Próxima exposición de Emilio Rodríguez Larraín

A pocos días de entregarle el premio Teknoquímica, Emilio Rodríguez Larraín es tal vez uno de los pocos artistas cuya vigencia y riesgo atraviesan toda forma de categorización formal o generacional. Su versátil obra nos puede llevar desde construcciones en un horizonte geométrico, pintura de rasgos expresivos a intervenciones en el espacio capaces de dialogar con el posminimalismo o con lo puramente arquitectónico. Una próxima muestra curada por Luis Eduardo Wuffarden, en las salas del ICPNA, nos permitirá volver a su amplio trabajo y espero que pueda marcar un contrapunto interesante con su exposición anterior -antológica, también curada por Wuffarden-. Hoy Enrique Planas le hace una entrevista en El Comercio, y aunque si bien resulta en exceso anecdótica extraigo un par de preguntas y sirva para anunciar la pronta exposición.

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Entrevista Emilio Rodríguez Larraín

¡Es una locura ser pintor!
Por Enrique Planas

Si hay un personaje detestable es el artista que pinta solo para vender. Usted parece que pinta para no vender, para quedarse con su obra...

Yo pinto para pintar. No me preocupa un carajo si me compran o no. Soy arquitecto de la UNI. El otro día me preguntaron por qué no ejercía y yo dije: porque soy un huevón. Esa es la mejor respuesta para acabar con cualquier pregunta. Eso lo aprendí hace tiempo de Joan Miró. Me decía: "Cuando te hagan una pregunta que te llegue a las pelotas, responde: "porque soy un pelmas". Siempre funciona.

El curador de su muestra retrospectiva, Luis Eduardo Wuffarden, señala que fue justamente esa formación de arquitecto lo que lo diferencia del resto de sus compañeros de generación que trabajaron el expresionismo abstracto...

Szyszlo también quiso estudiar arquitectura pero no pudo ingresar a la Escuela Nacional de Ingenieros. Era dificilísimo el ingreso entonces. Conocer matemáticas y ciencias es importante. La arquitectura es también un arte plástico. Allí conocí a gente extraordinaria, como Fernando Belaunde, por ejemplo. El arquitecto era el rector de la escuela. Entonces era cojonudo, inteligente, culto, amable. Nada dictador como han sido otros presidentes. Violeta Correa estaba en mi clase. Cuando había fiesta en su casa invitábamos a Belaunde y allí se enamoraron.

Cuando terminó la UNI, usted conoció al 'Che' Guevara.

Exponía en la galería Lima de Paco Moncloa, y él pasó por la exposición. Le gustó mucho y nos hicimos amigos. Yo quería mucho al 'Che' Guevara. Era una persona sumamente culta y generosa. Entonces no tenía un cobre. Hablé con mis padres y vino a la casa un tiempo a dormir y comer. El viaje que emprendió a Iquitos lo hizo conmigo.

Eso quedó fuera de la película "Los diarios de motocicleta"...

Allí aparece en Iquitos con un amigo, pero no dicen quién es. Era yo.

La solidaridad entre los amigos ha sido siempre muy importante para usted. Y por eso está lleno de historias...

Así es. En la vida uno pasa momentos bravísimos, sin nada de dinero; puedes estar cinco días sin comer cuando eres joven y vivir mal. Y luego vivir cosas increíbles. Por ejemplo, yo era amigo de David Rockefeller. Él entró a una exposición mía y ahí nos conocimos. Un día me invitó a comer en el centro de Manhattan. Le pregunté dónde comeríamos, y él me quería llevar a un gran hotel en las primeras cuadras de la Quinta Avenida. ¡Pero si es carísimo!, le dije. Él se rio y me dijo: "¡Soy Rockefeller. Además ese hotel es mío!". Los amigos nunca se ponen a pensar si el otro tiene billete. Él me ayudó mucho. Compró para el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) algunas de mis obras, pues era uno de los fundadores.

[imagen 1: Emilio Rodríguez Larraín. foto: Enrique Cúneo / imagen 2: Emilio Rodríguez Larraín, Un cuarto de escultura. Instalación. Galería Camino Brent, 1986. Fotografía: José Casals]

Etnografía visual del mito

Reproduzco el texto de Miguel Zegarra escrito para la exposición Emergencia de Harry Chávez en la Galería Vértice (texto que no aparece en el catálogo).
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Etnografía visual del mito
Miguel Zegarra

Para hacer una etnografía del proyecto Emergencia de Harry Chavez, decidí partir del valor del mito como verdad a priori constitutiva de una cosmovisión. Siguiendo esta lógica del pensamiento mítico, Emergencia nos presenta la narración visual de un ciclo de iniciación y renacimiento.


En sus hierofanías (figuras en las que un carácter alegórico sagrado se hace evidente), Chavéz descubre patrones iconográficos y rituales transculturales. Así los diseños prehispánicos o los signos de dualidad y tripartición del mundo andino, se corresponden con las estructuras fractales de los mandalas. Chávez hace uso también de un panteón animista de animales míticos como el felino, la serpiente y el ave. Así el jaguar es el guardián del espacio sagrado y la serpiente bicéfala conecta distintas dimensiones cósmicas como imagen del desdoblamiento. El elefante emerge junto a la serpiente como figura ordenadora del mundo en una alegoría de creación, regeneración y renacimiento.

La técnica empleada por el artista en las obras también nos remite a un imaginario simbólico. La esfera está presente en las superficies ovales de las obras y en las unidades de composición de las imágenes –las cuentas-, haciendo alusión a una concepción cíclica del tiempo. La trama de la piel de estas composiciones nos recuerda a la artesanía de las etnias de la amazonía.

Quizás podemos distinguir tres obras de mayor complejidad dentro del conjunto. El tondo “Mi madre es la tierra, mi padre es el sol”, descubre el instante preciso de la concepción del cosmos, en el que figuras antropomorfas representan el coito generador del mundo. “Yanapuma guerrero” nos muestra un autorretrato del artista en actitud de felino al lado de dos otorongos negros como representación del vínculo chamánico con el espíritu del animal, el viaje iniciático del poseso que llega a ver, la unión del hombre con la naturaleza. “En el vientre” expone claramente la imagen de la gestación del héroe en el contexto del mito. La serpiente representa el misterio oscuro de la naturaleza, pero también el flujo creador, de ahí la relación con el río en las culturas amazónicas.

En el despliegue visual 3D de los recortes de Chávez, reconocemos la herencia del op art y el arte psicodélico de fines de los 60s. El arte psicodélico vinculaba el uso de alucinógenos (ya sea químicos como el LSD o psicotrópicos de origen natural, como los hongos) con la representación de un espacio compuesto de alucinaciones por la alteración psíquica. El uso de áreas cromáticas de colores industriales respondía a la coloración artificial del mundo producida por el filtro de las visiones psicodélicas. En la obra de Chávez encontramos también el uso de áreas saturadas que en contraste producen ilusiones ópticas de profundidad, volumen y emergencia tridimensional.

Varias décadas después, el artista británico de origen nigeriano Chris Ofili (miembro de la generación denominada YBA Young British Artist), desarrollaría una serie de obras que incorporaban referentes iconográficos africanos. Utilizando el collage para la aplicación de diversos materiales sobre el plano, Ofili componía figuras con formas esféricas de ecos ancestrales, representando temas contemporáneos como la discriminación étnica y racial, y los nuevos sincretismos de las formas religiosas de la posmodernidad.


Desde una perspectiva etnográfica, el contexto del chamanismo podría ser útil para situar la obra de Harry Chávez. Las tradiciones chamánicas se originan en sociedades arcaicas y nómades, vinculadas a actividades de sobre vivencia como la caza y la recolección, en las que los animales tienen una presencia fundamental. De ahí las simbologías animistas que reconocen en el animal cualidades espirituales y atributos cosmogónicos. Es el caso de la serpiente como espíritu femenino, que representa el carácter misterioso de la naturaleza y su espacio de gestación. Como la serpiente bicéfala, el chamán es un mediador entre los mundos.

El historiador de las religiones y antropólogo Mircea Eliade desarrolló el primer estudio sistemático dedicado al chamanismo, concebido como técnica arcaica del éxtasis en su obra El chamanismo y las técnicas arcaicas del éxtasis. Hasta la aparición del tratado de Eliade, el chamanismo había sido visto como una forma de esquizofrenia, o puramente como un rol social de tipo mágico o estudiado simplemente desde una perspectiva de descriptiva. Como en la obra de Chávez, Eliade reconoce un universo tradicional transcultural, abarcando prácticas rituales en todos los continentes. El autor descubre la crisis existencial como principio de la vocación chamánica, y la adquisición de poderes y esclarecimiento como resultado de una serie de rituales iniciáticos, que en su mayoría comprenden la ingestión de sustancias alucinógenas.

Siguiendo las pautas del texto de Eliade, la iniciación chamánica es la revelación de un alma en crisis que se manifiesta a través de la ruptura provisional del equilibrio psíquico del sujeto. El iniciado empieza su nueva, su verdadera vida, por una “separación” guiada por una serie de ritos. Cada acción ritual tiene un correlato de representación ya que es parte de un sistema simbólico. Todos estos rituales persiguen el fin del renacimiento existencial desde un estado de conciencia ulterior.

El “calor místico” como signo de revelación en los ritos chamánicos, es tratado también por Eliade en su obra Naciento y Renacimiento. El calentamiento del cuerpo mediante la inducción mágico religiosa constituye la experiencia arcaica de poder con el dominio del fuego. Esta iluminación es una acceso masculino a la sacralizad que se pone de manifiesto en el prodigioso incremento del calor en el cuerpo. Como el resplandor del amanecer, del sol, del padre, la lucidez de la obra de Harry Chávez nos descubre la reconstrucción minuciosa de la propia identidad y la emergencia de una nueva estructura que fluye como el movimiento de una serpiente en el cauce del río.


[imagen 1: Harry Chávez, En el vientre, 2006, cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre acoplac, 165 x 150 cm. / imagen 2: Harry Chávez, Otorongo (detalle), 2004, cuentas de plástico, gemas de vidrio y canicas sobre lienzo, 150 x 150 cm.]

Hoy Humberto Polar Pin en La Culpable!!

Conversando con La Culpable
Humberto Polar Pin (Lima-Bogotá-México D.F.) - PORTAFOLIO

Jueves 18 de enero - 8:00 p.m.

Sucre 101 Barranco. Lima.

...sigue Conversando con La Culpable!! (Combo 2)

Abramovic: "Me interesa el aspecto espiritual del sexo"

El pasado fin de semana el diario El País dedicó un espacio, en su suplemento Babelia, al tema de los Nuevos Feminismos. Una entrevista de Patricia de Souza a la escritora francesa Virginie Despentes, un texto de Beatriz Preciado titulado Mujeres en los márgenes, y una entrevista de Fietta Jarque a Marina Abramovic, armando un espectro significativo de opiniones sobre el tema. Se incluye además en el suplemento una Biblioteca mínima del feminismo posporno, queer y poscolonial cuyos títulos resulta interesante revisar.

Reproduzco aquí la entrevista a la artista serbia Marina Abramovic, famosa por ser una de las más significativas artistas, desde los años 70's, en trabajar con su cuerpo y en situaciones muchas veces extremas.
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ENTREVISTA DESPUÉS DEL FEMINISMO: Marina Abramovic
"Me interesa el aspecto espiritual del sexo"
por: Fietta Jarque

Es una de las clásicas del performance y siempre ha trabajado sometiendo su propio cuerpo a experiencias extremas. A sus 60 años, expone en Madrid su primer trabajo relacionado explícitamente con la sexualidad a partir de ritos ancestrales recogidos en el folclore serbio.


Marina Abramovic (Belgrado, 1946) es una de las más destacadas representantes de la performance. Abramovic presenta hasta el 24 de febrero en la galería La Fábrica (Alameda, 9), de Madrid, vídeos y fotos de su reciente serie Balkan Erotic Epic, su primera indagación abierta hacia el erotismo.

PREGUNTA. ¿De dónde procede la idea de esta serie, titulada Épica erótica balcánica?

RESPUESTA. Hace un par de años me pidieron un trabajo que usara imágenes pornográficas. Fue un reto para mí porque nunca antes había hecho nada en torno a ese asunto. Estuve viendo películas porno pero no me inspiraban nada. La forma en que era tratado el cuerpo de la mujer era siempre demasiado estereotipado. Para mí lo interesante es el aspecto espiritual del sexo. Así es que decidí que lo más interesante era rebuscar en mi propia cultura. Fui a Belgrado y en la biblioteca investigué en el folclor antiguo, anterior al comunismo y al socialismo. Incluso a pesar del cristianismo conservamos muchos ritos paganos explícitamente sexuales. Pero lo eran de una forma distinta en la que el cuerpo era utilizado como herramienta o como medio para propiciar la fertilidad de la tierra, para pedir lluvias, para la sanación... La energía sexual era transformada para el contacto con las energías invisibles. Investigué más y di con unos rituales muy interesantes que luego utilicé para dos trabajos. Uno es una instalación de vídeo titulada Balkan Erotic Epic, y la otra es un cortometraje en el que yo hago de profesora enseñando a los alumnos estos rituales, puestos en escena por un grupo de gente que elegí a partir de un largo casting y la preparación de esta gente durante dos años en Belgrado.

P. Es curioso saber que estos vídeos recogen costumbres ancestrales porque siguen pareciendo muy actuales. Parecen remitirse al presente. El vídeo Woman with skull, que recrea los movimientos de la cópula con una calavera, es impactante. Podría referirse al duelo de las mujeres tras la guerra y la forma en que han asimilado la muerte de sus hombres.

R. Las imágenes arquetípicas suelen parecer siempre contemporáneas. Son imágenes que reconocemos en lo profundo de nuestro subconsciente. Pienso que la tarea del artista es reconocer estos arquetipos, darles una vuelta, y hacerlos actuales otra vez. Ser conscientes de ellos.

P. En las performances el sexo es un tema muy habitual. ¿Por qué no lo hizo antes? ¿Le interesa en este momento de su vida como mujer?

R. A mí no me importa que sean hombres o mujeres, lo que intento es usar los órganos sexuales como vehículo para indagar en su poder y conectarlo con la energía espiritual. Cuando ves estas piezas no encuentras nada pornográfico en ellas, se convierten en otra cosa. Ves los genitales desde otra perspectiva. He querido ofrecer un punto de vista distinto al habitual.

P. En los años setenta las performances fueron una forma de rechazo del objetualismo y el mercado del arte. Ahora las performances se pueden vender, y los museos y coleccionistas las compran. ¿Cómo ve usted esta evolución?

R. Sigue siendo muy difícil vender una performance. En los primeros tiempos estaba en el mismo grupo marginal de otras artes como el vídeo y la fotografía. Los tres medios se consideraban todavía inferiores a la pintura y la escultura. Pero luego el vídeo encontró su lugar, por no hablar de la fotografía, y se popularizaron las instalaciones. Las performances no. Realmente casi nadie compra performances. Compran vídeos de los performances y las fotos documentales de éstos. El año pasado presenté en el Guggenheim de Nueva York la recreación de varios performances históricos que influyeron mucho en mi carrera al principio. Lo titulé 7 Easy Pieces, y eran obras de Bruce Nauman, Vito Acconci, Valie Export, Gina Pane y Joseph Beuys. En ellas abordé precisamente este problema. ¿Cómo es posible recrear esas performances si el autor ya no las hace o está muerto? ¿Y en qué condiciones deberían hacerse? Para que una performance esté viva tiene que volver a representarse. No hay ahora ninguna condición clara de cómo debe hacerse esto. Por eso creo que la performance no está todavía dentro del mercado del arte como el vídeo o la fotografía.

P. ¿Y cree que debería integrarse en el mercado?

R. La performance sigue estando al margen y creo que eso es injusto. Debería estar en la misma categoría que las otras disciplinas. Cuando quise rehacer estas performances de los años setenta fue muy difícil conseguir los permisos. Mi idea es que hay que pedir autorización al artista y pagarle por los derechos de recrearlo. Como se hace con el copyright de un filme o un libro. Esto nunca se ha respetado. Muchos artistas jóvenes cogen las ideas de los anteriores sin permiso, sin mencionarlos siquiera, como si fueran suyas. Y los jóvenes críticos, sin idea clara de la historia, las toman como si fueran originales. Se están copiando nuestras performances en el mundo de la moda, en la MTV, en la danza contemporánea, sacándolas de contexto y rehaciéndolas a su manera.

P. El asunto es que hay un gran interés por la performance entre los jóvenes artistas y parte de su trabajo son los talleres que imparte usted, como el que ofreció en Santiago de Compostela en 2003, titulado Cleaning the house. En ellos se incluían experiencias como el ayuno, el silencio y acciones extremas. ¿Se requiere un entrenamiento tan duro?

R. Mis alumnos son personas que quedan preparadas para efectuar performances largas, prolongadas, y en situaciones que requieren mucha concentración y control del propio cuerpo y mente. La vida diaria no te proporciona la preparación suficiente para hacerlo. Así es que creé estos talleres con muchas dificultades que hay que superar a través del ejercicio. Cuando terminan están mucho más fortalecidos.


[imagen 1: Marina Abramovic, Balkan Erotic Epic, 2005, video, 15' 37'' / imagen 2: Marina Abramovic, The lips of Thomas, 1975-1997, cibachrome en color, 123.5 x 123.5 cm., Edición de 7 + 2 p.a]

Emergencia de Harry Chavez

El miéroles 17 de enero inaugura no sólo la primera individual de Harry Chávez, titulada Emergencia, sino también la galería Vértice como un nuevo espacio para el arte contemporáneo local. Su apuesta al parecer involucra gente joven, riesgo que aplaudimos desde ya. El día de hoy apareció en el suplemento El Dominical del diario El Comercio un texto de Diego Otero a propósito de la próxima inauguración, el cual reproduzco en su integridad.

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Arte: Viajes y visiones
La obra transcultural de Harry Chávez

por: Diego Otero.

Emergencia es el título de la singular y atractiva primera exposición -mostrada el año pasado en Iquitos- de este artista que engarza tradiciones visuales aparentemente antagónicas como el arte popular de la amazonía y el arte óptico. Con esta muestra se estrena la galería Vértice.


Hace un tiempo, Harry Chávez realizó un largo viaje a algún punto de la selva para hacer una dieta con una planta llamada chirisanango. Una planta conocida porque entre sus propiedades principales está la de tonificar los músculos y las articulaciones. Pero algo falló. Y Chávez entró en un espiral oscuro y violento. Y cuando por fin pudo escapar, experimentó una intensa sensación de resurrección. Como si los pocos brazos de sol que se cuelan entre las ramas tupidas del cielo selvático tocaran su piel por primera vez.

Entonces, nítidamente, apareció la idea de esta exposición. Nítidamente, imagen por imagen.

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El eje de la muestra echa mano de las dos acepciones del vocablo emergencia. Situación crítica, por un lado, pero también vuelta a la superficie, reflote. Así, la idea de lo cíclico se expande desde el centro hacia los bordes del trabajo. El hundimiento y la resurrección son dos partes del todo, y la narración visual va tejiendo los símbolos de un universo circular en el que fin y principio se tocan.

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Pero Harry Chávez no solo ha realizado viajes a la selva amazónica. En 2001 pasó una temporada en Seúl, Corea, estudiando en un programa de artes visuales de la Universidad de Dankook. Y ese viaje, a la larga, se hizo fundamental para su formación. Chávez decidió visitar el Tíbet, y pasó una serie de peripecias para llegar ahí. Y luego se movió a Nepal, "uno de los lugares más bellos del mundo". Y de pronto, tuvo una revelación. Katmandú se abrió ante sus ojos como un espacio mágico, en el que las tradiciones milenarias se entrelazaban con los mitos de la cultura pop contemporánea. "Era increíble caminar por la calle y ver una vaca orlada y gorda paseándose por ahí como una divinidad", dice.

En ese sentido, quizá uno de los aspectos más atractivos del trabajo de Harry Chávez sea su condición de espacio abierto para una serie de rituales y códigos transculturales. Cada una de las imágenes de Emergencia opera como una especie de zona franca para que diversos sistemas y tiempos simbólicos coexistan y se retroalimenten. En obras como "Mi madre es la tierra, mi padre es el sol" o "En el vientre", Chávez recurre a diseños de la costa prehispánica del mismo modo en que recurre a las estructuras y el sentido de los mandalas o a los animales míticos de la cosmovisión amazónica. O a ciertas estrategias del Op Art, la psicodelia de los sesenta o, incluso, la imaginería popular del Perú contemporáneo. Todo parece encajar en sus obras, todo parece convertirse en parte de lo mismo.

Aunque en realidad es el punto de vista el que tiende lazos, convoca, cierra círculos.


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Hay un elemento final (e ineludible) en el procedimiento expresivo de Harry Chávez y de las obras de Emergencia. La alusión, por momentos velada y por momentos intensa, al mundo de la cultura electrónica. Los pixeles, los beats, la precisión, una cierta forma de distribuir los reflejos y los volúmenes. Esta alusión, sin embargo, es necesariamente irónica. Pocas cosas más artesanales que la estrategia formal de Chávez, que consiste en colocar cuentas redondas de vidrio o de madera sobre la superficie de sus cuadros, a la manera de unidades cromáticas.

Una de las virtudes del arte es la posibilidad de transformar las contradicciones en recursos expresivos. Emergencia lo hace ejemplarmente. Y se aproxima a soluciones que las ciencias sociales a veces no suelen ver ni por asomo.


En sus palabras
Harry Chávez nació en Lima en 1977. Christian Bendayán le echó el ojo a su trabajo hace un tiempo y lo llamó para participar en la importante exposición titulada La soga de los muertos, en el Centro Cultural de San Marcos.

-No hay ninguna tradición de arte en mi familia. Ni yo tampoco tuve la vocación tan clara de chico. Estudié dos años de letras y me trasladé a artes plásticas. Pero hasta el cuarto año me la pasé dudando. Recién ahí empecé a sentir que hacía trabajos con los que sintonizaba; trabajos que me guiaban hacia a algún lugar.

-Llevar cursos con Jorge Villacorta y con María Burela me sirvió mucho. Hubo un momento en el que me interesaba hacer un dibujo distinto al que me habían enseñado, buscándole perspectivas particulares, por ejemplo, y de pronto me encontraba con que en la vanguardia rusa había gente como Rodchenko que realizó búsquedas similares. Con esos cursos me di cuenta de que mi proceso no era descabellado ni azaroso, tenía vínculos con la historia del arte contemporáneo.

[imagen 1: Harry Chávez, Emergencia, 2006, 240 x 140 cm., cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre acoplac / imagen 2: Harry Chávez, Yanapuma Guerrero, 2006, 090 x 215 cm., ojos de gato y gemas de vidrio sobre acopl]

Comentarios de Gustavo Buntinx a la encuesta de La Primera

El crítico de arte y curador Gustavo Buntinx me remite hoy por correo electrónico personal, a la 14:00 hs. aproximadamente, un comentario sobre la encuesta sobre el año 2006 en artes visuales difundida la semana pasada por el diario limeño La Primera. Esta encuesta intenta recoger, en principio, tanto declaraciones suyas como de cuatro curadores locales (Román, Villacorta, Bernuy y De Ferrari) sobre "lo mejor" del año pasado.

Copio así íntegramente los dos párrafos enviados, donde Gustavo Buntinx aclara su posición al respecto.

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Comentarios a la encuesta de La Primera

“Desde la década de 1980 vengo manifestando mi desazón ante el formato periodístico de nóminas de favoritos presentadas como balances plásticos del año. Al no proporcionar los espacios requeridos para una ponderación matizada, esos ejercicios suelen trivializar la densidad y especificidad de cada propuesta artística, imponiendo comparaciones valorativas que por lo general son imposibles y no vienen al caso. El gusto termina así imponiéndose a la reflexión, y ésa es una circunstancia contra la que siempre me he rebelado. Es además difícil opinar en términos competitivos sobre una escena en la que uno mismo mantiene un papel activo.

En el caso puntual de la encuesta planteada por La Primera existe también el problema de una clasificación por géneros que ya no es operativa para la comprensión de nuestra promiscua producción visual. Carlos Runcie Tanaka, por ejemplo, ¿es un “escultor”, un “ceramista”, un “instalacionista”, un “video-artista”? ¿Y cómo encasillar a Ishmael Randall? Et ceterae. Por eso mi respuesta a la llamada telefónica de ese periódico se limitó al ruego de que no se incluyan opiniones mías en aquel cuestionario, salvo tal vez para reafirmar la importancia político-cultural de que la exposición Yuyanapaq haya logrado otra vez ser expuesta, ahora en el Museo de la Nación y con un feliz planteamiento museográfico. En ella encontramos un poderoso correlato visual al Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación, uno de los libros más históricamente importantes que en relación al Perú se hayan escrito desde los Comentarios reales de Garcilaso Inca de la Vega y la Nueva coronica y buen gobierno de Guamán Poma de Ayala.”

Gustavo Buntinx

Impresiones musicales del 2006

Luis Alvarado ha actualizado recientemente, en su blog Autobús, un recuento personal del año titulado: Música maestro o el año de la gran ilusión, algunas impresiones del 2006 (Parte 1). El texto en mención da cuenta de significativas actividades que abordan abiertamente lo musical gestadas el año pasado y que han sido obviadas absolutamente por los pocos recuentos musicales en medios locales, habitualmente dedicados a comentar únicamente discos y lanzamientos similares.

En su recuento Alvarado -quien es también editor de la revista independiente Autobús- señala la exposición Fluxus en Alemania 1962-1994 presentada en el Museo de Arte de Lima como uno de los picos más altos del año en material musical. "En ella pudimos apreciar trabajos de Cage, Nam June Paik, Joseph Beuys, Dick Higgins, etc. Partituras abaleadas, un intérprete sentado al piano y luego sacado de allí a la fuerza antes de poder tocar una tecla, Joseph Beuys repitiendo al infinito da da da ne ne ne, y así una serie de eventos llenos de sentido del humor y de honda reflexión sobre un momento en la música del siglo XX, que es necesario conocer y entender si se quiere tener una noción real de lo que significa, ya no digamos la música experimental, sino simplemente la música como se ha desarrollado en la segunda mitad del siglo XX, y en donde Fluxus jugó un rol determinante."

También destaca la emisión de la película Drawing Restraint 9 de Mathew Barney, cuyo rol protagónico y banda sonora estuvo a cargo de la islandesa Bjork. El Festival VIBRA organizado por el Centro Fundación Telefónica y Alta Tecnología Andina (ATA) le merece un comentario aparte. Es definitivo el valioso aporte al arte sonoro experimental que propugnó este notable Festival, fortaleciendo e intentando generar bases de encuentro y discusión sobre este terreno de las artes contemporáneas casi olvidado en nuestra escena local, notable esfuerzo que el crítico de arte Jorge Villacorta se encargó de llevar a buen puerto. Coincido con Luis Alvarado en que Francisco López, Charlemagne Palestine y Black Dice han sido las más gratas sorpresas internacionales de VIBRA. Ya en clave personal debo reconocer también que Black Dice tuvo la performance músical más sorprendente que he podido experimentar en el año.

También menciona la presencia de la exposición Resistencias: primeras vanguardias musicales en el Perú, a la cual este blog también ha dedicado varios comentarios tanto sobre su Seminario como de la exposición misma. Entre otros puntos significativos señala el reencuentro de Los Saicos y del posterior concierto de Los Manganzoides en Mochileros, quienes con Erwin Flores -cantante de Los Saicos- entonarían una memorable versión de 'Demolición' (1965) y cuyo registro en video se encuentra como bonus en el último cd, 'El entierro de Los Manganzoides', de Los Manganzoides -notable disco por cierto-. Y otras tantas apariciones, lanzamientos, conciertos y sorpresas que Alvarado comenta. Vale la pena leerlo.

[imagen 1: Benjamin Patterson, Una breve historia del Siglo XX, 1989-1994, c/u 80 x 40, una de 7 piezas, madera con diferentes objetos]

"Las paredes han sido siempre la voz de la calle"

En el diario Perú21 aparece hoy una entrevista de José Gabriel Chueca a Franco Domenack, pintor egresado de la Escuela de Bellas Artes, pero más conocido como el 'Wa' por su trabajo de grafitti dentro del colectivo El Codo. La entrevista tiene un par de respuestas interesantes, y de haber sido mejor planteada podría haber echado luces más concretas sobre el trabajo del Wa y de El Codo en general. Tarea pendiente.

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Franco Domenack Wa: "Las paredes han sido siempre la voz de la calle"

por: José Gabriel Chueca

El paisaje en Lima cambia sutilmente. En las paredes, el grafiti que antes era solo frases políticas o de barra brava ha pasado a ser pinturas bastante más elaboradas que mucho del arte formal. 'Wa' es uno de los más interesantes de estos nuevos polémicos artistas que usan las paredes para llegar al público.

"Sullana es muy bonito. Mi nombre sale de ahí. Me llamo Gua, que es una forma de hablar norteña, pero yo digo Wa porque no me gusta el gu. Allá crecí, con mi abuela, mis primos, mis amigos y mis padres. Son cosas que no se olvidan. El resto del tiempo que le queda a uno está relacionado con lo que se trajo de esa época", dice 'Wa'.

¿Por qué se inclinó por el dibujo?

Me viene de familia. Mis abuelos tienen historia en el cuero repujado. Sus hijos se hicieron empresarios, pero yo sí agarré esa nota con fuerza. Con demasiada fuerza. Tuve choques con mis padres. Ellos no querían que pintara, porque me iba mal en el colegio -siempre sacaba cinco o más jalados-. Tuve que pintar el cuarto de mi mamá para que vieran que quería ser pintor.

¿Pintó el cuarto de su mamá? ¿Con qué? ¿Qué pasó cuando lo vieron?

Hice una especie de mural, cuando tenía 14 o 15 años. Se molestaron mucho. Había hecho una cosa llena de colores, a lo Munch, pero con un bebé y algo medio picassiano. Claro que entonces no sabía de esas referencias. Pero en el colegio, en Lima, sí lo pasé bacán. Vine solo y pude dedicarme a la pintura. Aprobé varios cursos dándoles cuadros a los profesores. Eran rostros descarnados, esas cosas que hace uno de joven, como si exorcizara sus miedos.

Usted estudió en Bellas Artes

Sí. Pero costó trabajo que mi familia aceptara que quería estudiar Pintura. Me encantó estar en la escuela. Encontré a otros como yo, que querían pintar. Y El Codo, un grupo que hemos formado, es consecuencia de eso.

Con El Codo hacen mucho trabajo en la calle. ¿Por qué les interesaba eso?

Es parte de nuestro experimentar, de buscar otros soportes para pintar. La pared nos interesa porque es lo que ve la gente. Uno no puede esconder su cuadro bajo la cama ni dejarlo en casa.

Hay dibujos suyos en varias paredes de Lima. Llevan su firma, 'Wa'. ¿Cómo comenzó?

Empecé con esto pensando en intervenciones en espacios urbanos; entonces, me interesé en el grafiti relacionado con el hip hop, que se hace mucho en Lima. De hecho, los grafiteros me encontraron. No sé cómo supieron mi correo. Habían visto mis dibujos. Hicimos murales. Yo aprendí de ellos. Para mí, todo sirve. Pero yo mezclé el grafiti con algo de pintura tradicional y de otros artistas contemporáneos, y empecé a hacer mi trabajo con los chicos de El Codo.

Usted ha pintado un grafiti en un hueco en el mural que Ricardo Wiesse hizo en la Vía Expresa. Esa obra ha sido abandonada por las autoridades

A mí no me gusta que las cosas se deterioren. O se cambian o se conservan bien. Pero no se pueden dejar así. Yo no soy un buen ejemplo ni pretendo decir cómo deben hacerse las cosas, pero ese hueco lo vi como un espacio disponible. disponible para mí. Y el resultado tuvo fuerza. Yo suponía que en algún momento lo taparían. Me llegué a enterar de que al artista no le gustó, pero yo no pinté en su mural sino en un hueco.

Pero las paredes no son suyas

No. Es ilegal. Pero no lo hago en función de que sea legal o ilegal. Soy un científico del arte. Me interesa el soporte de la pintura. Siempre estoy pensando en soportes, en formas, colores, imágenes de donde vengo. Y, para mí, el espacio urbano es un soporte más. De hecho, a veces tengo cargo de conciencia por pintar las paredes, pero me gana el hecho de ver una buena foto de mi trabajo. Me gana ese goce.

¿A qué hora hace estas cosas? Usted debe de eludir a los vigilantes

Sí. A veces incluso hay gente cuando las hago. Y las reacciones pueden ser diversas. Algunos me preguntan qué hago, qué significa. Pero yo no respondo. Yo dibujo -con cuatro latas y una que otra tapa- y en cinco minutos me voy. Está todo calculado.

Usted tiene este personaje, el burricornio

Sí. Es que siempre me han gustado los unicornios, pero siempre lo vi como algo ajeno a mi entorno. En Sullana hay caballos, pero medio chuscos, y mulas. El burro es el animal del lugar. Y, al ponerle cuerno, cambia todo.

¿Nunca lo ha pescado un policía?

Sí, varias veces. A veces me han llevado a la comisaría, otras veces se han llevado mis latas, y otras veces han esperado a que me baje, pero nunca hago eso porque no tengo plata. Sí me han fichado. Pero es una falta menor. Procuro no pintar una pared de piedra.

Como el chileno que pintó un muro inca en Cusco

Malazo. Eso es agresión. Me gusta fregar un poco, quizá crear preguntas. Nada más.

En los últimos años, los grafitis se han hecho mucho más interesantes

Creo que la calle siempre ha tenido una voz; desde un terrorista hasta un barrabrava, pasando por un huelguista, han pintado en la calle. La pared siempre se ha usado para comunicarse con la masa. Lo que pasa ahora es que esa última hoja del cuaderno del colegio se ha convertido en una pared.

The Pastelers y un nuevo tributo a La Grabadora!!

Definitivamente uno de los proyectos más interesante de los últimos tiempos es La Grabadora. Este trabajo combina y pone en escena el valor de la gráfica visual y la crítica de rock en relación a la música, visibles ahora en el libro recientemente publicado. Este ejemplar, del tamaño de un disco de un LP, recopila y recoge un conjunto de material visual y escrito alrededor del sello discográfico La Grabadora de los años setenta inscrito en pleno gobierno militar del General Velasco -cuyo mérito del proyecto es además permitir volver incisivamente nuestros ojos a aquellos años tan socialmente complejos y difíciles- . Este volumen incluye además un cd con temas de Soul Service, Los Perruqueros, Los Gatos de Bengala, Beto Boicot & The International Suspiros -dos temas extraordinarios-, Los Carri-On, Los Transistores, entre otros grupos del sello.

Y si bien la presentación oficial del libro será el miércoles 31 de enero -anuncio adelantado-, algunos ejemplares ya está en venta en librerías de Lima (El Virrey, La Casa Verde, Crisol). Es un tiraje limitado de 300 así que vale la pena comprarlo antes que se agote. Ya tengo mi ejemplar así que lo comentaré próximamente, al cual califico desde ya como impecable e imprescindible.

Y aprovecho también para anunciar en primicia un nuevo homenaje a La Grabadora. Este 23 de enero, la desfachatada y ya emblemática banda The Pastelers rendirá tributo al mítico sello discográfico peruano de los años 70 La Grabadora, tocando temas de sus bandas más emblemáticas como The Padrastros, La Tiene Cucciuffo, Los Gatos de Bengala, Beto Boicot & The International Suspiros y El Profesor Lactante, solo por citar algunos. Igualmente, dicho tributo se extenderá a actos como Caudillismo & Pedigrí y La Máquina, infranqueables proyectos locales que no han tenido oportunidad de ser presentados en vivo, a manera de concierto.

La cita es en Mochileros (Barranco) y con entrada libre. Más no se puede pedir.

[imagen: El concierto de The Pastelers anunciando el concierto, diseño en base a la portada del libro]

Hoy David Zink Yi en La Culpable!!

Conversando con La Culpable

David Zink Yi (Lima-Berlín) - PORTAFOLIO

Jueves 11 de enero - 8:00 p.m.

Sucre 101 Barranco. Lima.

The Pervert's Guide to Cinema

Hoy!!!

The Pervert's Guide to Cinema

(con la aparición de Slavoj Zizek)

Miércoles 10 de enero - 8:30 p.m.

Sucre 101 Barranco. Lima.

Conversando con La Culpable: Fernando Bryce

Conversando con La Culpable

Fernando Bryce (Lima-Berlín) - PORTAFOLIO
Martes 9 de enero - 8:00 p.m.
Sucre 101 Barranco. Lima.

Liberaron a Jaime Rázuri !!

Me alegra enormemente enterarme de la liberación de Jaime Rázuri, quien había sido raptado en Gaza hace 7 días. No he visto aún imágenes en televisión pero Perú21 y estoy seguro que otros diarios dan cuenta del hecho. "Estoy bien. Estoy muy feliz de haber sido liberado. Me trataron bien y me dieron buena comida" son las pocas palabras del fotógrafo que han sido recogidas hasta ahora por la prensa. Es una excelente noticia. Un gran abrazo para Jaime a la distancia y esperemos que vuelva a Lima muy pronto.


[imagen: Jaime Rázuri]

Conversando con La Culpable: Christiane Isenberg

Conversando con La Culpable: Christiane Isenberg (Berlín) - PORTAFOLIO

Domingo 7 de enero a las 7:00 p.m.

Sucre 101 Barranco. Lima.

Sobre las necesidades críticas de nuestro arte contemporáneo

Espero compartir el interés de construir una escena artística basada esencialmente en la reflexión sobre la práctica. ¿Cuál es el interés de La Culpable en armar estos espacios de intercambio como los antes referidos? Simple: la imperiosa necesidad de recuperar el debate y el intercambio de ideas como coordenada capital de sentido en el arte contemporáneo. Personalmente no veo más horizonte que entender la creación artística como un ejercicio que moviliza el pensamiento, que exige del sujeto-artista una posición crítica frente a su contexto, a su realidad, al momento en el cual vive. Para mí no existe más eje vital que la posibilidad de interrogar abiertamente las convenciones sobre las cuales nos movemos. Y me interesa que quede claro, así que redundo: nuestro momento actual demanda una actitud capaz de deshabituar los modelos, los protocolos, las formas. ¿Y a qué viene todo esto? Quizá por nada en particular, pero la conversación que sostuve hace momentos con unos amigos insta a que deje en clara mi posición: me molesta en particular tanto academicismo tardío, tanta pedagogía anacrónica, tanto oficio trasnochado, tanto modelo romántico y tanta expresividad desbordada.

La urgente necesidad de armar -y esto es comentario personal-, desde el Espacio La Culpable, una plataforma para el intercambio de ideas no solo advierte la displicencia de nuestra escena por modular áreas de movilización discursiva, sino también la inapetencia generalizada por situar la labor creativa bajo líneas críticas. Me gustaría decirlo de un modo más amable pero no encuentro la forma. Como dice mi amigo R. es necesario desmarcarse de la idea de que lo artístico es "algo que sólo se ve y no algo de lo cual se participa". Por lo cual invitar a cada artista a que oriente ejes de lectura de su trabajo no sólo demanda una postura reflexiva del autor frente a su obra, sino que apuesta por una circulación más horizontal del conocimiento, abriendo lo más posible el terreno del diálogo y afirmándolo como única ruta posible de la construcción pública del sentido en el arte reciente.

Dejé también en el aire una reflexión sobre el curador en un post anterior, y es que creo que si bien la situación parece ir cambiando a nivel local a través de la presencia paulatina de su figura dentro de las galerías es también importante advertir que tal 'ensanchamiento' de sus posibilidades enunciativas no se ve necesariamente acreditado por sus logros. Es decir -y me cuesta decirlo- no veo un compromiso real por parte de la curaduría joven por un trabajo de inscripción narrativa efectivamente crítica (ya ni siquiera digamos histórica). Ya lo señalaba Jorge Villacorta hace un par de años -y yo que lo miraba con escepticismo en ese momento- al afirmar que él no veía como los curadores jovenes podrían realmente volcar su labor hacia la producción crítica. Y no digo que se conviertan en críticos de arte! Pero vamos, para mí no existe práctica curatorial que no esté necesariamente mediada por una esencial mirada crítica. Tendría que darle la razón entonces a José Luis Brea cuando afirma que la curaduría es una de las situaciones más nocivas de nuestro arte contemporáneo!! Pero no lo considero así, menos en un contexto como el nuestro donde la constitución de una escena es todavía tema en agenda.

No hay que ser un experto para advertir la fragilidad institucional que atravesamos -indicio evidente es el aún inexistente MAC-, ni para percibir la precariedad discursiva que atraviesa nuestra historia del arte del último siglo. Y menos para notar nuestro desértico territorio de políticas editoriales!! Referencias todas nada gratuitas: no es igual pretender operar curatorialmente en ciudades con estructuras institucionales y museales consolidadas y descentralizadas, que en ciudades donde las esferas culturales evidencian una alarmante lasitud institucional y académica. El crítico chileno Justo Pastor Mellado advierte siempre, al intentar repensar la labor del curador en países como los nuestros, dos tipos de curaduría: una que llama curaduría de servicio, y otra que denomina curaduría productora de infraestructura. El curador de servicio, para Mellado, es aquel curador habitualmente dispuesto o nombrado para la (re)producción de guiones asignados por la industria global de exposiciones, muchas veces en función de los intereses económicos de un sistema de extensión museal de la industria del espectáculo. El curador productor de infraestructura, en cambio, es esencialmente un generador de nuevas herramientas y claves interpretativas para segmentos de la producción habitualmente invisibles para la historia, o allí donde la labor de escritura histórica había desaparecido. Esto significa poner en crisis las estructuras narrativas existentes, desbordando el análisis hacia una configuración cultural de la experiencia artística. Este tipo de curaduría exige no restringirse exclusivamente a la enunciación en sí misma, sino analizar las condiciones-de-habla de las obras (y del planteamiento curatorial) en determinados escenarios, interrogando incluso sus propias posibilidades de establecimiento discursivo.

¿Qué curaduría necesitamos entonces? Una que asuma el compromiso crítico desde su propia escritura, y que lo oriente deliberadamente como una plataforma de formulación interrogativa. Una labor que bien encaminada podría trazar coordenadas alternas de observación histórica, otorgando nuevos instrumentos reflexivos y sirviendo incluso de acicate frente a nuestro gran vacío museal.

Esta posibilidad inquisitiva exige al curador moverse entre los pliegues y dobleces de los enunciados, proyectando interpretaciones que sin finalidad dogmática disloquen los discursos habituados. El curador que nuestro contexto demanda está obligado a localizar su transitar, y no me refiero únicamente a ubicar y situar su desplazamiento, apunto a una reedificación de los criterios asumidos tácitamente: una labor local que por específica y concreta propicie nuevas fricciones en pos de una imprescindible (re)escritura de nuestra aún exigua historia reciente de las artes visuales.

Combo de verano en La Culpable!

El año pinta bonito y las actividades comienzan con el pie derecho. Aquí el primer combo de verano en el Espacio La Culpable, tres portafolios de lujo en Lima y una proyección sorpresa.

Comenzando este domingo 7 de enero Christiane Isenberg (Berlín) nos presenta su proyecto Clothes in Open Circuit (C.O.C), en el cual implementa la importancia de la ropa como forma de expresión estética y cultural. La ropa es un mediador social que conduce cambios a través del tiempo y el espacio en determinados contextos culturales. Isenberg documenta y compara esta compleja variedad de cambios en los usos específicos de la vestimenta dentro de cada sociedad.

C.O.C. invita a artistas y otras personas interesadas en re-formular sus tradiciones de vestir, en interrelación de sus costumbres tradicionales y con sus modos de ver la modernidad.

C.O.C. ha realizado los siguientes proyectos:

"Re-form" en Berlín, Alemania (2006)

"Tai Tao" en Hanoi, Vietnam (2005)

"Rehuso al desuso" en Lima, Perú (2004)

Las próximas actividades serán el portafolio del artista Fernando Bryce el martes 9, y de David Zink Yi el jueves 11, ambos peruanos residentes en Berlín desde hace varios años y con una obra notable pocas veces vista -y discutida- en Lima. Sobre ello y la excepcional proyección de THE PERVERT'S GUIDE TO CINEMA, con la aparición del filósofo y sicoanalista Slavoj Zizek, comentaremos en los próximos días. Por los pronto vayan llenando sus agendas!

[para ampliar hacer click en la imagen]

Una estética reciente

Revisando el blog Zona de Noticias de Paolo de Lima me entero que hace un par de días apareció una nota en el diario La Primera sobre la exposición Tránsito de imágenes (puintos de fuga hacia el arte último) curada por Jorge Villacorta en el Museo de Arte de Lima. Reproduzco el artículo en su integridad.

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Una estética reciente
por: Helen Chávez Zamora

En el Museo de Arte de Lima (MALI) se presenta la muestra titulada Tránsito de imágenes (puntos de fuga hacia el arte último), curada por el crítico de arte Jorge Villacorta. Se trata de la tercera de una serie de cuatro muestras que se presentan en el marco del proyecto Miradas de fin de siglo, que el MALI promueve. Ésta exhibe setenta obras, pertenecientes a distintas disciplinas, las cuales se reúnen para representar los cambios de actitud que se concretan en el arte limeño contemporáneo entre los años 1959 y 2006. Asimismo, resalta el creciente predominio de la fotografía como modelo artístico.

De esta manera, Villacorta sostiene que a través de este trabajo pretende hacer un recorrido que va desde un momento clásico de las artes visuales en el Perú hasta el presente. “Siempre me he preguntado por qué en Lima se prefiere la forma artística clásica, es decir lo tradicional, y no lo reciente”, expresó el crítico, quien añadió que para él es importante valorar las nuevas tendencias del arte, y por ello le interesa poner en el mismo plano de relevancia lo último al igual que lo ya establecido.

Con respecto a la pintura basada en un registro fotográfico, ésta es una de las técnicas más actuales en nuestro medio cultural que ha logrado tener mayor auge.

“En las últimas cuatro décadas la fotografía ha florecido, es así que el aporte del artista en la muestra consiste en elegir con creatividad una determinada fotografía y convertirla en pintura; esa selección decretará la composición del cuadro”, aseveró Jorge Villacorta, para agregar que ello origina que el autor intervenga menos en su obra, “la mano del creador cada vez más se desengancha del trabanjo”, puntualizó.

Por otro lado, el curador explica que la muestra recoge diversas opciones, es decir, ésta traslada recursos de diseño grafico, fotografía y otros, a la pintura, sumándose a ello el video, escultura, instalaciones y otros lenguajes que contribuyen a redefinir la concepción de la imagen en el arte peruano reciente. Con ello, dentro de los artistas que participan en la exposición sobresalen Fernando Bryce, Alina Canziani, Piero Quijano, Carlos Chino Domínguez, Phillipe Gruenberg, Ricardo Wiesse, Juan Javier Salazar, Venancio Shinki, Herman Schwarz, entre otros.


[imagen: Patssy Higuchi, Fácil, dócil, sumisa, 2001, litografía y serigrafía, 100 x 70 c/u.]

Más sobre el 2006

Continuando con los recuentos de fin de año en artes visuales, el día de ayer el diario La Primera publicó las respuestas de cinco preguntas realizadas a cinco críticos de arte locales sobre el año que acaba de terminar. Existe un particular consenso en la importancia local de una exposición como Fluxus en Alemania 1962 - 1994 presentada durante diciembre, enero y febrero en las salas del Museo de Arte de Lima (MALI). Es definitivo que el espacio del Museo albergó las tres exposiciones internacionales de arte contemporáneo más importantes que nuestro país vio durante el 2006: además de la ya mencionada Fluxus cabe destacar la exposición del artista conceptual japonés On Kawara, y -en colaboración con Realidad Visual- la extraordinaria Michael Snow. Obras de luz y tiempo, con la proyección fílmica de una selección muy significativa de su obra, y la visita del propio Snow quien presentó uno de sus clásicos: Wavelenght. Ya me están dando ganas también de comentar algunas exposiciones del año pasado. Reproduzco entonces de forma íntegra el artículo aparecido ayer en La Primera.

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Lo mejor de lo mejor 2006

Finalizando nuestro recuento de actividades de 2006, esta vez le toca el turno al arte. Así, LA PRIMERA hizo llegar a cinco críticos y curadores una serie de preguntas, a fin que sus puntos de vista sirvan para aclarar el panorama cultural referido al año que acaba de culminar hace pocas horas.

Las preguntas
1. ¿Cuál ha sido la muestra de escultura más importante del año?
2. ¿Cuál ha sido la muestra fotográfica más importante del año?
3. ¿Cuál ha sido la muestra de pintura más importante del año?
4. ¿Cuál ha sido la instalación más importante del año?
5. En general, ¿cuál considera usted que ha sido la exposición más importante?

Jorge Villacorta
1) La de Ismael Rondall Weeks, en el Icpna de Miraflores. Sin duda, se trata de uno de los escultores que está tratando de encontrar un lenguaje propio, y al hacerlo está entretejiendo lo aprendido en su formación en los Estados Unidos con cuestiones de carácter local peruano.
2) La de Carlos Chino Domínguez, en el C.C de San Marcos. Con su fotografía, él ha inventado una forma artística que nos permite o nos ha enseñado a ver en que está la identidad limeña.
3) Fluxus, en el Museo de Arte de Lima, una muestra que vino de Alemania. En ésta se confrontó la escena plástica local con el último de los grandes movimientos de vanguardia internacional.
4) La de José Carlos Martinat, Cambios estructurales, en el C.C San Marcos. Esta instalación rompió por completo las formas habituales de trabajar en el espacio en Lima, que es una ciudad austera, dura y precaria.
5) Definitivamente Fluxus, en el Museo de Arte de Lima.

Silvio de Ferrari
No he asistido a todas las muestras, así que no puedo dar una respuesta muy certera. Además, según mi criterio, las exposiciones son reiterativas, no hay nada en especial. El arte peruano sobresale muy poco, no tiene prestigio en el ámbito internacional. Nuestro arte ya no es un arte “romántico”, se ha convertido en un objeto negociable. Ahora, si tengo que rescatar las mejores exposiciones lo haré sin que me vinculen a un crítico de arte. Yo opino como ciudadano.
1) La retrospectiva de Alina Canziani, en el Icpna de Miraflores. Me ha parecido interesante, es una gran e innovadora artista que hace años que no exhibía.
2) Son reiterativas, no voy a resaltar ninguna especial.
3) Fluxus, en el Museo de Arte de Lima. Es una exposición que no fue apreciada ni por los críticos ni por el público, pero realmente fue una gran muestra, la mejor de los últimos veinte años. También la muestra de Botero, es otro gran acontecimiento del año, y por último la de Fernando de Szyszlo, la que presentó hace un mes.
4) No hay ninguna en especial.
5) Fluxus, en el Museo de Arte de Lima

Jorge Bernuy
1) La de Benito Rosas, en el Icpna de Miraflores. El volumen y el trabajo del bronce fue muy bueno. Es uno de los pocos artistas que tiene una temática peruanista, pre-inca. La síntesis de la propuesta escultórica estuvo muy bien.
2) La de Baldomero Alejos, en la cual resalto la calidad de las imágenes.
3) La del italiano Giorgio Morando, que se tituló Naturaleza muerta. Este artista es uno de las grandes lumbreras de Italia. También la muestra antológica de Adolfo Winternitz, uno de los que trabajó los grandes vitrales de Lima; la fundación del museo de Gerardo Chávez, en el que se expone grandes obras de arte, tanto de origen nacional como internacional. Por último, la muestra antológica de David Herskovitz, uno de los artistas más expresionistas del Perú con obras muy importantes en los años sesenta.
4) La de Carlos Runcie Tanaka, en el C.C San Marcos, por la cantidad de obras presentadas y excelente planteamiento plástico. Es una propuesta de primer orden y además, el artista es muy creativo.
5) La exposición de Carlos Quíspez Asín, en el ministerio de Relaciones Exteriores. Es una muestra antológica con sus mejores obras, introduce el arte contemporáneo al Perú. Asimismo, propone un lenguaje moderno en su pintura. Definitivamente es un excelente pintor, innovador, ligado al cubismo y considerado, en la actualidad, como el mejor muralista peruano.

Gustavo Buntinx
1) Son varias, prefiero no responder, sería injusto de mencionar una de ellas.
2) La muestra titulada Yuyanapaq: para recordar, organizado por la CVR.
3) Hay quince muestras, aproximadamente, que son muy buenas, pero no quiero dejar de mencionar algunas, así que prefiero no opinar al respecto.
4) Yuyanapaq: para recordar.
5) Nuevamente digo Yuyanapaq: para recordar. Esta muestra fue importante tanto en términos artísticos, culturales como históricos y políticos. La exposición es un justo acompañamiento del informe final de la CVR.

Elida Román
1) La de Percy Zorilla, en Casacor 2006; ésta se consolidó como una muestra muy personal. También la de Sonia Prager, en la galería Fórum, la cual marca un cambio de lo que ella hace. La de Benito Rosas, en la galería de Lucía de la Puente; una exposición muy rotunda. La de Aldo Shiroma, en la galería Forum; esta muestra mantiene un sentido lúdico, irónico, es muy personal. Además de la retrospectiva de Alina Canziani, en el Icpna de Miraflores; entre otras exposiciones realizadas en la Municipalidad de San Isidro.
2) La de García Alix, en el C.C de España; es un maestro de la fotografía. Proyectos difíciles, de Santiago Roose; es un joven talentoso e innovador. La de Anamaría McCarthy, La edad vive de cabello en cabello, en Artco; una muestra con una cuestión simbólica muy bien planteada. Finalmente, la de Antonio Pescheira, con Michigan: cuatro estaciones, una muestra que indaga sobre las posibilidades de la representación, es un reconocimiento real entre lo conceptual y lo metafísico.
3) La de Fernando Gutiérrez, Huanchaco, en Lucía de la Puente. Se trata de un artista joven, y ésta fue su primera muestra, una especie de neopop, en fusión con lo popular y con una narrativa que habla de la violencia urbana-cotidiana.
4) La de Ismael Rondall Weeks, en el Icpna de Miraflores. En ésta metaforiza la vida contemporánea con cosas increíbles, tiene una capacidad escenografita muy buena. La de Patricia Villanueva, en Artco, con la muestra Doppelganger, que está muy bien planteada en un juego de identidades. La de Carlos Runcie Tanaka, en el C.C de San Marcos, una gran exposición muy bien presentada con mininstalaciones. También la de Juan Javier Salazar, en la galería Pancho Fierro.
5) Fluxus, en el Museo de Arte. Una exposición itinerante que nos mostró el origen de muchas formas en que se hace arte. Definitivamente fue un regalo. Por otro lado, el mejor acontecimiento del año fue la fundación del museo de Gerardo Chávez.

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Actualización - Remitido por Gustavo Buntinx el sábado 13 de enero a las 14:00 hs. aprox.:

Comentarios a la encuesta de La Primera

“Desde la década de 1980 vengo manifestando mi desazón ante el formato periodístico de nóminas de favoritos presentadas como balances plásticos del año. Al no proporcionar los espacios requeridos para una ponderación matizada, esos ejercicios suelen trivializar la densidad y especificidad de cada propuesta artística, imponiendo comparaciones valorativas que por lo general son imposibles y no vienen al caso. El gusto termina así imponiéndose a la reflexión, y ésa es una circunstancia contra la que siempre me he rebelado. Es además difícil opinar en términos competitivos sobre una escena en la que uno mismo mantiene un papel activo.

En el caso puntual de la encuesta planteada por La Primera existe también el problema de una clasificación por géneros que ya no es operativa para la comprensión de nuestra promiscua producción visual. Carlos Runcie Tanaka, por ejemplo, ¿es un “escultor”, un “ceramista”, un “instalacionista”, un “video-artista”? ¿Y cómo encasillar a Ishmael Randall? Et ceterae. Por eso mi respuesta a la llamada telefónica de ese periódico se limitó al ruego de que no se incluyan opiniones mías en aquel cuestionario, salvo tal vez para reafirmar la importancia político-cultural de que la exposición Yuyanapaq haya logrado otra vez ser expuesta, ahora en el Museo de la Nación y con un feliz planteamiento museográfico. En ella encontramos un poderoso correlato visual al Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación, uno de los libros más históricamente importantes que en relación al Perú se hayan escrito desde los Comentarios reales de Garcilaso Inca de la Vega y la Nueva coronica y buen gobierno de Guamán Poma de Ayala.”

Gustavo Buntinx
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[imagen: Henning Christiansen, Hammermusik, 1993]

Jaime Rázuri

Recién llego a Lima y lo primero que me entero es del infame secuestro del notable fotógrafo peruano Jaime Rázuri en la ciudad de Gaza. Al parecer el rapto habría ocurrido cerca de la oficina de la Agencia France Press (AFP) para la cual el fotógrafo trabaja. Rázuri, quien ha sido además profesor mío, es una persona por la cual tengo muy alta estima y espero que sus familiares tengan la fortaleza para sobrellevar la difícil situación que, estoy seguro, sabrá resolverse pronto de la mejor manera.

Se me informa también que hoy a las 6:00 pm., los colegas, amigos y familiares de Jaime Rázuri, harán una vigilia en la puerta de la Catedral de Lima. Además, como Rázuri practica el budismo, la Comunidad Budista Dzogchen del Perú ha convocado a una cadena mundial de oración de 24 horas, que se iniciará hoy a las 7:00 pm.

La información dada hasta el momento sobre el secuestro es escasa. Gustavo Faverón ha colgado en su blog algunas ideas al respecto, además de un link a su texto 'Definición de fotoperiodismo, su relación con la ética, y experiencia como testigo en situaciones de violencia política', escrito por el fotógrafo para el Conversatorio de Fotoperiodismo, Violencia Política y Memoria Visual Testigos de la verdad, organizado por la Comisión de la Verdad y Reconciliación en el año 2002.

[foto: Jaime Rázuri]