'No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico', en el MAM de México D.F.

Motivos de tiempo nuevamente me impidieron anunciar la imprescindible exposición que está curando Sol Henaro en el Museo de Arte Moderno de México D.F. que revisa por vez primera la corrosiva producción del No-Grupo (1977-1983), uno de los colectivos más agudos e irónicos de la experiencia de los llamados 'grupos' mexicanos a los cuales Juan Acha sería muy próximo. Reproduzco la invitación y unos fragmentos del texto de la curadora.
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No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico

Los esperamos el próximo jueves 7 de octubre

Museo de Arte Moderno

Ciudad de México

20:00 hrs.

El No-Grupo (activo entre 1977 y 1983) se caracteriza por un humor cáustico y una irreverencia iconoclasta total ante los canales oficiales del momento. Si bien durante su fundación fue importante la participación de Andrea di Castro, Hersúa, Sandra Isabel Llano, Katya Mandoki, Roberto Realh de León o Susana Sierra, éstos dejaron de formar parte al poco tiempo y fueron en cambio Maris Bustamante, Melquiades Herrera, Alfredo Núñez y Rubén Valencia los artistas que conformaron y dieron forma a la producción del No-Grupo durante sus seis años de acción y quienes aún disuelto el grupo, continuaron parte de la postura que los caracterizó como grupo.

El tejer nuevos relatos sobre la historia del arte reciente resulta un proceso delicado precisamente por la mediana distancia temporal, por la escasez de archivos sobre el periodo y los afectos que la atraviesan pero también es sin duda un acontecimiento donde son posibles los testimonios de muchos de sus protagonistas y donde resulta inaplazable la construcción de nuevas memorias. En tanto primera exploración crítica de este ejercicio colaborativo de los 70’s-80’s, la exposición No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico, aparece como un ejercicio necesario que desde el presente, da a conocer a nuevas generaciones y redimensiona para otras, la producción y postura del No-Grupo.

Libro 'Conceitualismos do Sul / Sur' (Cristina Freire y Ana Longoni eds.)

Con mucho retraso anuncio la publicación del libro Conceitualismos do Sul / Sur, editado por Cristina Freire y Ana Longoni, el primer volumen de una serie de publicaciones de la Red Conceptualismos del Sur y que este 2010 espera materializar otras dos publicaciones. Este primer libro es el resultado del Seminario 'Conceitualismos do Sul/Sur' realizado en el Museu de Arte Contemporânea (MAC) de la Universidade de São Paulo en abril de 2008, en el marco de la exposición 'Ars Brevis', una antológica sobre la obra de Paulo Bruscky curada por Cristina Freire. Aquella fue, por cierto, la primera reunión regional de la Red, la segunda fue en Rosario, Argentina, en el marco de la exposición 'Inventario 1965-1975. Archivo Graciela' (cuyo libro está en preparación) en octubre de 2008, y en Santiago de Chile en julio de 2009.

Quiero mencionar que en esta edición se publica un texto que escribí con Emilio Tarazona, presentado en el Seminario en Sao Paulo, como parte de las investigaciones postriores asociadas a la exposición La Persistencia de lo Efímero. Orígenes del no-objetualismo peruano: ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965-1975), y en particular en torno a la producción crítica de Juan Acha y las acciones e intervenciones críticas generadas en el año de 1970, titulado "Otra Revolución Posible. La guerrilla cultural en el Perú en 1970". Agrego que este mismo texto acaba de ser publicado en castellano en la revista Illapa, que edita el Instituto de Investigaciones Museológicas y Artísticas de la Universidad Ricardo Palma.

El libro Conceitualismos do Sul / Sur se presentó en octubre pasado en la Libreria Martins Fontes Paulina, en Sao Paulo, con la presencia de Suely Rolnik, Felipe Ehrenberg y Cristina Freire. La edición es bilingue (portugués y castellano). La lista de autores incluidos es larga, además de los ya mencionados destacan Clemente Padín, Graciela Carnevale, Antoni Mercader, Paulo Bruscky, Fernando Davis y Soledad Novoa. Reproduzco aquí una pequeña nota sobre la publicación y el índice de contenidos.
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Conceitualismos do Sul

Formato: 16 x 23 cm, 362 páginas
ISBN: 978-85-7419-957-3

As décadas de 1960 e 70 têm sido bastante revisitadas pela história e crítica de arte recentemente. No entanto, esse grande interesse não implica na homogeneidade dos enfoques e perspectivas, nem tampouco nos sentidos que se atribuem a tais experiências. As práticas conceituais tornam-se bastante relevantes para se repensar aos rumos das instituições como os museus, as exposições e os arquivos diante da globalização e dos programas neoliberais correlatos que assolam as políticas culturais mundo afora.

Recuperados hoje, por meio de investigações, muitos documentos, obras, artistas, coletivos e movimentos vêm sendo reavaliados. A recuperação de arquivos oriundos das práticas e dos sistemas de circulação artísticos alternativos, importante naqueles anos difíceis, sugere uma atenção para estratégias e táticas onde outros instrumentos de análise devem ser buscados.

Essa publicação é resultante do Seminário “Conceitualismos do Sul/Sur” realizado no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (2008), que contou com o apoio da FAPESP e do Centro Cultural de Espanha em São Paulo e Buenos Aires e concretizou uma colaboração intensa entre pesquisadores e artistas da América Latina e Espanha.

Sumário sintetizado

Prefácio - Cristina Freire e Ana Longoni

Capítulo 1 - Artistas, curadores e arquivistas
1.1 Artistas/curadores/arquivistas: políticas de arquivo e a construção das memórias da arte contemporânea (Cristina Freire)
1.2 Editora como projeto artístico: Beau Geste Press/Libro Acción Libre.(Felipe Ehrenberg)
1.3 Entrevista com Felipe Ehrenberg
1.4 Arte inobjetal: da representação à ação (Clemente Padín)
1.5 Entrevista com Clemente Padín
1.6 Algumas questões sobre o arquivo (Graciela Carnevale)
1.7 Entrevista com Graciela Carnevale
1.8 Bruscky e Fluxus (Paulo Bruscky)
1.9 Entrevista com Paulo Bruscky
1.10 O desafio da patrimonialização da arte conceitual: Grup de Treball (Antoni Mercader)
1.11 Entrevista com Antoni Mercader

Capítulo 2 - Outros conceitualismos
2.1 Outros relatos dos conceitualismos (Ana Longoni)
2.2 Práticas “revulsivas”: Edgard Antonio Vigo nas margens do conceitualismo (Fernando Davis)
2.3 Outra revolução possível. A guerrilha cultural no Peru em 1970 (Emilio Tarazona e Miguel López López)
2.4 Noções sobre o conceitual/ noções sobre o experimental: Chile anos 1960/70 (Soledad Novoa Donoso)

Capítulo 3 - Sentidos em luta: recuperação contemporânea dos conceitualismos e da arteconceitual
3.1 Desentranhando futuros (Suely Rolnik)
3.2 Arte conceitual depois da arte conceitual (Cristina Freire)
3.3 Dilemas pendentes. Perguntas frente à recuperação dos conceitualismosdos anos 1960 (Ana Longoni)

Intermitencias de fin de año

No pude actualizar en los últimos días por mi acelerado fin de clases de trimestre, las fiestas navideñas y un paseo rápido por Madrid, el fin de semana pasado, para ver exposiciones. Y dentro de pocas horas estaré volando Florencia, y luego a Nápoles, donde espero poder tener un poco más de tiempo para descansar y escribir con una tranquilidad distinta. Y digo esto también porque allá es posible que no tenga acceso diario a internet, por lo cual el posteo será más intermitente y demorado, pese a que tengo varios posts acumulados en la cabeza. Y a menos que alguno de mis compañeros quiera tomar la posta este fin e inicio de nuevo año, creo que no puedo preveer la continuidad de mis actualizaciones. Ando terminando de editar una muy buena entrevista que le hice a Jorge Ribalta, curador de la exposición El Archivo Universal que se viene presentando actualmente en el MACBA, y que aparecerá en el primer número de la revista argentina Ramona del próximo año; terminando (comenzando, a decir verdad) un pequeño texto para una publicación que deberá aparecer el mes entrante en México; además de continuar las preparaciones para una exposición que inaugura en mayo en Stuttgart; dos exposiciones de revisión histórica para el 2010 y otras apariciones parásitas que harán que no me sienta tan desligado de Lima durante el 2009. Este ha sido mi primer año largamente separado de la ciudad -creo que es ya bastante evidente para los lectores de este blog que ya no vivo en el Perú-, y he tratado de que pese a todo el blog no pierda la inmediatez de lo que acontece localmente, pero creo que hasta cierto punto ello ha sido inevitable. Pero retomando el hilo de lo dicho, estaré en Italia hasta el 7 de enero sin conexión a internet estable, y luego del 9 al 15 de enero en Londres para participar en una lectura como parte del programa Meeting Margins el 13 de enero, lo cual todavía resulta un pequeño misterio para mí. Pese a todo, aún planeo actualizar en ese lapso en las medidas de mis posibilidades, y me voy con ansias de poder tener un tiempo de pensamiento y producción intensa. He estado tan desconectado que ni siquiera me he enterado sobre cómo resultó el libro que la Universidad Ricardo Palma ha editado de las conferencias que dictó Juan Acha en 1969 en la galería Cultura y Libertad, y que quedaron inéditas, bajo el título Nuevas referencias sociológicas de las artes visuales: Mass-media, lenguajes, represiones y grupos, para el cual Emilio Tarazona y yo escribimos el estudio introductorio titulado "Juan Acha y la Revolución Cultural. La transformación de la vanguardia artística en el Perú a fines de los Sesenta". Así que si alguien ya lo vió y tiene comentarios pues me gustaría oirlos (o leerlos).

En suma, el cambio de año va a estar intenso, y anuncio las obligadas intermitencias de actualizaciones del blog hasta la quincena de enero, con lo cual intento evitar dar impresiones equivocadas. Ojalá tengan días productivos -yo también lo espero para mí-, y me despido de momento con un rápido comentario, en el siguiente post, sobre la exposición Fotografías de Zoe Leonard que se viene exhibiendo actualmente en Madrid, y con el anterior posteo sobre la dimensión política del Museo a propósito de un texto de Manuel Borja-Villel.

Feliz año nuevo!

La persistencia de lo efímero - por Gabriela Germaná

Centro Cultural de España
15 de marzo - 29 de abril de 2007

>LA PERSISTENCIA DE LO EFIMERO
Orígenes del no-objetualismo peruano: ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965 – 1975)

Por: Gabriela Germaná

Más que una exposición de obras de arte, es una exposición de ideas. Rescatar ideas del pasado, aunque cercano, es una tarea difícil, sobre todo si estas fueron materializadas en gran parte de manera efímera. En este contexto, los curadores de la exposición, Miguel López y Emilio Tarazona, han tenido una ardua labor en la búsqueda de las creaciones de un grupo de artistas que entre 1965 y 1975 realizaron una serie de actos artísticos en los que la idea era lo que prevalecía sobre la realización material de la obra. Los resultados obtenidos son verdaderamente notables.

La exposición, estructurada en una secuencia cronológica, se divide en tres partes: “Desgaste y disolución del objeto”, “Despertares y revoluciones”, “Una aparente conclusión”. A través de ellas se sigue un claro recorrido que demuestra cómo hacia mediados de la década de 1965 irrumpen en la escena artística local una serie de propuestas que, ante la aparente crisis de la obra pictórica, cuestionan los formatos y los procedimientos establecidos en las artes hasta ese momento.

Este distanciamiento conllevó un interés por los objetos, muchos de ellos nunca antes considerados como válidos en el campo de la creación artística –instalaciones efímeras realizadas en materiales de deshecho, frágiles y poco duraderos–, y poco a poco al distanciamiento mismo del objeto que conducirá al happening y a la acción. Hay una voluntad evidente por el cambio de las nociones estancadas sobre el funcionamiento de la creación y circulación de la obra de arte, hay un interés por fusionar el arte con aspectos de la vida cotidiana y priman conceptos antiburgueses y anticomerciales en los que ya no es importante la configuración del objeto, ni que permanezca como objeto de valor, a la vez que se diluye la figura del artista y del objeto firmado.

A mediados de la década de 1975 es indiscutible un proceso de desarticulación de este movimiento que se había conformado en Lima en tan pocos años. Uno de los mayores aciertos de la muestra es integrar una serie actores y lugares que parecían dispersos para la historia del arte peruano de esa época y lograr reunirlos en un todo coherente que adquiere sentido alrededor de determinados artistas y críticos y de algunos espacios de exposición alternativos.


Es por ello que cuando el crítico de arte Juan Acha, la figura teórica más sólida alrededor de la cual gira este movimiento, deja el país en 1971 y la galería “Cultura y Libertad”, en la que se realizaron muchos de proyectos expuestos, cierra sus puertas, el final de este corriente se hace evidente. Sin embargo, se pueden seguir ciertas conexiones con desarrollos artísticos posteriores, como las propuestas exhibidas de Jorge Eduardo Eielson, Rafael Hastings e Ivonne von Mollendorf, quienes establecieron vínculos importantes con la escena internacional del arte experimental.

Haciendo un rápido recuento de la exposición, en la primera sala nos encontrarnos con fotos de proyectos en los que el objeto, aunque realizado en materiales poco duraderos y ortodoxos para el sistema artístico del momento, todavía es visible. En este sentido son claves la exposición Yllomomo y el objeto Mangas con lunares de Gloria Gómez Sánchez, los muñecotes tremebundos de Luis Arias Vera, y la exposición colectiva realizada enteramente con objetos hechos en papel periódico Ambientación. Genial la recreación de la obra de “Ah y el chino de la esquina”, con las flechas que nos guían efectivamente hasta la bodega que se encuentra en la misma calle del Centro Cultural de España.

En la segunda parte, lo primero que se muestra son una serie fotos de proyectos en los que la transformación del espacio galerístico por medio de materiales como plástico, cartón o la misma iluminación, se constituye en la misma obra. Luego encontramos proyectos de corte claramente conceptual como la performance Ballet verbal de Ivonne von Mollendorf, una las propuestas más interesantes y audaces en la concepción y realización, al invitar formalmente a una función de danza para, en el momento del supuesto espectáculo, describir tres coreografías con palabras. También se encuentra Galería de Arte de Emilio Hernández Saavedra que aborda la institucionalidad local a través de la reproducción fotográfica de la definición de la palabra galería tomada del diccionario, las fotos de personal de esta institución, la reproducción de la invitación a la exposición, la crítica de la misma, etc.

Y Autorretrato de Teresa Burga, trabajo conformado por documentos y esquemas que procuran una aproximación a sí misma pero tratando de eludir elementos expresivos, como fotos de su rostro, electrocardiogramas o un artefacto lumínico y sonoro que informa sobre los latidos de su corazón. La exhibición completa de la obra, con partes realizadas este año por la misma artista especialmente para esta ocasión constituye, en nuestra opinión, una de las ideas más notables de la exposición.

Teresa Burga resulta una de las artistas que más concitaron nuestro interés, de hecho es de la que se presenta un mayor desarrollo de sus obras, siendo evidente que hubo un contacto directo y muy cercano con ella. Además de Autorretrato se exhiben sus Propuestas, esquemas, diagramas e indicaciones para la realización de instalaciones o acciones. Una de ellas, Work that disappears when the spectator tries to approach it, ha sido realizada para esta exposición. Se trata de una obra lumínica sencilla, pero meticulosamente estructurada y calculada –aspecto característico de toda su producción–, de la que emana un encanto particular en el paso gradual de la oscuridad a la luz, que va adquiriendo diversos grados de coloración mientras uno se acerca a ella.


La investigación de los curadores ha dado como resultado un esquema bastante ordenado del desarrollo del arte no-objetual en los diez años tratados. Esto se plasma de manera bastante clara en la muestra, que adquiere un carácter didáctico particularmente interesante, el que por supuesto agradecemos. Sin embargo, para lograrlo cada proyecto ha debido ir acompañado de largas explicaciones sobre la intención de cada uno de ellos. Es el resultado de intentar mostrar obras en las que predomina la idea. A esto se agrega la imposibilidad de mostrar muchos de los trabajos, salvo a través de fotos y documentos de la época. Es el resultado de querer mostrar lo efímero. Bajo estas circunstancias ¿habría habido otra forma de montar la exhibición de tal modo que se comprendiera a cabalidad cada proyecto? La sensación frente a la obra misma –aún recreada– pensamos que es fundamental.

Esto queda clarísimo cuando uno llega a la sala adyacente al patio y encuentra las instalaciones L'Espace de Rafael Hastings, Work that disappears when the spectator tries to approach it de Teresa Burga y la genial El espacio de esta exposición es el de tu mente, haz de tu vida la obra de Gloria Gómez Sánchez. Éstas, junto con Ah y el chino de la esquina de Luis Arias Vera en la primera sala, y Autorretrato de Teresa Burga, en la segunda, son las que realmente nos permiten comprender cabalmente no sólo la intención de los artistas, sino la importancia, audacia y apertura que un movimiento como éste tuvo en el panorama del arte peruano contemporáneo.


GABRIELA GERMANÁ
Historiadora de Arte.

[Tomado y reproducido íntegramente de la revista Arte Marcial #4 ]

Orígenes del no-objetualismo peruano (1965-1975)

Texto escrito para ser incluido como anexo junto a la nota de prensa de la exposición.
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La persistencia de lo efímero
orígenes del no-objetualismo peruano:
ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965 – 1975)

Esta exposición está dedicada a
Juan Acha y Jorge Eielson

Una etiqueta inscrita a mediados de los años Setenta por Juan Acha fue señalada para dar cuenta de formas desmaterializadas de arte que acentuaban la importancia del acto estético, confrontando con ello la supremacía del objeto estético. Un no-objetualismo que, para el caso peruano, el crítico situaba en su brote germinal a mediados de los Sesenta, teniendo en mente las primeras irrupciones del experimentalismo plástico que transformarán la escena local durante aquél detonante momento.

No obstante, el advenir del llamado no-objetualismo en la vanguardia peruana de los años Sesenta es aún un suceso difuso, cuando no insólito. Poco se ha referido acerca de estas propuestas –y menos aún, han podido ellas volverse a exhibir públicamente- durante los decenios sucesivos a su realización. Sin embargo, este hecho no es tanto un factor como una consecuencia, determinada por una suma de otros factores cuyo análisis se insinúa en parte de este recorrido preliminar.

Así destacado, aquella suma de condiciones terminó por restarle nitidez a la imagen que tenemos del experimentalismo de entonces y contribuyó finalmente a desaparecer su recuerdo dentro de la historia del arte peruano. Obstaculizando, con el paso de los años, la posibilidad de reunir sus registros prácticamente inéditos o su vestigio material supérstite.

Pareciera que las repercusiones del Pop, Op y Hard Edge han cubierto la mayor parte del repertorio visual que nosotros guardamos de estos años, condenando al experimentalismo más radical a un lugar relegado.

Lo que esta muestra pretende es subsanar ese vacío; permitiéndole al público encontrarse con un conjunto de obras cuyo contexto distante pero redescubierto, pareciera tocado por una frescura que pone en evidencia lo lagunar de una historia del arte peruano contemporáneo, aún el día de hoy, solo escrita parcialmente.

Miguel López + Emilio Tarazona
curaduría e investigación

La persistencia de lo efímero

Bueno, ya que estamos en el clima perfecto entre reconstrucciones de ambientaciones y obras efímeras de los sesenta en adelante en México, y de las futuras revisiones del concepualismo en Colombia y la edición de las actas del I Coloquio de No-objetualismo de Medellín, pues creo que es el momento preciso para anunciar la exposición La persistencia de lo efímero. orígenes del no-objetualismo peruano: ambientaciones / happenings / arte conceptual (1965-1975) que estoy co-curando con Emilio Tarazona y que se inaugura el próximo 15 de marzo en las salas del Centro Cultural de España.

La persistencia de lo efímero... es un intento de volver a mirar la llamada vanguardia peruana a través de sus experiencias más furtivas e inmateriales, las cuales irrumpirán en la escena limeña a mediados de los años Sesenta para el desconcierto de muchos y para el entusiasmo de muy pocos. Juan Acha -uno de esos pocos- sería desde entonces el acompañante teórico ideal, capaz de impulsar críticamente las incursiones más audaces y de señalar el camino de una práctica artística que, desde sus ojos, debería convertirse paulatinamente en una herramienta de transformación de la propia sociedad, capaz de constrarrestrar los efectos más nocivos de la sociedad de consumo.

Este no-objetualismo aludido es, para Acha, no una oposición a los 'objetos' propiamente, sino una afrenta a la fetichización del objeto y sus soportes renancentistas. Estas prácticas artísticas no-objetualistas, abiertamente críticas de los habituales sistemas de representacion, intentaban horadar el sentido de trascendencia y unicidad de la obra de arte tradicional, poniendo en abismo el sentido de su propia existencia y canalizando toda su energía en un momento singular: el acto, y del cual muchas veces no quedarían ni los más mínimos rastros. Y aunque si bien el término fuera acuñado a mediados de los años Setenta en México, en plena efervescencia de los llamados 'grupos' de la escena de vanguardia mexicana, sus líneas argumentales y conceptuales parecen poder ser rastreadas de sus escritos de mediados de los años Sesenta en Lima.

Así, tempranas ambientaciones, happenings, acciones corporales, obras lumínicas, registros fotográficos y obras conceptuales en fotocopias, textos y situaciones, se erigen ahora como uno de los vestigios más fascinantes de una práctica crítica disidente que vio necesario replantear los términos acostumbrados de lo artístico en aquellas décadas de abstracción lírica y conservadurismo estético.

La puesta en escena de estos documentos, registros fotográficos, obras en papel y reconstrucciones -parciales y completas- de ambientaciones y tempranas instalaciones rearticulan momentaneamente, para nuestra mirada, una escena hasta hoy prácticamente invisible. Y cuyo examen debería servir no sólo para añadir nuevas coordenadas de lectura al experimentalismo plástico local tal como lo conocemos (habitualmente anclado en E.P.S. Huayco como punto de partida), sino además para interrogarnos sobre los modos en que determinadas prácticas son inscritas o no, dentro de la historia del arte.

Sobre lo primero pues recuerdo ahora un texto de Herbert Rodríguez (ex-integrante de E.P.S. Huayco) donde afirma que la alfombra de latas de leche Gloria con la imagen de Sarita Colonia es "el acto fundacional del no-objetualismo peruano" (1). Una aseveración que sorprende y evidencia el olvido, frontal o involuntario, de las experiencias experimentales emergentes y consolidadas generadas en los años Sesenta y Setenta; desplazando así también una interrogante para mí fundamental y que tiene que ver con los posibles (o imposibles) hilos o conexiones entre una escena de experimentalismo Sesentero y quizá, lo que podría llamarse, su asentamiento crítico-ideológico a través de E.P.S. Huayco (1980-1981) y otras experiencias de no-objetualismo ya durante los Ochentas.

En cualquier caso estoy absolutamente contento de que finalmente se realice esta exposición. Y aunque todavía nos quedan 13 días sumamente difíciles -y muy pocas horas para dormir- quiero desde ya preparar motores ya que este es sólo el primer paso de un proceso de recuperación, reinserción y discusión sobre el no-objetualismo y los orígenes del arte conceptual peruano que, esperamos, nos de para largo. Por lo pronto la exposición trae sorpresas, y varias. Mis preferidas son definitivamente varias de las reconstrucciones de obras conceptuales de los sesenta y setenta. Y aunque no adelantaré mucho aún, intentaré ir subiendo en los próximos días algo de información sobre el tema.

Adelanto también que en el marco de esta exposición vamos a estimular la discusión sobre el asunto, prepárense! Y adicionalmente esperamos presentar la tercera semana de abril un libro que recopila las actas del encuentro realizado en octubre del año pasado por los 40 Años de la exposición del grupo Arte Nuevo en El Ombligo de Adán, con los textos leídos entonces por los miembros del grupo de vanguardia, fotografías de las obras de la exposición, documentos y manifiestos anexos de aquel 1966 alrededor de la exposición y la polémica, y el ensayo introductorio que Emilio Tarazona y yo leyéramos aquella oportunidad. (aquí un texto publicado luego del encuentro)

Así esperamos ir complementando las recuperaciones del no-objetualismo y conceptualismo peruano, con la circulación y difusión crítica de fuentes y documentos históricos que permitan nuevas entradas sobre nuestra tan olvidada y radical década de los Sesentas. Y pronto más sorpresas aún!! El trabajo continúa y estamos muy contentos por ello.

(1) Rodríguez, Herbert. Una opinión sobre la Exposición "Huayco". Lima, mayo de 2004.

[imagen: Portada de Agenda de marzo del CCE / Obra en carátula: Emilio Hernández Saavedra, Museo de Arte Borrado, 1970, fotografía intervenida]