FLUXUS EAST. FLUXUS NETWORKS IN CENTRAL EASTERN EUROPE

FLUXUS EAST
FLUXUS NETWORKS IN CENTRAL EASTERN EUROPE

Exhibition
September 27 to November 4, 2007
Wed to Sun 2-7 pm
Opening: September 26, 7 pm

Künstlerhaus Bethanien
Mariannenplatz 2, D-10997 Berlin
http://www.fluxus-east.eu/

Gábor Altorjay, Eric Andersen, Azorro, Robert Filliou, György Galántai, Tibor Hajas, Geoffrey Hendricks, Dick Higgins, Tadeusz Kantor, Danius Kesminas, Milan Knizák, Alison Knowles, Július Koller, Jaroslaw Kozlowski, Vytautas Landsbergis, George Maciunas, Jonas Mekas, Larry Miller, Ben Patterson, Mieko Shiomi, Slave Pianos, Tamás St. Auby, Endre Tót, Gábor Tóth, Nomeda & Gediminas Urbonas, Jiri Valoch, Ben Vautier, Branko Vucicevic, Emmett Williams among many others

Curator: Petra Stegmann Exhibition architecture: Andrea Pichl

Fluxus is well-known as an (anti-)artistic, international network with centres in the USA, Western Europe and Japan. But what about this "intermedia" art -- art encompassing music, actions, poetry, objects and events -- beyond the "Iron Curtain"? What echo did Fluxus find in the states of the former Eastern Bloc, and what parallel developments existed there?

As a "programme of action", Fluxus -- according to its self-styled "chairman", the exiled Lithuanian George Maciunas in a letter supposedly to Nikita Chruscev -- was predestined to bring about unity between the "concretist" artists of the world and the “concretist” society of the USSR. Maciunas planned Fluxus as a collective based on the model of the Russian LEF (Leftist Arts Front). But these plans -- e. g. for a performance tour by the artists on the Trans-Siberian Railway --, developed with polished communist rhetoric in manifestos and letters, were to remain no more than a utopia.

After 1962, a different FLUXUS EAST developed through creative exchange between Fluxus artists and artists/musicians of the former Eastern Bloc, leading to events including Fluxus festivals in Vilnius (1966), Prague (1966), Budapest (1969), and Pozna? (1977).

FLUXUS EAST represents a first stocktaking of the diverse Fluxus activities in the former Eastern Bloc; the exhibition shows parallel developments and artistic practices inspired by Fluxus, which are still adopted by some young artists today. Besides the "classic" Fluxus objects, the display will include photographs, films, correspondence, secret police files, interviews and recordings of music that document the presence of Fluxus in the former Eastern Bloc. As an interactive exhibition, FLUXUS EAST aims to facilitate a profound encounter with ideas, works and texts -- some presented as facsimiles to permit intense study. It is possible to play at FLUX PING PONG, and visitors are also invited to explore the POIPOIDROME by Robert Filliou.

The exhibition is accompanied by a catalogue (German/English ca 280 pages ca 200 images hardcover), available at the Künstlerhaus Bethanien contact: info@bethanien.de

The exhibition at Künstlerhaus Bethanien and the catalogue are funded by the German Federal Cultural Foundation.

Further exhibition venues: Contemporary Art Center, Vilnius (November 30, 2007 - January 13, 2008), Bunkier Sztuki, Kraków (February 7 - March 30, 2008), Ludwig Múzeum, Budapest (April 17 - June 1, 2008).


Network programme in Berlin:

Tschechisches Zentrum Czechpoint
Czech Action Art of the 1960s to the 1990s
Exhibition September 14 - November 2, 2007 http://www.czech-berlin.de/

Collegium Hungaricum Berlin Portable Intelligence Increase Museum.
Pop Art, Conceptual Art, and Actionism in Hungary during the 60s -- 1956-1976 / The Near-East-European Criss-Cross (1956-1989)
Exhibition September 26 - November 4, 2007 http://www.hungaricum.de Polnisches

Institut Berlin Galeria
Akumulatory 2
Exhibition September 28 - November 8, 2007 http://www.polnischekultur.de/

Galerie des Slowakischen Instituts
Otis Laubert: KARTEN UND FLAGGEN
Exhibition October 31 - November 16, 2007F


or more information about FLUXUS EAST contact: fluxus@inarcadia.de or presse@bethanien.de

De vuelta al barrio

Volvi finalmente luego de pasar por Venecia y Berlín. No tengo ni 24 horas en Lima y ya el jet lag me tiene nuevamente algo agotado. Verderamente extrañaba demasiado mi trabajo por estos lares y esa sensación casi delirante de estar de un lado a otro por la ciudad. Ya escribiré sobre lo visto dentro de poco y más adelante colgaré algunas fotografías.
Por otro lado el domingo pasado vi una exposición realmente buena sobre Fluxus del Este en el Künstlerhaus Bethanien en Berlín -en el siguiente post colgaré la nota de prensa de la expo, y además vean la web con el network de exhibicion que se han armado, está impresionante!!-. Debo decir que el trabajo museográfico era muy complicado de realizar por la cantidad de documentos, objetos, catálogos, videos y piezas sonoras, pero finalmente creo bastante bien resuelto en el espacio. Las piezas expuestas construían una mirada deshabituada sobre muchos relatos fluxus que han circulado, poniendo esta vez la atención en experiencias conceptuales y experimentales en República Checa, Polonia, Hungría, Bélgica, Rumania, etc. Realmente me impactó, sobre todo el primer piso del espacio. Si alguien tiene la oportunidad de visitarla espero que no deje de hacerlo, y que se compren el catálogo que está realmente barato para las cosas que trae! A ver si logro comentar sobre esto también una vez que estabilice mis tareas y compromisos inmediatos en Lima.
Por otro lado este blog se quedó medio abandonado un rato pero ya está nuevamente activado. Hay muchas notas locales que no pude colgar pero ya las iré subiendo con el pasar de los días.
Y ahora a trabajar como demente que se vienen cosas muy buenas en estos tres últimos meses del año.
Un-gran-éxito!

Rosemarie Trockel en el MALI

ROSEMARIE TROCKEL. DIBUJOS, OBJETOS Y TRABAJOS EN VIDEOPRONTO:

Del 11 de octubre al 11 de noviembre de 2007

Gracias al apoyo del Goethe-Institut Lima y como parte de las exposiciones itinerantes del Institut für Auslandsbeziehungen e.V. - Instituto de Relaciones Culturales Internacionales del gobierno alemán (IFA), llega al MALI una contundente selección de obras de Rosemarie Trockel (n. 1952), una de las más importantes figuras del arte contemporáneo alemán.

Desde sus inicios en la década de 1970, la obra de Trockel se ha distinguido por su veta crítica, su cuestionamiento al orden social, al sistema del arte y a las identidades establecidas de género. En su permanente indagación en torno al flujo de las identidades, la artista ha explorado ideas sobre el cuerpo, la metamorfosis del sujeto, los animales, los fenómenos de la moda, la celebridad, la belleza y los íconos sociales femeninos.

La exposición incluye una amplia selección de videos, dibujos e instalaciones, todos medios que la artista ha explorado y combinado de forma sistemática a lo largo de su carrera. En la exposición destaca su sorprendente Máquina de Pintar (1990), compuesta por 56 pinceles hechos con cabellos de sus colegas artistas –cuyos nombres aparecen allí grabados–. Utilizando estos pinceles/cabellos, Trockel crea una serie de dibujos; cuestionando así el tema de la autoría de la obra artística.

Planifique su visita:
Sala Temporal del MALI.
De jueves a martes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. (miércoles cerrado).
Ingreso: boletería.

• “Cuestión de género”
Conversatorio sobre Rosemarie Trockel y la mujer en el arte contemporáneo.
Co-organizado por el MALI y el Goethe-Institut Lima.
Fecha: martes 23 de octubre de 2007Hora: 7:30 p.m.
Lugar: Auditorio del MALI
INGRESO LIBRE

Artist's Talk: Roberto Jacoby + Upcoming events - Americas Society

Artist's Talk

Roberto Jacoby
Wednesday, October 10, 2007
6 p.m.

Americas Society
680 Park Avenue
New York, NY, USA

Free Admission

Buenos Aires-based artist Roberto Jacoby participated in the Centro de Artes Visuales of the Instituto Di Tella. In 1966 he co-published the "Primer Manifiesto de Arte de los Medios". He also took part in "Tucumán arde" and has produced various performances, events and happenings. He is currently participating in the exhibition Beginning with a Bang! on view at the Americas Society until January 5th. Jacoby will discuss his numerous diverse projects and collaborations over the course of his career. The artist's talk will be introduced by New York based artist and critic Nicolás Guagnini, who is a founding member of Orchard Gallery. Reception to follow.

Almost all of Roberto Jacoby's work has been collaborative. In 1966, he proposed a dematerialized art genre that made use of social material, the mass media, and various communication structures; the first of these works was produced by the group arte de los medios. In Mensaje en el Di Tella (1968), he formulated art as the "design of new life forms." In 1969, after the Tucuman Arde communications campaign and the publication of the clandestine magazine Sobre, he gave up working in the visual arts and instead investigated social conflict and political epistemology. In the 1980's, he wrote songs for the pop group Virus and organized multimedia parties and shows, among others, for the Club Social Deportivo y Cultural Eros, an anti-discotheque movement in neighborhood clubs. Later, he developed and promoted Fabulous Nobodies, a productless brand, and Yo tengo sida, an anti-discrimination campaign. Since 1998, he has been involved in conceiving and dev eloping networks of artists and non-artists, such as the online database Bola de Nieve, the Chacra99 workshop, the magazine Ramona, the Proyecto Venus micro-society, He published the novel Moncada with Jorge Di Paola and the booklet OrgÌa. In 2001 he held his first solo show at the GalerÌa Belleza y Felicidad. He presented Darkroom, a performance for infrared rays and a single viewer, at that same gallery, and subsequently in MALBA in 2005. He also started CulÌsimo, an ongoing project on prisons as language factories. In 2006, he created Darkroom III, an audiovisual installation for four viewers at the 29th Pontevedra Art Biennial.

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Currently on view
Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy
An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960-2007
Guest Curator: Victoria Noorthoorn
September 28, 2007 to January 5, 2008

Gallery Hours: Wednesday - Saturday 12-6 PM

The exhibition proposes a movement between two artistic scenarios and is organized into two distinct sections. The first, a selection of action-based projects by Buenos Aires-based artists: Marina De Caro; Ana Gallardo; Graciela Hasper; Roberto Jacoby, in collaboration with Syd Krochmalny; Fabio Kacero; Fernanda Laguna; Patricio Larrambebere; Eduardo Navarro; Leandro Tartaglia; and Judi Werthein. The second, a documentary section organized as a timeline from 1956 to 1976 that focuses on actions and performing gestures by Alberto Greco, Marta Minujín, Roberto Jacoby, the mass media art group (Eduardo Costa and Roberto Jacoby, Raúl Escari, and Juan Risuleo), Pablo Suárez, and Federico Manuel Peralta Ramos among othersExhibition catalogue available through Harvard University Press.


Upcoming Public Programs:

Vis-à-vis: Dialogues between Artists and Curators from the Western Hemisphere with Analia Segal and Deborah Cullen
Thursday , October 25, 6:00 p.m.
This program is co-organized with El Museo del Barrio.

Vis-á-vis: Dialogues between Artists and Curators from the Western Hemisphere: Teresa Margolles and Maura Reilly
Thursday, November 1, 2007

Panel Discussion: Alex Alberro and Ana Longoni on "Destruction in Argentine Art from the 1960s and 1970s"
Wednesday, November 14, 6:00 p.m.

Reservations are requiredPlease email culture@americas-society.org or call (212) 277 8359We gratefully acknowledge the following donors for their generous support: Teresa de Bulgheroni; Banco Hipotecario; Falcon Properties; Fundación arteBA; Fundación Exportar, Secretary of Trade and International Economic Relations, Argentina; HaudenschildGarage, Eloisa and Chris Haudenschild; Pinta-Art, LLC; and Alejandro Quentin.

Charla - Exhibicion en Lugar a dudas

Berlín Berlín Berlín

Terminó el workshop de Stuttgart. Las discusiones estuvieron realmente interesantes y creo que se pudo conversar de forma más productiva y extensa que en la pasada reunión en Barcelona. Quisiera comentarlo pero el tiempo es para mí, en estos días, muy corto. Acabo de llegar a Berlín muy temprano esta manhana, viajé en tren y prácticamente pude ver el amanecer en la ciudad lo cual fue bastante impresionante. Da la casualidad que ahora mismo hay en Berlín cuatro ferias de arte, lo cual es particularmente significativo no por su trascendencia sino por la resonancia mediática y comercial que parece ir adquiriendo, en la ciudad, este tipo de eventos. Ahora pasé rápidamente por 'Preview Berlin. The Emerging Art Fair', ubicado en el Berlin Tempelhof Airport, y por un iluso momento pensé encontrar arte joven, reciente y audaz pero lamentablemente me topé con formatos convencionales, pocas ideas, pocos recursos, y muy poco riesgo. Tampoco esperaba demasiado pero si debo admitir que fue una decepción. Habían galerías de varios lugares de Europa, tal vez una de las más interesantes era una holandesa llamada V1. Habían allí unas fotografías de un joven artista holandés llamado Peter Funch que tenían mucha proximidad con varios proyectos de Philipe Lorca Di Corcia. En otro espacio encontré un artista croata llamado Igor Eskinja que tenía algunos proyectos que me interesaron muy ligados a la perspectiva y al sitio específico -algo medio entre Jan Dibbets y Michael Craig Martin-... Pero en fin, la cosa es que no fue muy alentador este comienzo de exposiciones. Manhana tal vez me de un salto por la Berliner Kunstsalon, que es otra de las ferias y esta -se supone- de corte más experimental. Y luego ya intentaré pasar por algunos Museos que lucen más prometedores.
Pude ahora también encontrarme por la tarde con Tania Bedriñana, da la casualidad que ella va a inaugrar este 12 de octubre una expo en la Galerie Ulf Wetzka aquí en Berlín. Una pena que no pueda estar en el opening -me regreso a Lima el 9- pero ahora pude ver varias de las piezas en su taller en la Kunstfabrik am Flutgraben y me gustaron. Otra increible coincidencia fue encontrarme con Harm Lux luego de casi dos anhos. Harm Lux es un curador holandes que pasó por Lima hace como dos anhos para dictar un workshop sobre curaduría en el Goethe, fue muy emocionante conversar de nuevo con él y recordar ese entusiasmo tan particular y delirante que lo caracteriza, casi como una inyección de energía. Y por cierto: manhana inaugura la exposición de Yuyanapaq aquí en Berlín!, muy cerca de donde me estoy quedando -no recuerdo el nombre exacto del lugar-. No estoy seguro de poder ir a la inauguración pero ojalá pueda darme un salto luego.

En líneas generales solo puedo decir que esta ciudad es impresionante, pocas veces he tenido esta confrontación tan extranha y fascinante con algo tan inesperado. Solo se que la sensación de pasear hoy por la parte Este de Berlín no la cambiaría por nada del mundo, y que este espacio del mundo se está convirtiendo en un extranho imán personal. La cantidad de graffitis y los comentarios políticos que llenan un gran segmento de la ciudad han hecho de mi parcial recorrido un camino acompanhado por miles de voces de conflicto y contradicción. Ver además las huellas arquitectónicas del extremo socialista y los cambios que está sufriendo esta parte de la ciudad es impactante, la noción misma de historia y memoria inscritas allí en el caminar cotidiano. Otra cosa que me resultó fascinante mientras recorría la ciudad con Carlos León por la manhana fue ver uno de los extremos del 'muro' de Berlín, e incluso pasar por uno de las construcciones más grandes de la alemania nazi. Ahora he seguido caminando sin rumbo preciso por Kreuzberg que me encanta, este lugar tiene una vida tan de barrio, casi pobre pero llena de pequenhas tiendas y cafes, y sobre todo una comunidad turca muy numerosa por todos lados. Bares, restaurantes chinos y vietnamitas y una que otra libreria con la cual me tropece involuntariamente para comprarme un libro de Chris Ware y otro sobre caratulas de vinilos de 45'' de punk 1976-1979 que esta realmente fabulosa. Vi por ahí otro libro sobre arte contemporáneo ingles en la epoca del punk setentero que no llegué a comprar y uno sobre alguna gráfica sicodélica de los 60´s. Y aunque hoy no era día de librerías fue bonito toparme con alguna de estas cosas.

Ahora debo seguir andando; y también disculparme de paso por no poder actualizar seguido este blog, pero el acceso permanente a una pc me lo impide. Es curioso que habiendo viajado solo no haya tenido aun un pequenho espacio de soledad en estas ciudades. Hay tantos amigos por todos lados, incluso parece imposible poder verlos a todos. Este miércoles me doy además un salto de tres días a Venecia para ver la Bienal. No pudo conmigo la curiosidad y al final me compré el pasaje hacia Italia, y es que al estar tan cerca creo que vale la pena hacer el esfuerzo de verla directamente. A la Documenta ya no llegué pero creo que podríamos intentar hacer que Sharon Lerner nos cuente algo de su largo periplo por Kassel, je. Ya daré más noticias pronto.

Programa Internacional Becas de Residencias - Lugar a dudas

Hernan Pazos en Vertice

El jueves 27 de setiembre pasado inauguró Hernán Pazos en la galería Vértice de San Isidro.

Break en Stuttgart

Escribo desde el pequeño break de 30 minutos que tenemos para comer un sandwich, aprovechando que mi amiga Valerie me presto su mac, que tengo un dolor de cabeza que no me permite comer mucho y que el jet lag continua haciendo estragos en mi cuerpo. La sesion de ayer estuvo muy significativa, una lastima que esto solo dure dos dias y un poquito mas, pues las discusiones son para ahondarlas mucho. Comenzo Valerie y Antoni Mercarder hablando sobre el proyecto Vivid Radical Memory, los cambios estructurales internos y el giro metodologico y clasificatorio que ha tenido la web luego de la sesion y la discusion que tuvimos en Barcelona, lo cual me parece significativo en tanto permite cubrir un rango mayor de complejidad que no se pueden restringir unicamente a reducir una obra a una foto y una descripcion. Luego Iris Dressler intento pensar las complicaciones y posibilidades que existen para las practicas conceptuales al ser llevadas al espacio de exhibicion. Tere Badia e Ivan Orellana comentaron sobre redes culturales y dinamicas sociales.
Luego la cosa se puso mas buena, Daniel Garcia Andujar presento algunas ideas en torno a su proyecto Postcapital y sobre un modo de referir la historia a traves de documentos, videos, imagenes cuya friccion deliberada tenia que suscitar diversas polemicas entre nosotros. No puedo tener una opinion formada e integra del proyecto puesto que su presentacion fue muy parcial pero sirvio definitivamente para pensar modos de inscripcion historica. Laszlo Beke hizo un señalamiento interesante en torno a las fisuras que se generan siempre en relacion a este tipo de proyectos. Yo tambien tuve muchas dudas mas ligadas a los procesos de construccion epistemica que se ponen en juego, pero que imagino que ese mismo proyecto estan puestos tambien en duda. Recorde de pronto, y aunque tal vez no tenga nada que ver, la pelicula de Olivier Debroise llamada Un banquete en Tetlapayac que vimos en Bogota en la Catedra sobre Arte y Accion politica. Una pelicula muy significativa puesto que jugaba directamente con un film fracasado de Eisenstein y que parece que ahora tampoco voy a poder comentar porque se acaba de terminar el break. (!)
Ja, queda pendiente desarrollar todo entonces. Me gusto mucho la presentacion de Cordelia Martens sobre ciertas experiencias conceptuales del aleman Robert Rehfeld muy poco conocidas. Ahora por la mañana tambien tuvimos una aproximacion muy significativa sobre practicas conceptuales rumnanas, de las cuales no conocia nada.
No se que tipo de post es este pero si se que tengo muchas ideas dando vueltas luego de lo de ayer, varias sobre todo ligadas a mi presentacion y a los dialogos que se armaron al respecto, a ver si mas tarde me doy un salto por un cafe-internet, aunque faltan aun cuatro presentaciones aqui en el Kunstlerhaus y el dia promete ser laaaargo.

Primer reporte desde Stuttgart

Debo disculparme por haber descuidado en algo el blog este mes pero la cantidad de compromisos cruzados ha hecho imposible que me siente de forma constante a postear. Ahora mismo escribo desde Stuttgart (Alemania), llegue ayer por la tarde, es decir hace menos de 24 horas. El viaje fue largo y agotador pero bastante tranquilo. Lo primero que hice al llegar a la ciudad fue diririgirme, con maletas y todo, al Kunstverein (http://www.wkv-stuttgart.de/) para encontrarme con Iris Dressler, la directora, y conversar durante un par de horas varios aspectos de los temas que nos reunen nuevamente.
Este segundo encuentro se perfila bastante bien, mucho mejor y mas afinado incluso del que tuvimos en el MACBA en Barcelona en mayo pasado. De hecho, una de las interrogantes principales planteadas por Iris al momento de convocarnos fue pensar la problematica que implica volver a poner en escena ciertas experiencias, acontecimientos del conceptualismo temprano o estrategias de comunicacion producidas por fuera de la institucionalidad, sin que ello implique una reduccion de
su potencialidad critica. Aunque claro, la contrapregunta es justamente si la mejor via para poder recuperar y reposicionar
aquellas experiencias es el espacio expositivo. Y las respuestas, en ese aspecto, vienen definidas por la especificidad de cada situacion.
De hecho recordaba -y le comentaba a Iris- que en el pasado Simposio en Mexico pude examinar dos formas de inscripcion interpretativa muy diferentes sobre un mismo suceso. Por un lado, la presentacion que hizo Patricia Rizzo alrededor de su reconstruccion sobre Experiencias ´68 en la Fundacion Proa, a 30 anhos del suceso original; y por otro, la recomposicion historica que ha procurado Ana Longoni desde su libro ´Del Di Tella a Tucuman Arde´ que ya habia leido mas de una vez, y en el cual analiza la deriva toda de lo que ella y Mariano Mestman llaman 'el itinerario del 68'. Contrapuesto asi, me parecia interesante comprobar las limitaciones evidentes del espacio exhibitivo para la correcta impregnacion de la densidad politica e historica que aquel acontecimiento arrastra, y que en el espacio de escritura se permite poner en friccion no solo la narrativa que Longoni y Mestman articulan sino tambien una serie de opiniones a traves de entrevistas a protagonistas varios que acentuan un conflicto que sobrepasa la mera materialidad de la obra. Incluso pienso que hubiera sido bueno que Ana nos acompanhara esta vez porque dada las condiciones de esta nueva discusion un caso como el de Ex-Argentina podria acaso echar luces criticas para pensar operaciones curatoriales de recuperacion desde un contexto ajeno.

En fin, ya pasando a otro tema debo decir que Stuttgart esta espectacular, al parecer -segun me comentaba Iris- esta ciudad es una de las mas boyantes y ricas de Alemania. Efectivamente el lugar es precioso y el Kunstverein es imponente, ya una amiga me habia comentado que esta institucion era una de las mas respetadas en el pais. Iris y Christ -quienes dirigen el espacio- estan curando actualmente una retrospectiva de Stan Douglas que se ve fabulosa y de la cual tendremos un tour en las proximas horas. El anho pasado estuvo tambien exponiendo por aqui nuestro querido Fernando Bryce, y tambien Antoni Muntadas, cuyos catalogos estan bastante bien. Aunque el catalogo que me ha impresionado ha sido el de Anna Oppermann en este mismo espacio. Hoy dia amanecio bastante lluvioso pero felizmente ha parado ya. Y bueno ya comentare mas una vez que comiencen las discusiones, ahora intentare caminar y descansar un poco mas. (disculpen la omision de tildes pero nunca pude encontrarlas en esta mac).

Dos exposiciones en galeria 80m2

Se inauguran dos exposiciones en la galeria 80m2:

Sala I
SOLO PARA I[NN]ICIADOS
Primera exposición individual del artista Alfredo Márquez.
Inauguración miércoles 26 de septiembre 7:30pm.
Conversatorio miércoles 03 de octubre 7:30pm.
Del 26 de septiembre al 20 de octubre.

Sala II
CALLE ROJA
Exposición individual del artista Sebastián Solari.
Inauguración miércoles 26 de septiembre 7:30pm.
Conversatorio miércoles 10 de octubre 7:30pm.
Del 26 de septiembre al 20 de octubre.

Entrevista a Jaime Iregui (Esfera Pública)

Rolling Stone, la Esfera rodando en lenguas
por Victor Albarracín

Esfera Pública es un grupo de discusión sobre arte, que a partir de su sitio en Internet (www.esferapublica.org) y su lista de distribución de correos ( http://groups.yahoo.com/group/esferapublica/ ) ha conseguido, en el curso de los últimos siete años, consolidarse como un escenario privilegiado de información, crítica y diálogo en torno a múltiples aspectos del campo artístico en Colombia, dando voz a posiciones diversas y encontradas y convirtiéndose en, quizás, la fuente más completa para acercarse y participar de los debates en torno al arte nacional de los últimos años. A partir de la invitación que Documenta 12 le hizo a Esfera Pública para participar en su espacio para proyectos editoriales independientes, donde actualmente se encuentra Jaime Iregui, fundador del grupo, aprovechamos la ocasión para plantearle no tantas preguntas como habríamos querido.

Victor Albarracín: Lo primero y más obvio en este momento: ¿Qué hace Esfera Pública en Documenta?

Jaime Iregui: Esfera Pública fue invitada a participar en Documenta 12 en el proyecto Documenta 12 Magazines (D12M), que convoca a más de 80 proyectos editoriales independientes de distintas partes del mundo.

Para un espacio de discusión como Esfera Pública, donde se ha reflexionado críticamente en torno a las grandes exposiciones, esta invitación generaba preguntas sobre el sentido de participar en una exposición como Documenta: ¿Cómo participar?, ¿Qué implicaciones tendría para un espacio como Esfera Pública? ¿Tiene algún interés para sus miembros reflexionar en torno a las preguntas que propone Documenta?

Por una parte, algunos participantes manifestaron temores de que Esfera Pública fuese "absorbida" por una exposición tan emblemática. Por otra, se pensó que la independencia del espacio se viese comprometida o que fuese a alterar sus dinámicas de discusión para adaptarse al formato que se propone desde Kassel.

El formato de D12M está pensado específicamente para magazines y publicaciones impresas lideradas por un editor o comité editorial que define un tema y encarga los artículos a una serie de colaboradores. Cada proyecto invitado es independiente de definir –de acuerdo a sus propias dinámicas y criterios editoriales- cómo participar: si con un número determinado de artículos, una edición especial, un seminario, etc.

Los espacios de discusión (sólo participan dos: Empyre, de Australia, y Esfera Pública) tienen dinámicas muy distintas; en el caso de Esfera Pública, los "temas" no están predeterminados, surgen de las mismas discusiones. De esta forma, la sola publicación en el foro de la invitación a Documenta generó una serie de participaciones que planteaban que el reto no era tanto si aceptar o no la invitación, sino cómo participar.

Por otra parte, tanto para los magazines impresos, como para las pocas plataformas on line invitadas el participar en D12M, se abre una oportunidad para establecer vínculos, intercambiar contenidos y, en suma, conocer cómo trabajan, qué piensan, y qué tipo de propuestas editoriales pueden emerger de este encuentro.


VA: ¿Cómo se dio esta participación?

JI: En mayo del 2006 recibí por correo electrónico un mensaje de Cordula Daus, coordinadora editorial de D12M, donde me decía que estaban muy interesados en que Esfera Pública participara en el proyecto. Este correo me llegó de forma imprevista, pues no tenía conocimiento de que Documenta estuviese trabajando en torno a propuestas editoriales independientes. Es más, cuando recibí el correo, pensé que era una broma de algún miembro de Esfera.

Desde ese momento se dio un diálogo constante con Cordula Daus, donde intercambiábamos opiniones tanto sobre los modos de discusión de Esfera Pública, como sobre los planes que tenían en torno a D12M, entre ellos el de una plataforma on line que diera cabida a las contribuciones de las publicaciones invitadas.

Para las posibles contribuciones de Esfera Pública, lo primero que hice fue enviar una invitación a todos sus miembros para que, en caso de estar interesados en reflexionar a partir de los temas de Documenta, enviasen sus propuestas. Igualmente, así estas preguntas pudiesen resultar interesantes, lo importante era contextualizarlas, repensarlas y, en lo posible, redefinirlas en relación al contexto local. Tal fue el caso de una serie de artículos y entrevistas que se publicaron el año pasado donde se retomaron temas e inquietudes que se habían generado en torno a las prácticas de discusión de Esfera Pública y que a su vez generaron otros debates, como fue el caso, entre otros, del que se dio a partir del artículo "Asuntos Internos" de Guillermo Vanegas, la entrevista al grupo de investigación "Un lugar en la Plástica", las entrevistas en torno al tema del cubo blanco como propuesta de la modernidad, donde se tocaron aspectos que se encontraban en discusión en ese momento, como el de la relación del arte contemporáneo con los espacios patrimoniales, las dinámicas de los salones regionales y el cubo blanco como contexto ideológico e institucional.

VA: Si Esfera Pública, entendida como una plataforma colectiva difundida en Internet, está presente en Documenta, ¿podemos asumir que sus discusiones trascendieron el entorno local y tienen, en este momento visibilidad e interés internacional, o más bien, como suele ocurrir con múltiples proyectos locales exhibidos en macroeventos, se trata de uno más de los ejercicios coloniales de curadores internacionales que vienen al trópico para cazar prácticas exóticas?

JI: De los cerca de tres mil afiliados a Esfera Pública, un buen porcentaje vive fuera del país. Se trata de lectores de diversos lugares de Latinoamérica, EE.UU. y Europa. Imagino que entre ellos se encuentran colombianos que viven y estudian en el exterior. Sin embargo, cuando he tenido la oportunidad de viajar a ciudades como Caracas, Buenos Aires y Sao Paulo, me he encontrado con gente del lugar que sigue los debates con alguna regularidad, sobre todo aquellos que permiten una lectura desde otros contextos, como los que han tratado en torno al papel de la crítica, el mercado y la educación. Por ejemplo, fue a través de un crítico de nuevos medios que vive en Buenos Aires que el equipo de D12M se enteró de Esfera Pública, luego volvieron a saber de ella en Barcelona y en Berlín. Lo que precisamente más les interesaba era que sus debates, así tuviesen un marco "local", trascendían a públicos de otros países.


No tengo datos precisos sobre cuánta gente estará visitando la muestra de D12M en el Documenta Halle, la versión on line de este proyecto, o leerá la versión impresa de los Documenta magazines que distribuye la editorial Taschen en las librerías. Sin embargo, no creo que el problema de visibilidad y reconocimiento deba ser abordado únicamente desde criterios cuantitativos. Creo que todo este asunto apunta a conectar proyectos que de alguna forma trabajan a nivel local, y que seguramente no van a perder ese tono local por conocer qué se piensa y qué se escribe en otros lados. Me parece que es sano saber qué pasa en otras partes y contar con otros interlocutores, sin temer que por hacerlo uno va a perder su espíritu y su especificidad.

Si tenemos en cuenta que sólo hay dos espacios de discusión entre los 80 invitados a D12M, Esfera Pública es sin duda una planta exótica, con unas dinámicas de discusión que los organizadores de D12 aspiran a que germine en su plataforma on line, en la que hasta ahora sólo se han dado breves alegatos en torno a aspectos logísticos y organizativos del mismo proyecto. Todavía hay que esperar (la plataforma estará on line por un tiempo indefinido) y ver si se generan discusiones en torno a sus contenidos.

El proyecto de D12M ocupa un lugar en el Documenta-Halle y los proyectos están presentados de modo bastante horizontal -en donde es tan relevante lo escrito en Filipinas como en Ámsterdam o Berlín- sin caer en modos de disposición jerárquicos, espectaculares o exotizantes. Es básicamente un espacio para la lectura, la consulta y la conversación. Nada más. Se hace énfasis en que se trata de un proyecto en proceso, donde lo que importa no es el "valor expositivo", sino el discursivo.

VA: Una iniciativa como ésta resulta poco típica en un entorno en el que los espacios independientes colapsan, las publicaciones difícilmente superan el primer número y muchos artistas no consiguen construir una plataforma sólida para la difusión de su trabajo. ¿Cómo ha logrado Esfera Pública mantenerse y superar todos los problemas ligados a su funcionamiento durante estos años?

JI: Esfera Pública se mantiene por el bajo costo de las tecnologías utilizadas , pero fundamentalmente porque a sus afiliados les interesa participar, ya sea escribiendo o siguiendo sus debates. Consultan sus archivos, revisan debates y artículos. Es decir, así como es espacio de debate, lo es también de documentación y archivo. Como moderador, me interesa que Esfera Pública siga siendo tal y como se define desde un comienzo: un espacio de discusión en la que distintos puntos de vista se comunican y, eventualmente, se transforman en opinión pública.

VA: Por último, ¿qué le espera a Esfera Pública ahora? ¿Hay mutaciones o ampliaciones a la vista? ¿Es este un proyecto abierto indefinidamente, o se ha contemplado la posibilidad de darle un giro drástico para redirigirlo o incluso cerrarlo?

JI: Hay varias cosas, pues el espacio tiene diversas capas o niveles que operan con reglas y periodicidades distintas. A mediano y largo plazo, Esfera Pública como espacio de discusión se mantendrá como lo ha venido haciendo desde el comienzo: intervenciones en torno a las prácticas institucionales (curadurías, premios, manejos institucionales, etc) y situaciones específicas que emergen en el medio local. Desde hace dos años se ha venido consolidando un espacio de auto-reflexión sobre la crítica de arte que a su vez señala a Esfera Pública como uno de sus espacios de producción. Se trata de investigaciones como "Aprender a discutir", de Guillermo Vanegas, y artículos como "La crítica de arte en Colombia: amnesias de una tradición", de William López. En esta medida, últimamente se está cuestionando a la crítica que se hace desde el espacio por no intervenir y aportar soluciones de cara a las instituciones o situaciones que son objeto de su crítica. Por ahora, una de estas soluciones -en este caso, al problema de la falta de crítica de exposiciones- ha sido el seguimiento a las muestras del Premio Luís Caballero a cargo de Lucas Ospina y Jorge Peñuela, que generó un conjunto de artículos de fondo, así como una serie de discusiones que enriquecieron las posibilidades de interpretación de las obras, la misma práctica crítica y su modo de relación con el público que ha seguido estas exposiciones.


A corto plazo habrá una especie de micro-seminario on line en torno a D12M y la exposición en que se inserta, Todo este material surge de la presentación de Esfera Pública en Kassel, que se hizo en el Documenta Halle. Se trata de video-entrevistas, imágenes y textos, así como enlaces a otras publicaciones. La idea, como lo mencioné anteriormente, es que los afiliados a Esfera Pública tengan acceso a procesos y proyectos similares que operan en otros países. Así mismo se realizarán una serie de conferencias que con el título de "Recorridos y derivas por Documenta12, MDE07 y Munster", tendrán lugar en la Universidad de los Andes, donde soy profesor del Departamento de Arte.

En resumen, más que crecer, ampliarse, diversificarse o redirigirse, lo que creo le espera a Esfera Pública es seguir por el camino que va, haciendo los cambios que se consideren necesarios y evitando en lo posible toda pulsión expansiva que desdibuje las dinámicas que hasta ahora le dan forma y contenido: el debate y la discusión alrededor de eventos y situaciones del medio artístico en Colombia."


(la presente entrevista fue realizada especialmente para Arteria y circulada por Esfera Pública)

El arte de mirar atrás (y despedirse) - por Diego Otero

El arte de mirar atrás (y despedirse)
Por Diego Otero

Luego de presentarse con éxito en Arequipa, la nueva serie de cuadros de Christian Bendayán llega a la Sala Miró Quesada. La muestra se titula XXXIII, y no solo señala la edad del pintor, también subraya una provocadora voluntad de despedida, de cambio, de resurrección.


En XXXIII hay un cuadro que parece condensar la trayectoria de Christian Bendayán. Un cuadro que funciona como síntesis discursiva y como arte poética. Se llama Orilla, y está diseñado sobre una línea diagonal que parte en dos mitades exactas la composición. A un lado, los azules de un río que parece un cielo turbio; al otro, la tierra mojada y los brotes de vegetación que anuncian la selva. En el límite de ambos espacios, como varado por no se sabe qué fuerzas, yace un personaje ambiguo: un travesti que es también una sirena, o que en verdad no llega a ser ninguna de esas dos cosas. Y ahí está la tensión: no se sabe qué es el personaje; no se sabe si quiso escapar del agua o volver a ella; no se sabe si respira. El cuadro es magnífico porque sostiene su sentido en la estrategia visual; todo es límite en él.

Bendayán es un artista que ha concebido y realizado su obra en las arenas movedizas de los límites: lo popular y lo culto; el mito y la provocación; lo urbano y la selva. Y esa pugna está siempre detrás de la voluptuosidad de sus imágenes, y por eso la euforia en sus personajes parece estar siempre a punto de dar paso al declive. "Si es que no lo ha dado ya, como en muchos cuadros", sostiene Bendayán. "Aunque eso también tiene que ver con la fragilidad del loretano, disimulada en su temperamento festivo". Es como si en última instancia la obra se hubiera erigido como una representación de lo descentrado, lo que busca un lugar, lo que se sostiene a pesar de la falta de equilibrio. XXXIII, al plantearse como el relato de esa historia, opera también como una clausura; como el anuncio del fin de un largo ciclo.

Es claro que has desarrollado tu trabajo desde esa especie de no lugar, de espacio sin centro, pero también lo es que en los últimos años has alcanzado un reconocimiento que en ese contexto parece paradójico. ¿Es ese el asunto detrás de XXXIII?
-Creo que sí. Uno como artista es muy consciente de muchas cosas en su carrera, pero muy inconsciente de otras. Y yo creo que si de algo soy absolutamente consciente es de las rutas de mi producción: a estas alturas pienso que hay cosas que quisiera hacer y no puedo por estar cumpliendo un rol, por estar siendo una especie de representante de ese espacio sin centro al que te refieres.

Un espacio en el que ya no te reconoces, además.
-Sí, porque ya no asumo ese rol. Esta exposición se ha trabajado casi sin prensa, y se está presentando por segunda vez, con los gastos totalmente cubiertos. Esa es una situación inusual, que me coloca en otro lugar. En ese sentido, decir que soy una especie de representante de los descentrados sería fingir o no aceptar la realidad. Y por eso he trabajado esta muestra como un intento de fijar las líneas de mi trabajo previo, y de pintar los cuadros que siempre quise pintar hasta hoy, para sacarme un peso de encima y empezar a pensar en otras formas de trabajo, en otros formatos.

Una (nueva) reinvención
En XXXIII hay tres grupos de pinturas definidos, y esos tres grupos funcionan como líneas que agrupan y sintetizan las rutas llevadas a cabo por el trabajo de Bendayán hasta hoy. Por un lado, los travestis y su juego de mascaradas, veladuras y alegrías aparentes. En el universo de Bendayán, los travestis -con su vocación por el escenario y la fantasía- parecen encarnar la problemática de la representación, pero también un ímpetu de audacia y coraje, así como un desgarro secreto. De otro lado, un conjunto de pinturas que recorre algunos mitos amazónicos y las fricciones que estos sufren al enfrentarse a una mirada contemporánea, mordaz. Y finalmente, los cuadros de la serie Domingo de Ramos, que enhebran hábilmente estrategias gráficas, ecos de una estética de álbum familiar y guiños a un cierto tipo de retrato popular escenificado.

Todas las reinvenciones que el trabajo de Bendayán ha sufrido en el pasado, pero con los ojos del presente. Todos los climas vistos desde lejos, todas las transformaciones contempladas casi como si fueran fenómenos de la naturaleza. Eso es XXXIII. De ahí que un aire de nostalgia y de separación impregne a las telas, y de ahí también que la mirada oscile entre la ironía provocadora y la compasión. "Creo que estoy cansado de mi trabajo, pero no aburrido", sostiene Bendayán. "Empiezo a sentir que algo empieza a desgastarse en mi forma de pintar, y eso es lo que quiero evitar". Ahora se trata de dejar que las imágenes se alejen. Se trata de aprender a mirar atrás, y despedirse. Recuadro Selección Bendayán En paralelo a XXXIII Christian Bendayán ha venido trabajando en un libro de formato grande que es otra forma de fijar las diversas líneas de su trabajo y cerrar un ciclo. Con textos de Gustavo Buntinx y Rodrigo Quijano, Bendayán -ese es el título de la publicación- incluye un portafolio de cuadros realizados entre el 99 y el 2007, así como una cronología acompañada de una interesante (y poco conocida) muestra de pinturas realizadas entre el 94 y el 98. El libro se presentará el viernes 28, y estará en librerías desde la próxima semana.

(publicado en el Suplemento El Dominical, del diario El Comercio, el domingo 23 de setiembre de 2007)

La historia descubierta

La historia descubierta*
Por Rebeca Vaisman

No quería ni parque de diversiones, ni cine. Cuando, de niña, pedía ser premiada, en casa tocaba día de mercado. O de ida a La Parada, si la hazaña infantil había sido muy especial. "Era lo máximo", recuerda, y muy bien, ahora que ha pasado el tiempo y ya no vive en Jesús María sino en Chaclacayo, con su esposo e hijos, desde hace diez años.
Recorre todos los días la Carretera Central. Va despacio para encontrar entre los camiones algún tapabarros que le guste. O alguna de las faldas que se consiguen, baratísimas, en el mercado de Ceres, "y que cuando te la pones y queda regia, alguien se acerca y te pregunta si es de Dior... ¡En serio!, me lo han preguntado...", asegura, pero sin necesidad: la cojudez siempre es muy probable.
También hay peligro, contaminación y caos. No le interesa mitificar nada.
Cree que ha tenido suerte en ver lo que ha visto. Y no se excusa cuando explica que ha tomado de eso lo que ha querido. "Descaradamente", afirma.

"El Repase" es el nombre de la muestra antológica que reúne los últimos quince años de trabajo de la artista plástica Susana Torres (Lima, 1969). El título apela al recorrido que supone una obra reunida, pero también a la costumbre bélica de ultimar –"repasar"– a los heridos caídos. Que ha quedado, quizás, como imagen de una Guerra del Pacífico que hasta ahora, dos siglos después, sigue siendo una suma de almas en pena.

La referencia histórica del título no es gratuita. Se buscó que las series y piezas elegidas para conformar la muestra representen momentos claves del devenir nacional. "Podría decir que van desde sueño de San Martín hasta las nostalgias imperiales", explica Torres. “Es como una visión de los logros y los fracasos republicanos”. Logros y fracasos que se arrastran hasta este novísimo siglo XXI y se reflejan en la mirada de los peruanos. Y en el espejo."Siempre me ha interesado trabajar sobre la identidad", dice la artista. "Para ello, mezclo mi propia historia con la de la comunidad que me compete. Por ejemplo, para la época de mi primera muestra individual, 'La Vandera', yo comienzo a aprender lo que es ser un ama de casa. Entonces, mi trabajo habla de las rabonas y del heroísmo en la vida cotidiana. Yo no iba a hablar de mí porque, ¿a quién le interesa? Pero sí de la posibilidad de ser libertador, incluso desde la condición de esclavo".

Torres se apropia de típicos símbolos considerados patrios y los saca de sus pedestales para volverlos cotidianos. Pero también se da tiempo para hacer lo contrario y descubrir objetos comunes y corrientes que han devenido en nuevos (y quizás más reales) símbolos de la patria. Para ella, si una bandera blanquirroja puede ser lavada y planchada, bien pueden jabones Bolívar y botellas de Inca Kola lucirse en un museo.

Pero ni siquiera quince años de búsqueda, a través de herramientas plásticas y performáticas, le han dado a Torres respuestas certeras ("La identidad peruana es un montón de verduras, fruta, carnes, metidas en una licuadora"); sí sabe, en épocas en que alguno podría hablar de una apropiación frívola de la simbología nativa o popular (una colorida postura chicha chic), que la identidad no sólo pasa por Sarita Colonia o Chacalón, sino también por experiencias tan distintas y distantes como el Inti Raymi o la misma Inca Kola.

Finalmente, esta primera antológica, que da nuevo orden a su interés por la reconstrucción de la historia nacional, le ha servido a Torres, dice ella, para hacer memoria de muchas cosas. "Y también para darme cuenta que no estoy tan joven. Lo cual me da mucha risa".

* Nota sobre la reciente exposición antológica de Susana Torres aparecida en Caretas Nº 1993.

Hoy Mateo Cohen en El Bodegón (Bogotá)

Mateo Cohen

De esta manera, no afirmamos ni lo uno ni lo otro

viernes 21 de septiembre, 7 pm
El Bodegón
cra 2 # 22A - 08

Pero él sólo hace de encuadre , se trata de una apariencia: no quiere decirlo todo, ni cualquier cosa [1]

1. La pintura se aplica en varias capas primero sobre una superficie plástica. Luego estas capas de pintura son cortadas en líneas verticales para ser pasadas al bastidor. Como toda línea, estas buscan o tratan de regular el gesto y meditar (pausar) el tiempo que pasa mientras se busca rememorar esa "imagen de la pintura". Todo esto se hace no para encontrar el "que" pintar (otra pintura), sino el como pintar (como ejecutar la pintura) y por consiguiente, como finalmente será presentada la pintura.

2. Luego se procede a desprender nuevamente la pintura previamente aplicada sobre el bastidor de arriba hacia abajo cuidadosamente para que esta pueda ser separada en una sola capa.

3. El resultado es una piel de óleo desgastada que registra los accidentes de la acción de retirar pintura. En el bastidor, queda una memoria (una imagen) de esta misma acción que solo es una colección de rastros y no una composición.

Mañana miércoles inauguración de la exposición "El Repase" antológía histórica de Susana Torres

Este miércoles 19 de septiembre, a las 7:30 de la noche, la Sala Raúl Porras Barrenechea de la Municipalidad de Miraflores inaugura la exposición "El repase", una antología histórica del trabajo de Susana Torres desde los primeros noventas hasta la actualidad.

La artista, también conocida como Susy Xerox, y su producción son piezas fundamentales para entender el rompecabezas de la plástica nacional de las dos últimas décadas y las relaciones nunca fáciles y siempre complejas entre posicionamiento político, interrogaciones de género, activismo cultural y práctica artística.

Reproduzco un párrafo de la hoja de prensa que se nos ha hecho llegar:

"Realizada a iniciativa de Rodrigo Quijano y del equipo de la Oficina de Artes Visuales, esta antología alude en su sugestivo encabezamiento tanto al carácter retrospectivo de la muestra, como al título de una de las más dramáticas piezas realizadas por la artista: una manualidad picto-textil donde la expositora vincula la técnica de costura conocida por ese apelativo, con la igualmente denominada costumbre sangrienta de rematar a los heridos peruanos que yacían postrados tras las batallas de la Guerra del Pacifico".

Desde este blog se recomienda con entusiasmo la visita, goce y disfrute de la muestra. No se la pierdan.

La Sala Raúl Porras Barrenechea está ubicada en el subsuelo del Centro Cultural Ricardo Palma, en la avenida Larco 770, Miraflores. El horario de atención es ente 10 AM y 10 PM, de lunes a sábado y los domingos de 2 a 10 PM. El ingreso es libre.

Este Viernes Si: Una Noche para la Transformación Global

Por una confusión de quien esto suscribe se informó erróneamente de la fecha de la velada en cuestión. Este viernes 21 de setiembre si que es la cosa:

Con motivo de la visita a Lima del analista, periodista e investigador militante, el uruguayo Raúl Zibechi, el Programa Democracia y Transformación Global en el marco de la semana de eventos que lleva por título America Latina en Movimiento invita a Una Noche para la Transformación Global con exposición, videoarte, música, poesía y más...

La actividad es este viernes desde las 5 pm en el entrañable Centro Cultural Social Musical Breña. Jr. Joaquín Olmedo 452. Breña.

I Catedra de Historia y Teoria del arte: arte y accion politica

Programa

Lunes 17 de septiembre (Biblioteca Luis Angel Arango)

8:30 – 9:00: Entrega de escarapelas
9:00 – 9:30: Instalación
9:30 – 10:00: Receso
10:00 – 12:00: El concepto de poder y las prácticas artísticas contemporáneas
Interviene: John Holloway

1:30 – 5:00: Las prácticas artísticas y los procesos sociales: historia, cruces, contradicciones y debates.
Intervienen: Olivier Debroise – Miguel López – William López

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Martes 18 de septiembre (Biblioteca Luis Angel Arango)

9:00 – 12:00: El artista y la acción política
Intervienen: Esteban Rey - Maris Bustamante

2:00 – 5:00: Las prácticas artísticas y la esfera pública
Intervienen: Manuel Santana - David Gutiérrez

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Miércoles 19 de septiembre (Museo de Arte UN)

10:00 – 11:00 Visita guiada en torno a la exposición Agenda m-19
Interviene: Maris Bustamante

2:00 – 4:00 Presentación del libro Negatividad y revolución: Theodor W. Adorno y la política de John Holloway

6:00 – 8:00 Proyección de Un banquete en Tetlapayac
Interviene: William López y Olivier Debroise

cambio de destino

Debo partir de nuevo y aun no puedo linkear bien desde aqui. Estoy volando desde México D.F. a Bogotá dentro de pocas horas para participar de una Cátedra de Historia y Teoría del Arte que con meritorio esfuerzo ha organizado William López desde el Museo de Arte de la Universidad Nacional. Y donde casualmente estaré nuevamente con Olivier Debroise en la misma mesa. Colgaré el programa en el siguiente post. La sede de la Cátedra es la Biblioteca Luis Angel Arango.
Hubiera también querido contar algo más de mi paso por México pero el tiempo me ha ganado. Ya cuando vuelva a pisar tierra tal vez me de un tiempito. Debo una tercera crónica sobre el tema ya que aun tengo varias cosas que contar. Por el momento el cansancio me venció, pero debo decir que ha sido un viaje maravilloso y muy fructífero.
Estaré por Colombia una semana, y me alegra mucho poder regresar luego de un par de meses. Contaré más luego, por el momento a seguir empacando.

Ríos de palabras sobre arte contemporáneo

El día de ayer la artista Mónica Mayer publicó, en su columna del diario Universal, un comentario sobre lad pasadad semanad de conversatorios y discusiones generadas aquí en la ciudad de México. Copio íntegramente su artículo.
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Ríos de palabras sobre arte contemporáneo
Mónica Mayer


Estos últimos días el chubasco de foros y seminarios sobre arte ha sido aún más intenso que los aguaceros que lavan y deslavan a mi querida ciudad de México.

Fotoseptiembre arrancó del 4 al 6 de este mes con el foro Perspectivas: Fotografía y Diversidad en América Latina, en la Biblioteca de México. El 6 y el 7 fueron las Jornadas de Crítica de Arte 2007 de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), en el Centro Nacional de las Artes. Y el 10 y el 11, la exposición La era de la discrepancia: arte y cultura visual en México 1968-1997 empezó a despedirse del Museo Universitario de Ciencias y Artes con el simposio internacional Recargando lo Contemporáneo: Estrategias Curatoriales de Rescate del Arte Reciente.

El tiempo y el clima a duras penas me permitieron asistir a algunas sesiones de los dos últimos encuentros, pero les cuento que me escandalizó y que me fascinó, para darles una idea del rango de ideas que se manejaron.

En un afán por sacudirse un letargo de décadas, la AICA organizó estas jornadas en las que se discutió desde la enseñanza de la crítica hasta su relación con el periodismo. Para mi sorpresa, también hubo una mesa sobre performance en la que incluso se realizarían acciones. Aunque usted no lo crea, todavía hay críticos que rechazan estas propuestas.

Un acierto de las jornadas fue que se las dedicaron a Jorge Alberto Manrique, uno de los críticos más importantes de México, a quien muchos admiramos porque en más de una ocasión sacrificó su chamba como director de museo por impedir que algún político sacara obra o por defender la libertad de expresión.

Un error garrafal de AICA es que originalmente invitaron a la mesa de performance a Víctor Sulser y luego lo desinvitaron porque propuso realizar una acción que viene haciendo desde las elecciones, en la que aparece en actividades culturales portando una banda presidencial. Parece que les dio miedito. De cualquier forma Sulser se apersonó con banderita en mano y la boca tapada. Nadie abrió el pico. ¿Irónico, no?

Recargando lo Contemporáneo fue una delicia. Durante dos días se reflexionó sobre los problemas para recuperar la historia reciente del arte de carácter no-objetual y de fuerte carga contextual. Se habló de las dificultades para rastrear estas obras que, por sus características políticas y materiales, no quedaban albergadas en museos. Se abordaron las soluciones a estos obstáculos, que van desde presentar documentación, reconstruirlas o crear formas de exhibición centradas en la recuperación del contexto y la significación de la obra, más que los objetos mismos.

Este simposio tuvo sabor latinoamericano. Participaron, entre otros, los peruanos Miguel López y Emilio Tarazona, que hablaron de La persistencia de lo efímero. Orígenes del no-objetualismo peruano, una exposición que se inauguró en marzo en el Centro Cultural de España en Lima. También vino Álvaro Barrios, curador de Orígenes del arte conceptual en Colombia, que se inauguró en abril en el Museo de Antioquia. El movimiento en nuestro continente en términos de la recuperación de nuestras historias del arte reciente es impresionante.

La cereza del pastel fue la conferencia de Suely Rolnik, sicoanalista, crítica cultural y curadora brasileña que habló de su proyecto de investigación y exposición sobre Lygia Clark, que se centró en 63 entrevistas. La suya es una forma creativa, cálida y profunda de acercarse a la obra de una artista y transportarla al presente.

Ojalá la UNAM fomente esta discusión también entre otros curadores mexicanos trabajando líneas similares y que estas ideas permeen su propia estructura.

www.pintomiraya.com.mx