Convocatorias VAE11

Reproduzco las convocatorias del VAE 11.
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El 11 Festival Internacional de Video/Arte/Electrónica (VAE 11), a realizarse del 15 de Junio al 16 de Julio de 2010, tiene como objetivo principal fomentar la experimentación en el campo de las artes electrónicas y los nuevos medios, incentivando y promoviendo la producción de artistas contemporáneos, así como el intercambio artístico y cultural entre el Perú y otros países del mundo.

En esta oportunidad el VAE 11 anuncia tres convocatorias:
- 1er Concurso Nacional de Videoarte VAE 11
- Concurso Internacional de Proyectos on-line: espacio físico + virtualidad + ciudad + territorio
- Convocatoria 1er Foro Latinoamericano de Música por Computadora

Más información sobre nuestra programación: http://www.festivalvae.com/

Con el ruego de su difusión,
Festival VAE11contacto@festivalvae.com

El maestro Edgar Valcárcel falleció a los 77 años de edad

Hace dos días falleció en Lima el músico Edgar Valcárcel, uno de los primeros músicos peruanos que trabajó con música electrónica, desplazándose desde lo académico, tradicional y experimental con sonidos e instrumentos nativos. Reproduzco la nota en RPP y un par de videos del programa Presencia Cultural.
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El maestro Edgar Valcárcel falleció a los 77 años de edad
Edgar Valcárcel, uno de los más grandes abanderados internacionales de la música puneña, pereció al promediar las 2 de la madrugada, en su hogar en Lima.

Edgar Valcárcel, uno de los más grandes abanderados internacionales de la música puneña, murió este jueves 11 de marzo, a los 77 años de edad.
Valcárcel, originario de Puno, pereció al promediar las 2 de la madrugada, en su hogar en Lima.
Como gran maestro de la música y promotor de artistas, Valcárcel trajo a Lima a muchos puneños para que pudieran estudiar en el Conservatorio Nacional.
Vale recalcar que Valcárcel formó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Lima, en la universidad de Hunter (Nueva York), en los Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), en Buenos Aires, y en el centro de música electrónica del Universidad de Columbia.
Entre sus más destacados trabajos, se encuentran la dirección del conservatorio Nacional de Lima, (el único en nuestro país) y la creación de las composiciones "Dicotomía", "Queñua", "Estudio Sinfónico", "Hiwaña Huru" y "Veredicto".

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Entrevista con Jon Leidecker sobre apropiacionismo sonoro

En la web del MACBA publican una entrevista bastante interesante con Jon Leidecker, quien trabaja en collages de música apropiativa bajo el seudónimo de Wobbly. Según se indica en la web una selección de su obra se encuentra disponible en http://detritus.net/wobbly. Leidecker fue el comisario de la serie VARIACIONES para la Ràdio Web MACBA en torno a la historia del apropiacionismo sonoro y el sampling. Reproduzco la entrevista.
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Entrevista con Jon Leidecker

Pregunta: Tras tu proceso de investigación para la serie acerca del sampling en la música y el apropiacionismo sonoro en RWM, ¿cuáles han sido tus principales revelaciones o descubrimientos, teniendo en cuenta que ya eras un especialista en la materia?

Respuesta: El primer paso, más que trabajar en la narración, fue escuchar las piezas clave de la historia del collage musical una detrás de otra, en estricto orden cronológico. Hay muchas más piezas de lo que mucha gente piensa, y es útil escuchar las composiciones más raras en su contexto original junto a las más conocidas. Pronto me di cuenta de que estas piezas ilustraban una transición crucial en la música del siglo xx, la substitución de la partitura por las grabaciones sonoras como medio definitivo de la composición musical. Ahora damos por sentado que la música se compone de sonidos organizados porque así los escuchamos, y la audiencia está más familiarizada con la transformación y el control de sonidos mediante procedimientos electrónicos. El collage musical ha sido siempre el ejemplo más transparente de lo que el compositor puede hacer con esos sonidos en un estudio: cuando sabes cómo sonaba el material original, resulta más fácil reconocer lo que el compositor hizo con él a posteriori. Así que el collage musical y el apropiacionismo sonoro son de alguna manera la ilustración más clara del cambio que el rol del compositor ha experimentado a lo largo de los últimos cien años, a medida que aprendía a utilizar las herramientas que brinda un estudio de grabación.

P: ¿Podrías explicar con mayor detalle el cambio de paradigma del que hablas tanto en el primer episodio de la serie? La evolución y transformación del concepto de autoría tras la aparición de las grabaciones sonoras.

R: Hasta cierto punto, nuestro concepto de autoría es una herencia del paradigma de la música escrita sobre partitura. Incluso siglos después de la invención de la notación musical, nadie se atrevía a firmar sus composiciones; no era una práctica común, ya que iba en contra de la alabanza religiosa, que era la verdadera finalidad de la música según los estamentos más cultos de la sociedad de la época. Unos siglos más tarde, en cambio, la figura del compositor se ha inmortalizado, y su importancia en el proceso de creación musical parece indiscutible. Con la llegada de la música grabada, esa relevancia empieza a repartirse, al tiempo que queda constancia de todos los individuos involucrados en una interpretación, desde los músicos hasta el público, pasando por la figura cada vez más importante del productor o el ingeniero de sonido que dan forma a los sonidos utilizados. Las grabaciones devuelven a la música su carácter de actividad social, pero al mismo tiempo separan a los músicos de su audiencia, que empieza a concebir su experiencia como un hecho que tiene lugar en aislamiento. La experiencia de la música grabada plantea pues un conflicto entre el antiguo paradigma del creador individual y el potencial conciliador de la propia música.

P: ¿Algún otro descubrimiento que quieras destacar?

R: Lo que más me sorprendió al trabajar en el segundo episodio, el de los años sesenta, fue la cantidad de piezas de la época que eran en realidad collages de música del mundo. Durante los sesenta tuvo lugar una explosión de compositores que crearon grupos ficticios a partir de músicos de distintas culturas, encontrando armonías y contrapuntos entre gentes de distintos continentes. Una idea natural que despertó en paralelo a la idea de Aldea Global de McLuhan. Lo realmente interesante del caso es el carácter premonitorio de esta mezcla, que se anticipó a la fusión global que floreció durante los años ochenta, cuando músicos de diferentes culturas empezaron a trabajar juntos, esta vez en persona, para encontrar formas congruentes de expresar esas armonías. El estudio de grabación sirve a menudo para postular ideas sin precedentes que se convierten en algo cotidiano, algo a reproducir y explorar una vez que la gente empieza a escuchar el resultado de esas nuevas combinaciones. En otras palabras, demuestra que algunas cosas pueden hacerse realidad. Existen numerosos ejemplos de collages musicales que de alguna forma propusieron híbridos que en su momento todavía no existían, como la música disco, u otros que eran imposibles de interpretar, como el drum'n'bass. Y en cuanto aparecieron, la gente aprendió a tocar esa música en directo. Los buenos collages conllevan cierta promesa utópica que tiende a hacerse realidad, prueba de que tiene sentido verlos con buenos ojos.

P: ¿De qué trata el próximo episodio?

R: Los tres primeros episodios de la serie cubren el desarrollo del collage en el contexto del arte sonoro, los DJs y los novelty singles^[1].El cuarto episodio arranca en 1980 con el nacimiento del hip-hop, que es aproximadamente el punto en que la estética del collage devino una forma de música popular pura y se infiltró definitivamente en el mainstream. Es también el momento en que se comercializaron los primeros samplers y el término samplear empezó a utilizarse de forma habitual. Los primeros samplers se presentaron como poco más que cajas de ritmos primitivas, pero hacia la mitad de los 80 se habían convertido ya en una herramienta indispensable del pop, ya fuera de manera visible o encubierta. Mientras el hip-hop continuó su ascensión hacia la cima de las listas de éxitos, artistas como Negativland y John Oswald construyeron collages críticos y autoreferenciales a partir de materiales de la cultura popular, sentando las bases y definiendo el vocabulario, los efectos e ideas implícitas en la práctica de un artista del sampling.

P: Pero esta explosión de creatividad se anquilosó con la cruda realidad de los noventa...

R: La primera ola de juicios relacionados con derechos de autor y sampling pegó muy fuerte en los primeros noventa, y básicamente alteró la dirección que muchos artistas como Public Enemy, los Beastie Boys o De La Soul parecían estar siguiendo de manera natural, hacia una mayor densidad y diversidad de materiales. Para muchos artistas que utilizaban más de 5 o 30 muestras en una canción, se volvió literalmente imposible obtener los permisos legales para cada una de las fuentes, así que se optó por reinstaurar el modelo comercial de la versión: coger uno o dos compases, subir la batería, «rapear» encima y listos. Pero incluso así surgían los problemas, porque la cesión de derechos de autor no es obligatoria, de modo que cualquier artista o abogado está en su derecho de denegar el uso de una muestra. Hacia finales de los noventa, artistas como Dr. Dre empezaron a contratar músicos para reinterpretar las muestras elegidas y luego licenciar el resultado como una versión. Mientras tanto, los artistas interesados en la yuxtaposición y el collage fueron condenados a sobrevivir en el underground, en los márgenes. Estos permanecieron en pequeños sellos discográficos hasta que el auge de Internet solucionó el problema de la distribución, al tiempo que los mashups de canciones pop de lo más dispar acaparaban millones de descargas y buena parte de la creatividad en la música apropiacionista se afincaba definitivamente en la Red, que es a día de hoy el mayor foro de vanguardia en la materia.


^[1] Los novelty singles son un género discográfico típicamente norteamericano fundamentado en canciones-broma y pequeños sketchs humorísticos musicados, que tuvo su apogeo en las primeras décadas del siglo XX [N. del T.]

Extramuros, de Luis Alvarado

Mi buen amigo Luis Alvarado ha abierto el blog Extramuros. Los márgenes de la música peruana, un blog donde vuelve a la carga con una cantidad enorme de música que no fluye necesariamente por los canales de escucha cotidiana. Luis es, además de editor independiente de revistas como Autobus y productor de múltiples compilatorios musicales desde el indie pop al paisaje sonoro, un investigador apasionado por la experimentación musical que lo ha llevado a indagar producir exposiciones sobre las vanguardias y el sonido electroacústico de los 50, textos sobre las pequeñas historias del noise peruano, o incluso en torno a la poesía sonora como la reciente exposición Inventar la voz: nuevas tradiciones orales (sobre la cual, por cierto, Mario Montalbetti ha escrito un texto en el último número de la revista Hueso Húmero). Recientemente se presentó en Lima el libro de César Bolaños --que aun no tengo el placer de tener en mis manos-- y el cual es en realidad el preludio de una serie de importantes recuperaciones musicales. En ese mismo espíritu su blog Extramuros parece intentar proponer una lectura a contramano de la música local a partir de una serie de experiencias desclasificadas, borradas, perdidas o descatalogadas. Intuyo que el título recupera algo del espíritu de su texto 'En los extramuros del underground' (que puede leerse aquí por partes).

Para mi es un placer anunciar que Luis abre este nuevo blog al cual promete continuidad y larga vida (y con la cantidad de material que tiene le creemos), es sin duda un buen regalo para los que solíamos leer su anterior blog Autobús. Largas conversaciones, colaboraciones y complicidades editoriales hemos tenido, y sin duda es de agradecer que existan aún ánimos de autogesión y producción crítica independiente capaces de contagiar el entorno. Debo decir además que cuando este blog surgió hace ya casi cuatro años (!) pocos prototipos locales de blog tenía a la mano, y sin duda Autobús fue uno importante tanto por su agilidad en los comentarios pero particularmente porque el blog se concebía como parte de un tipo de intervención y operación cultural en la escena que relataba: más que mero cronista se trataba de ser agitador. Y ahora que me encuentro largamente fuera de Lima --y dicho sea de paso, que chateamos mas bien poco-- esta será una buena manera de mantenernos blogueramente comunicados a través de lo que nos apasiona.

Por cierto, el blog Extramuros además de pequeñas nota pone a disposición la libre descarga del material. Copio uno de sus recientes post.
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VVAA - Música Electrónica Latinoamericana (1969)
por Luis Alvarado



Este es uno de los registros más tempranos con música electrónica latinoamericana del que tengo noticia, lo que no quiere decir que incluya las obras electrónicas más tempranas compuestas en Latinoamerica, ya que estas datan de la década del cincuenta. De lo que sí podemos dar constancia es que este vinilo, editado en Argentina por Discos Siglo Veinte, incluye el trabajo de músicos pioneros en el uso de medios electrónicos para la composición de toda la región: el chileno José Vicente Asuar, el argentino Francisco Kröpfl y los peruanos César Bolaños y Enrique Pinilla.

Sobre Pinilla habría que decir que es uno de los compositores peruanos de la llamada generación de los 50s, autor de un par de cortometrajes y una novela y muy comprometido con la música de su tiempo (y con la del Perú), un verdadero vanguardista, escribió un imprescindible libro sobre la música peruana del siglo XX. Compuso una única pieza electrónica llamada "Prisma" (1967), durante su estadía en la Columbia University, pieza que se recoge en este vinilo. De César Bolaños se incluye "Interpolaciones" (1966), para guitarra eléctrica y cinta, fue compuesta en el Laboratorio de música electrónica del Instituto Torcuato Di Tella, en Buenos Aires, Argentina, donde fue becario y posteriormente profesor. Hace poco la obra fue reestrenada en el VII festival de Música clásica contemporánea de Lima, en una interesante versión. De Bolaños hay que agregar que la notable disquera neoyorquina Pogus, acaba de editarle un cd doble con sus piezas (1964-1970) y que pueden adquirir directamente a través de la web del sello.

El vinilo incluye notas del critico Jacobo Romano y mucha información sobre los compositores y las piezas. Todo está escaneado y servido aquí. Un detalle: la foto del invididuo con lentes corresponde a César Bolaños y la foto del individuo sentado corresponde a Enrique Pinilla. Son las únicas que aparecen en el vinilo lo que también lo hace especial. Disfrútenlo.


Descargar

César Bolaños. Música Electroacústica y Experimental Peruana (1964-1970)

El investigador Luis Alvarado me hace llegar el link de un disco doble compilatorio de César Bolaños editado por Pogus, con un ensayo introductorio de Alvarado. Muy recientemente se publicó en Lima además el libro "Tiempo y obra de César Bolaños". La información del Cd está de momento solamente en inglés y aquí la reproduzco.
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César Bolaños
Peruvian Electroacoustic and Experimental Music (1964-1970)

CD 1: Intensidad y Altu¬ra (1964); Interpolaciones (1966) for electric guitar and tape; Flexum (1969) for woodwind instruments, strings, percussion and tape; Divertimento I (1966) for clarinet, flute, bass clarinet, trumpet, clave, piano, double bass and percussion; Divertimento III (1967) for clarinet, flute, bass clarinet, piano, and percussion instruments; I 10 AIFG/Rbt-1 (1968) for 3 performers, horn, trombone, electric guitar, 2 percussionists, 2 projectionists and 9 projectors of slides synchronized by automatic system, and tape

CD 2: Sialoecibi, ESEPCO I (1970) for piano and a recitator-mime-actor; Canción sin Palabras, ESEPCO II (1970) for piano (2 performers) and tape; Ñacahuasu (1970) for a small orchestra of 21 instrumentalists and a recitator

César Bolaños is one of the leading artists of the Latin American avant-garde of the mid 20th century. Born in Lima, Peru in 1931, he was part of an astonishing generation of Peruvian composers: Edgar Valcárcel, Olga Pozzi-Escot, Alejandro Núñez Allauca, Leopoldo La Rosa, Enrique Pinilla and Celso Garrido-Lecca, among others. After studying piano at the National Conservatory in Lima, and following classes with the Belgian composer Andrés Sas (who after leaving Europe settles in Peru), he would join the group "Renovación" (together with Valcárcel, Pozzi-Escot, Pulgar Vidal and Sas); with them Bolaños began a series of presentations and edited a music magazine. He had already composed brief pieces for piano and music for a chamber orchestra. At that time Bolaños is interested in the work of Stravinsky, Bartók and Schoenberg. But he's still far from the sound radicalism that he would reach in the future. In 1957 he traveled to New York City to study composition at the Manhattan School of Music and electronics at RCA. He met the Argentine composer Alberto Ginastera, who offered him a scholarship to study at the Latin-American Center of High Musical Studies (CLAEM) in Buenos Aires, Argentina. On his arrival in 1963, Bolaños became involved in the design and development of the electronic music laboratory of the CLAEM. There he composed his first electronic piece and the first work generated in the above laboratory: "Intensity and Height" (1964), inspired by a poem of César Vallejo. Bolaños also composed "Interpolations" (1966) for electric guitar and magnetic tape, "Spaces I" (1966), "II" (1967), "III" (1968) for magnetic tape, the experimental audio-visual cantata "Alpha-Omega" (1967), instrumental and mixed pieces like "Flexum" (1969), "I-10-AIFG/Rbt-1" (1968), and, with a commission from Radio Bremen (Germany), "Nacahuasu" (1970), inspired by the Che Guevara diaries. Bolaños also experimented with computers, and composed two pieces with the mathematician Mauricio Milchberg. "Sialoecibi" (1970): ESEPCO I (computer sound-expressive structure)* for piano and a recitator-mime-actor (a work that satirizes the organization language initials from the 1950's) and "Song without words", ESEPCO II (1970) "Homage to the unpronounced words" for piano (2 performers) and tape. For the composition of these pieces Bolaños and Milchberg introduce into the computer parameters to have the machine generate a composition from the information obtained by the composer's production.

These recordings bring together for the first time a definitive edition of his work on CD.

Hoy "Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham" de John Cage

JUEVES 26 de NOVIEMBRE

19.30 h Performance
"Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham" de John Cage
Por Eduard Escoffet y Bartolomé Ferrando

Sixty-two Mesostics re Merce Cunningham (1971) consiste en 62 mesostics visuales, poemas acrósticos en los que siempre puede leerse verticalmente el nombre o apellido de Merce Cunningham, a quien está dedicada la pieza. Los textos están formados por sílabas o palabras extraídas del libro Changes: Notes on Choreography de Cunningham y de otros 32 libros de la biblioteca del coreógrafo, mezcladas mediante el I Ching. La partitura está realizada con 730 tipos distintos de letraset y presenta un resultado próximo a la poesía visual. Más allá de una estructura temporal muy estricta, llena de silencios entre poema y poema, las instrucciones dejan mucha libertad de interpretación. La versión de Ferrando y Escoffet, presentada por primera vez en el Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón en 2008, abrevia ligeramente su duración y acerca la pieza a las sonoridades de la poesía fonética, evitando todo virtuosismo musical.

Eduard Escoffet es poeta y agitador cultural. De 2000 a 2004, dirigió el festival internacional de poesías y polipoesías PROPOSTA (CCCB). Actualmente es asesor del festival Yuxtaposiciones (Madrid). Ha presentado su trabajo en festivales de poesía en varias ciudades de España y en Portugal, Italia, Francia, Alemania, Bélgica, China, República Checa, Estados Unidos y Argentina. Con Eugeni Bonet, fue comisario del ciclo de cine Próximamente en esta pantalla. El cine letrista, entre la discrepancia y la sublevación, que tuvo lugar en el MACBA en 2005.

Bartolomé Ferrando es uno de los poetas experimentales más destacados de España y uno de los más reconocidos internacionalmente. Formó parte con Fátima Miranda y Llorenç Barber del grupo de improvisación fonética Flatus Vocis Trio. Es profesor de performance en la Universidad Politécnica de Valencia. Recientemente ha centrado su trabajo en las posibilidades de la improvisación fonética a partir de elementos visuales aleatorios.

Auditorio MACBA. Entrada libre
Aforo limitado

La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental

Ayer en el MACBA se inauguró una gran exposición en torno a la obra de John Cage, que además incluye una serie de conciertos, conferencias, cine y performances de danza y sonido en torno a Cage y Cunningham que pueden consultarse aquí. Reproduzco la presentación de la expo tomada de la web del Museo y además una imagen de la performance "Reunión" de 1968, donde Marcel Duchamp y John Cage juegan ajedrez sobre un tablero de/con sonido (un tablero de ajedrez 'preparado' también podríamos decir siguiendo los conceptos de Cage), que me parece extraordinaria!!!

Hoy, por cierto, es la conferencia de Julia E. Robinson, curadora de la exposición y seguido un concierto en piano de Margarent Leng Tan con una selección de obras de breves de Cage para piano preparado. Leng Tan ha colaborado con Cage desde inicios de los 80s hasta su muerte en 1992, y según se lee en la presentación se trata también de la principal intérprete mundial de piano de juguete. Veremos que sucede ahora en el auditorio!

Pongo aquí ahora el audio tomado de la web donde Carmen Pardo alcanza algunas ideas sobre su obra:

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La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental
23/10/09 - 10/01/10

Su nombre resulta muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte.

La muestra trazará un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culminará con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición mostrará la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por los diálogos con artistas –Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg, entre muchos otros– que reacciona ante los mismos medios de comunicación incipientes que Andy Warhol.

La exposición revela las estrategias radicales utilizadas por Cage para perfeccionar la composición y ampliar sus parámetros, forjando un nuevo camino relevante para la generación de artistas post-Pollock. En un momento en que la pintura moderna y la subjetividad dejaban de ser fórmulas viables de la práctica artística, Cage impartía clases de composición experimental a una nueva generación de artistas en la New School for Social Research de Nueva York (1956-1960). Muchos de los alumnos de Cage y coetáneos suyos hallarían pronto su lugar en el centro de las nuevas vanguardias, desde Fluxus hasta el arte conceptual. Cage pasó a ser de este modo una de les fuerzas vivas tras el giro copernicano del arte de la posguerra a principios de la década de 1960, situado en la cúspide de la modernidad y la posmodernidad.

Las grabaciones de sonidos, los filmes, las músicas y los materiales documentales dan una idea del extraordinario alcance de las innovaciones conceptuales y teóricas de Cage. Para ilustrarlo, la exposición presentará una parte de la obra que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, desde la música que compuso para amplificar la experiencia visual de los rotorrelieves de Marcel Duchamp al principio de su trayectoria (1947) hasta la colaboración músico-poética con su compañero anarquista Jackson Mac Low, pasando por las obras con luz aleatoria, sombras y sonidos ambiente de la ciudad de Nueva York realizadas como parte del proyecto «Experimentos en arte y tecnología» de Rauschenberg. Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI. Los hitos de su obra revelan un «Cage conceptual» y se expondrán en relación directa con obras clave de contemporáneos suyos que compartieron sus compromisos con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, y abrazaron la tecnología que redefiniría toda la experiencia perceptiva: desde White Paintings de Rauschenberg (1951) y Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) hasta el nuevo mediascape de «Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, y más allá.

Mañana inauguración del proyecto Sonoteca en Fundación Telefónica

La Sonoteca es un proyecto de archivo y documentación de música electrónica y música experimental peruana, tiene como finalidad poner al alcance del público información sobre sus orígenes, su desarrollo y actualidad. La Sonoteca será actualizada periódicamente, ampliando sus contenidos y sirviendo de plataforma para la realización de proyectos y eventos, dejando abierta la convocatoria a todos los artistas peruanos relacionados con la música electrónica y música experimental para que hagan llegar información sobre sus trabajos y proyectos.

web sonoteca:
http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/sonoteca/sonoteca.html

Concepto y realización:
CENTRO FUNDACION TELEFONICA
Investigación y Curaduria
LUIS ALVARADO

Sonoteca en el Centro Fundación Telefónica

Cumplo con difundir la información que mi amigo Luis Alvarado me hace llegar vía mail.

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Hola a todos

Les escribo para avisarles que estoy trabajando en un proyecto con Telefonica que consiste en la construccion de un archivo de musica electronica y musica experimental peruana. La idea es poder documentar todos los proyectos, artistas y compositores que hayan realizado dichas innovaciones musicales en nuestro medio (desde los 60s hasta ahorita) con el fin de poner ese trabajo accesible al publico. La Sonoteca consistira en un archivo fisico, es decir la mayor cantidad de cds con dicha musica disponibles para el publico asistente al Centro Fundacion Telefonica, asi como unas estaciones o modulos de audio que tocaran dicha musica permanentemente. Y tambien contara con una pagina en internet en donde se publicara informacion de cada proyecto (una biografia, imagenes y subiremos un tema por cada proyecto, artista o compositor) de modo que se pueda tener un panorama de como ha ido evolucionando la musica electronica y la musica experimental en el Peru, en todas sus variantes, tanto la que viene de la musica electroacustica, como el techno, el pop electronico, como del noise, el jazz, la improvisacion, etc.

Para poder tener un archivo realmente solido es necesaria la ayuda de ustedes haciendonos llegar material e informacion sobre cada uno y si es posible sobre algun otro proyecto que conozcan (si guardan demos o cosas asi de proyectos antiguos se agradeceria no los presten para digitalizarlos). La idea es que sea lo mas completa posible. les dejo abajo un link con mas informacion sobre la Sonoteca. la idea es que se inaugure en Julio proximo. Bueno, espero su colaboracion, por favor reenvien este correo a todas las personas que les pueda interesar.


Atte
Luis

http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/especiales/sonoteca.html

Impresiones musicales del 2006

Luis Alvarado ha actualizado recientemente, en su blog Autobús, un recuento personal del año titulado: Música maestro o el año de la gran ilusión, algunas impresiones del 2006 (Parte 1). El texto en mención da cuenta de significativas actividades que abordan abiertamente lo musical gestadas el año pasado y que han sido obviadas absolutamente por los pocos recuentos musicales en medios locales, habitualmente dedicados a comentar únicamente discos y lanzamientos similares.

En su recuento Alvarado -quien es también editor de la revista independiente Autobús- señala la exposición Fluxus en Alemania 1962-1994 presentada en el Museo de Arte de Lima como uno de los picos más altos del año en material musical. "En ella pudimos apreciar trabajos de Cage, Nam June Paik, Joseph Beuys, Dick Higgins, etc. Partituras abaleadas, un intérprete sentado al piano y luego sacado de allí a la fuerza antes de poder tocar una tecla, Joseph Beuys repitiendo al infinito da da da ne ne ne, y así una serie de eventos llenos de sentido del humor y de honda reflexión sobre un momento en la música del siglo XX, que es necesario conocer y entender si se quiere tener una noción real de lo que significa, ya no digamos la música experimental, sino simplemente la música como se ha desarrollado en la segunda mitad del siglo XX, y en donde Fluxus jugó un rol determinante."

También destaca la emisión de la película Drawing Restraint 9 de Mathew Barney, cuyo rol protagónico y banda sonora estuvo a cargo de la islandesa Bjork. El Festival VIBRA organizado por el Centro Fundación Telefónica y Alta Tecnología Andina (ATA) le merece un comentario aparte. Es definitivo el valioso aporte al arte sonoro experimental que propugnó este notable Festival, fortaleciendo e intentando generar bases de encuentro y discusión sobre este terreno de las artes contemporáneas casi olvidado en nuestra escena local, notable esfuerzo que el crítico de arte Jorge Villacorta se encargó de llevar a buen puerto. Coincido con Luis Alvarado en que Francisco López, Charlemagne Palestine y Black Dice han sido las más gratas sorpresas internacionales de VIBRA. Ya en clave personal debo reconocer también que Black Dice tuvo la performance músical más sorprendente que he podido experimentar en el año.

También menciona la presencia de la exposición Resistencias: primeras vanguardias musicales en el Perú, a la cual este blog también ha dedicado varios comentarios tanto sobre su Seminario como de la exposición misma. Entre otros puntos significativos señala el reencuentro de Los Saicos y del posterior concierto de Los Manganzoides en Mochileros, quienes con Erwin Flores -cantante de Los Saicos- entonarían una memorable versión de 'Demolición' (1965) y cuyo registro en video se encuentra como bonus en el último cd, 'El entierro de Los Manganzoides', de Los Manganzoides -notable disco por cierto-. Y otras tantas apariciones, lanzamientos, conciertos y sorpresas que Alvarado comenta. Vale la pena leerlo.

[imagen 1: Benjamin Patterson, Una breve historia del Siglo XX, 1989-1994, c/u 80 x 40, una de 7 piezas, madera con diferentes objetos]