveal new perspectives on present times. These new points of view from South American media artists present a wide range of challenges to the ‘straightforward’ paths into the globalized world.

Brazil’s and Peru’s particular modernisms are marked by various parallels in their extravagant and creative precariousness, in the mass technological improvisation and complex temporal layers of their chaotic, violent and brutal cities, in their histories and memories.

Lima, the capital of Peru, represents a new paradigm of modernity that is, however, marked by paradox: chaos, poverty, mass access to technology, pirated technological products, historical buildings recycled into modern ones. All the signs of Peru’s socio-economic complexity are concentrated in this situation. São Paulo is Brazil’s financial and business centre, a place where extreme situations of poverty and wealth co-exist. What the two cities seem to have in common, and which is reflected in many works in this exhibition, is the coexistence of paradoxical situations in which the forces of modernity and precariousness are constantly at play.

Algunas exposiciones en Lima

Doy cuenta de algunas exposiciones en Lima inauguradas en días próximos como las de Piero Quijano, Carolina Bazo, Cherman, las actividades de 'Encuentros en la memoria' o la muy recientemente inaugurada de Patricia Villanueva. Reproduzco las invitaciones y algo de texto.
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Mano Negra de Piero Quijano y Esencia Doméstica de Carolina Bazo en la galería 80m2 de Barranco.


OH NO! DA REVOLUCHON! de Cherman desde este jueves 26 de noviembre en la Sala de Proyectos de la Galería Lucía de la Puente.

Actividades de 'Encuentros en la Memoria'


PACIENTE 779 de Patricia Villanueva desde el 18 de noviembre en las salas de Artco. Reproduzco el texto de Diego Otero sobre la exposición.

Paciente No. 779

1.

Este es uno de los posibles escenarios de la historia: una mujer de pie en una habitación casi vacía. Apenas un espejo ovalado. Una mesa con un puñado de fotos y una caja de lápices de colores. Una silla. Todo está bañado por una luz blanca y uniforme, que no permite el drama: una luz que es también un cernidor de sombras.

La mujer, en rigor, no es una mujer: es una silueta. No posee rasgos, solo opacidad y contornos: el mundo entero se acaba y se agolpa donde comienza su piel, que no es piel sino límite. Ella lo ha olvidado todo y ahora es únicamente cuerpo, mapa de sí misma. ¿Perder la memoria, después de todo, no significa acaso convertirse en frontera pura?

2.

Observemos alguno de los otros elementos de la habitación. El espejo ovalado, por ejemplo. La silueta de la mujer se acerca al espejo y su figura queda enmarcada. El espejo es ahora, por un instante, un camafeo: el olvido ha grabado en él todos los relieves que conforman la silueta de la mujer.

Si la habitación quedara al interior de un sanatorio y un médico de guardia recorriera los pasadizos, podría haber una sorpresa, una chispa: ese camafeo se convertiría, súbitamente, en un huevo o en un vientre: en la promesa de algo que pueda nacer del espejo.

3.

Paciente No. 779, la cuarta muestra individual de Patricia Villanueva, opera como el negativo de todo su trabajo previo. Si en sus exposiciones anteriores exploró la identidad desde un tejido narrativo –en relación con la cultura en La fiesta del té (2002), en relación con la pertenencia y el espacio en París canalla (2004), en relación con el otro en Doppelganger (2006)–, ahora lo hace desde su ausencia: una suspensión de la memoria implica también una suspensión de la identidad.

Hay una cierta radicalidad en la propuesta. O mejor: un cierto riesgo. Villanueva concibe un personaje premeditada y literalmente plano. Es decir, vulnerable, precario. Y por eso toda la puesta en escena apela al tenebrismo candoroso del teatro de sombras, la magia amateur, las cintas memoriales y las siluetas victorianas.

A eso le podemos llamar también instinto: hay que descender hasta una base para tomar impulso. Hay que retroceder en el tiempo, ya sea el nuestro o el del mundo; hay que cavar hasta encontrar tierra firme. Solo entonces podremos emprender la tarea de buscarnos.

Cavar. Quizá cavar sea la palabra clave. No es gratuito que la memoria y la identidad de nuestra colectividad –así estemos hablando del pasado lejano o del reciente- se jueguen muchas veces debajo de la tierra. Walter Benjamin decía que aquel que desee explorar su propio pasado debe actuar como quien cava: más importante que registrar los datos que recupera, más urgente, es marcar el lugar preciso en el que fueron hallados. Una moraleja: el bosque de la amnesia es siempre un bosque encantado.

4.

Pero volvamos, por favor, a la escena probable: hay fotografías, hay lápices de colores. Es decir, hay imágenes o promesas de imágenes. Quizá, después de todo, no estemos en un sanatorio sino en un taller o un estudio. Quizá no pase ningún médico por el pasillo y la silueta acuda de pronto, como en un gesto intuitivo, a los colores.

Y aquí quisiera detenerme y ofrecer una información que nos puede ayudar. Una información solo aparentemente inconexa. En el inventario del Museo de Louvre hay una pintura a la que se conoce como “Pintura # 779”. La pintura carece de título, firma y fecha. En los archivos del museo tampoco figura ningún valor asignado a su código.

A esta pintura, sin embargo, el resto del mundo la conoce como La mona Lisa. No hay mucho que agregar: las referencias nominales a veces quedan sobrando.

5.

La silueta de la mujer tiene ahora los colores en las manos. Y las imágenes de esas fotos son como flashes sobre una tela vacía, en una habitación oscura. Pero cuando ella empieza a dibujar no lo hace sobre ninguna superficie: lo hace sobre sí misma; ella es el soporte de su obra.

Y entonces, lentamente, deja de ser solo una silueta.

Diego Otero, noviembre 2009.

Seminario La Colonialidad del Ver (en Quito)

Seminario
LA COLONIALIDAD DEL VER
La invención del canibalismo de Indias y los imaginarios visuales trasatlánticos de la modernidad/colonialidad
Conferenciante: Joaquín Barriendos

Organizan:
La Tronkal. Grupo de trabajo geopolíticas y prácticas simbólicas
Taller Imagen y Visualidad, Área de Letras, UASB

Auspician:
Organización de Estados Iberoamericanos
Cine Ocho y Medio

Lugar:
Sala de uso Múltiple, Edificio Manuela Sáenz, 2do piso, UASB
Cine Ocho y Medio, La Floresta

Presentación

La colonialidad es una condición de la modernidad y a la vez un patrón de dominación que determina todas las instancias de la vida social. Este Seminario contribuye al estudio y crítica de esta matriz de poder a partir del análisis de lugar de la mirada y las imágenes. Se presentarán algunas herramientas críticas para el estudio de los imaginarios visuales transculturales de la modernidad/colonialidad. Tomando como punto de partida el concepto de la ‘colonialidad del ver’ se problematizará la relación entre la producción visual de la alteridad y la racialización de la subjetividad. Se analizará la manera en que la invención del canibalismo, inaugurada por los Cronistas de Indias y por los viajeros de la modernidad temprana, generó un repertorio de imágenes-archivo en torno a los indios del Nuevo Mundo. Este acerbo ha sido reapropiado, racializado y reinterpretado a lo largo de las múltiples facetas del capitalismo y de las batallas epistémicas trasatlánticas. Estos imaginarios transculturales están en la base de lo que puede describirse como el efecto Benetton de la postmodernidad, esto es, la exaltación de la diversidad cultural a través de la representación y el consumo de sus estereotipos visuales.

Objetivos

- Evidenciar la actualidad de la lógica etnocéntrica que ha caracterizado a los diferentes regímenes visuales de la modernidad/colonialidad occidental.

- Estudiar el binomio visualidad/transculturalidad para avanzar hacia la descolonización de los universalismos y las epistemologías occidentales.

Programa

SEMINARIO LA COLONIALIDAD DEL VER
Lugar: Sala de Uso Múltiple del Edificio Manuela Sáenz
Horario: 18h30 a 20h00

Martes 17 de noviembre
Primera sesión: La invención del ‘Nuevo Mundo’: canibalismo de Indias, alteridad y diferenciación etno-cartográfica

Miércoles 18 de noviembre
Segunda sesión: La racialización epistémica radical: jerarquías etno-raciales de la modernidad/colonialidad

Jueves 19 de noviembre
Tercera sesión: La razón intercultural en el capitalismo cognitivo: estudios visuales, postcolonialidad y transmodernidad

CICLO CINE Y CANIBALISMO
Lugar: Cine Ocho y medio
Hora: 21h00

Lunes 16 de noviembre
Inauguración de la muestra “Cine y canibalismo”
Holocausto caníbal (Italia, 1980) de Ruggero Deodato

Martes 17 de noviembre
Macunaima (Brasil, 1969) de Joachim Pedro de Andrade

Miércoles 18 de noviembre
Stranded (Chile, 2008) de Gonzalo Arijón

Jueves 19 de noviembre
El Caníbal de Rotemburgo (Alemania, 2006) de Martin Weisz

Cine y canibalismo: http://www.ochoymedio.net/opinion/09-11/colonialismocanibalismo.html

TODOS LOS EVENTOS SON GRATUITOS


Joaquín Barriendos

Profesor visitante de la Universidad de Barcelona. Investigador visitante de la New York University. Integra el equipo de coordinación del Grupo de Investigación en Arte, Globalización e Interculturalidad. Co-fundador del colectivo Tristestópicos, el cual se centra en el estudio de las prácticas artísticas, las políticas culturales y los imaginarios económicos de América Latina. Fundador de la plataforma Culturas Visuales Globales. Editor asistente de la revista Brumaria y de los web-journals Transversal y Transform. Director de Transverso (revista de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México). Coordinó junto a Ramón Grosfoguel, Walter Mignolo y Santiago Castro-Gómez el seminario El Giro Decolonial. Debates en torno al pensamiento fronterizo en el Centre for International Relations and Development, Barcelona. Forma parte del proyecto Red Conceptualisms del Sur. Autor del libro Geoestética y Transculturaldiad. La internacionalización del arte contemporáneo.

La Tronkal

Grupo de trabajo interdisciplinario que reúne artistas, investigadores, teóricos y críticos que trabajan desde distintas áreas de la cultura performática, visual y sonora. La finalidad del grupo es la reflexión crítica y la intervención política en el campo cultural local y translocal. Su producción cultural y teórica se inscribe dentro del cuestionamiento de la matriz de dominación global inaugurada por el colonialismo. De ahí que busque el diálogo con las teorías poscoloniales, el pensamiento decolonial y la crítica latinoamericanista desde el campo específico del acontecimiento simbólico. Su objetivo central es la intervención pública en los campos del saber, las artes, las prácticas culturales y la institucionalidad de la cultura ecuatoriana.

Taller Imagen y Visualidad

Es un espacio interdisciplinario que indaga en el valor de las imágenes en sus contextos de producción, circulación y consumo. Propone, desde los estudios visuales, una reflexión teórica y metodológica sobre la imagen y lo visual. Desde esta perspectiva, aborda las imágenes que circulan tanto mediática como cotidianamente, así como aquellas que se generan en el campo de las artes. Algunos temas que trabaja el Taller son: arte crítico: nuevas propuestas en la historiografía, crítica y curaduría de las prácticas artísticas contemporáneas; imagen, diseño y publicidad; Cuerpos e imágenes del deseo; Imagen, memoria y documento.

Informes e inscripciones:
Área de Letras Universidad Andina Simón Bolívar
Edif. Mariscal Sucre, piso 3
Alexandra León, alexandra@uasb.edu.ec
Tels.: 322 8088, 322 8085, ext. 1331
http://www.uasb.edu.ec/contenido.php?cd=2458&swpath=notev&pg=ev