Presentación del libro PARA-ISO

Después de varios meses de desconexión y de tener sin actualizar este blog lo retomo lentamente luego de haber aterrizado en lima hace muy poco. Posteo el anuncio de la presentación del libro Para-iso de Janine Soenens.
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PRESENTACIÓN DEL LIBRO
PARA–ISO

Lima ,12 de marzo de 2011

“Un inventario de obras e ideas”. Así describe la artista Janine Soenens PARA-ISO, el primer libro acerca de su trabajo que se presentará en el espacio La Ex Culpable el próximo miércoles 16 de marzo a las 7:30 p.m.

El libro recoge imágenes de más de cincuenta obras, entre las que se cuentan dibujos, instalaciones, performances, proyectos site-specific, videos, esculturas y poesía. Incluye un ensayo a modo de presentación de Emilio Tarazona, una amplia conversación con Jorge Villacorta y un poema-correspondencia escrito junto con la artista Luz María Bedoya.

Las obras de Soenens reflexionan acerca de la condición absurda del trabajo, el imaginario socialmente construido del éxito, la relación entre materia y naturaleza y el reconocimiento de una fuerza que empuja hacia un logos griego. La ley, sea la que procede de la naturaleza, o bien la que se establece jurídicamente, ocupa un lugar determinante en ellas, abordada desde el poder que le reconoce la artista de afectar la percepción de la realidad. La operación es realizada bajo el signo de un humor vinculado a la desestabilizadora acción del sinsentido. En esta dialéctica, Soenens se ha preocupado de que el propio libro reproduzca la gestación compleja, interminable por derecho, que relaciona a la obra de arte con los conceptos que la inspiran y al mismo tiempo ella modifica.

Janine Soenens ha desplegado en conjunto una trayectoria poco habitual y destacada dentro la
escena del arte peruano más reciente: “[…] son muy diversas entre sí [las obras] y sin embargo todas están lejos de producir la sensación de una conciencia dispersa o que ponga en duda que el autor de toda la obra sea un solo individuo. Allí es justamente donde la palabra producción alcanza otro sentido mayor incluso”, apunta el crítico Villacorta en las páginas de PARA-ISO.

La artista inició estudios en la especialidad de escultura en la Facultad de Arte de la Universidad
Católica para terminar su diplomado en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París.
Paralelamente cumplió un intercambio de dos años en la Universität der Künste en Berlín. Ha realizado las exposiciones individuales El invariable entusiasmo de Sísifo (Municipalidad de
Miraflores, 2008) y Va y viene (Centro Fundación Telefónica, 2009), así como participado en muestras colectivas en Lima, Cusco, París, Biarritz, Berlín, Bombay y Detroit.

Para más información, por favor contactarse con Janine Soenens vía mail janinesoenens@gmail.com

Fin de la Ilusión - Diego Otero

A propósito de la exposición Crisis in Progress, curada por Emilio Tarazona y Dorota Biczel y recientemente inaugurada en el ICPNA de San Miguel, Diego Otero publica un comentario en El Comercio que aquí reproduzco.
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Fin de la ilusión
por Diego Otero

Una muestra radical, en caliente, sin concesiones, eso pretende ser “Crisis in Progress. Entre la inquietud y el espasmo”. Emilio Tarazona y Dorota Biczel, los curadores, están interesados en hablar de cómo nuestro (¿supuesto?) lugar de privilegio económico en medio del torbellino de la crisis financiera global no debería tenernos demasiado contentos. Después de todo, luego de los sucesos de Bagua es muy fácil darse cuenta de que vivimos sumidos en una crisis estructural, que va mucho más allá de las cifras optimistas.

Tiranía del mercado
Tarazona tenía ánimos de hablar del punto en que los límites entre política y arte se pueden diluir. Y Biczel, que es una artista polaca surgida en los años noventa, había pasado por el Perú y había encontrado similitudes en los procesos de apertura al mercado en Europa del Este y en Latinoamérica. El disparador de la discusión era, pues, la economía neoliberal. El disparador, pero también el blanco móvil: el objeto final de la crítica. Los curadores lo ponen así: “Cuando las personas, la naturaleza y la cultura son sometidas a las leyes de la economía neoliberal, devienen recursos para la producción de objetos o servicios dentro de la lógica del consumo, y a su vez instrumentos para toda especulación financiera”.

En ese marco, el “Instituto Precario de Estrategias Económicas de Sobrevivencia”, el proyecto de Carlos León-Xjiménez, uno de los artistas convocados, es una especie de oficina portátil dedicada a registrar los diversos modos de empleo alternativos o de emergencia, más allá de la esquiva formalidad.

Un avión de cabeza
Aunque lo más interesante del “Instituto” quizá sea su logo, que resulta revelador: un signo de admiración superpuesto a uno de interrogación. La conjunción de ambos genera un tercer ícono, algo así como una parodia o un resto de la hoz y el martillo. La imagen de la vieja utopía parece transfigurarse en el encuentro de una hueca pregunta y de un asombro. Otro ejemplo elocuente es el trabajo de Luz María Bedoya, titulado “La caída”, que consiste apenas en un “zoom” a la imagen de Quiñones volando de cabeza y a ras del suelo en el billete de diez soles.

Las asociaciones son inevitables e inmediatas: la (virtual) caída, en ese contexto, no solo es la del avión, también puede ser la de una economía que vuela para la tribuna (para los que no se la juegan en nuestra cancha, digamos) y que parece no darle importancia alguna a los riesgos que esa actitud puede acarrear. Riesgos también evidenciados en “Ecotopía postropical”, la instalación de Janine Soenens que habla del extraño encuentro entre la tropicalización del arte peruano (pensemos en la pintura y la música) y un comentario oscuro, áspero, profundamente crítico, acerca de los trágicos sucesos de la selva.

Se acabó la fiesta
La crisis económica internacional se refleja de manera singular, oblicua, en el Perú, y pone en evidencia una trama de problemas políticos, sociales y culturales que están más allá de cualquier coyuntura. De eso ha terminado hablando “Crisis in Progress”. Los recientes acontecimientos de la selva se han convertido en un punto de inflexión. “Lo que parecía un escenario exageradamente optimista, que incluso arrastraba una solidaridad nueva, con una conciencia mucho más fuerte del otro, de pronto se derrumba en un instante”, sostiene Tarazona.

Todo esto tendrá repercusión en el sistema artístico; un sistema que hizo eco de la primavera económica del país y que, en los últimos años, vivió una especie de “boom”. A juicio de Tarazona, este estado de entusiasmo y bonanza, que generó un auténtico posicionamiento del arte peruano a escala latinoamericana, tuvo una contraparte, evidenciada en una escena dentro de la cual el arte crítico era absolutamente bienvenido, y por ende neutralizado. “Creo que el hecho de que se pensara en la violencia política como algo del pasado, algo ya resuelto, facilitaba el consumo rápido del arte crítico, y esa rapidez de alguna manera esterilizaba dicho contenido crítico”.

¡Lejos de la escena!
Ahora todo ha cambiado. Se han revelado cosas, y esta muestra sin duda registra ese cambio. De ahí la pertinencia de lo que han realizado Biczel y Tarazona con el material prestado por Miguel Cordero, por ejemplo. Cordero es un artista que se ha alejado radicalmente de la escena en los últimos años. Lo de Cordero no es la exhibición de una obra sino de una actitud: tres diplomas de estudios en oficios que no tienen nada que ver con el arte acompañan a una acuarela completamente negra, apenas iluminada por una frase que alude a la certeza de que ese trabajo no calificará para un concurso. (De hecho, ese trabajo fue presentado al concurso de acuarela del Icpna en el 2006, y efectivamente no calificó).

Los curadores han complementado la pieza —por llamarla de algún modo— con un correo electrónico del propio Cordero en el que agradece, pero rechaza la invitación a participar en la muestra. “La actividad artística se ha convertido en un pañuelo de seda que cae coreográficamente en algún lugar sin muchas emociones”, dice ahí el ¿ex? artista, y sobra cualquier tipo de comentario. Trabajos de Félix Álvarez, Alfredo Márquez, Miguel López, Christians Luna, Ishmael Randall, Eduardo Villanes y Nicole Cuglievan completan la exposición. Como para no dejar de verla.

De Varsovia a Lima
“Crisis in Progress” va en la galería del Icpna de San Miguel (Av. La Marina 2469) hasta el 30 de agosto. Vale la pena verla porque combina la mirada crítica de artistas de diversas procedencias y actitudes —unos reconocidos, otros que se mueven estratégicamente en la periferia— con la de dos curadores de procedencias y formaciones distintas. Aunque, como dice la propia Dorota Biczel, hay demasiadas similitudes entre lo que pasó aquí y en Polonia: “Si pensabas en democracia en los 90, pensabas en capitalismo, no había otra opción. Y la idea de crecimiento es un calco del mismo discurso que se vende en el Perú”.

Inventar la voz / Crisis in progress (Hoy)

Dos exposiciones abren hoy en Lima. "Inventar la voz. Nuevas tradiciones orales" en el Centro Fundación Telefonica (Av. Arequipa 1155) y "Crisis in progress. Entre la inquietud y el espasmo" en el ICPNA San Miguel (Av. La Marina 2469). Aqui la informacion sobre ambas:
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INVENTAR LA VOZ: Nuevas tradiciones orales

Una exposicion con poesia sonora y demas experimentos vocales, reune trabajos de poesía sonora y experimentación vocal.

Curador: Luis Alvarado.

Los participantes de esta exposición son: Mario Montalbetti, Pauchi Sasaki, Luz María Bedoya, Frido Martín, Juan Diego Capurro, Daniel Kudó, Carlos Estela, Casari & PPPP, Rodrigo Derteano, Paulo Novoa, Reynaldo Jiménez y Omar Aramayo.

Inauguración: 7 agosto, 7:30 pm. Habra una performance de un trio vocal conformado por Pauchi Sasaki, Paulo Novoa y Juan Diego Capurro.


Como parte de las actividades de investigación y difusión de prácticas sonoras experimentales en el Perú, la Sonoteca del Centro Fundación Telefónica presenta Inventar la voz: nuevas tradiciones orales. Doce creadores peruanos (poetas, músicos, artistas plásticos y artistas sonoros) se dan cita en esta atípica exposición de audio en donde cada creador participa con una pieza sonora compuesta usando como elemento principal a la voz. Cada uno se aproxima a la voz desde su propia perspectiva: poesía sonora, música coral, experimentación vocal, arte sonoro, spoken word, etc.

Inventar la voz nos permite reencontrarnos con la voz como elemento vital, nos hace imaginar un lenguaje, una manera diferente y posible de establecer relaciones con el otro. Así como para nuestros antepasados la voz (el mundo de lo oral) constituía el medio para comunicarse con el otro y con lo divino, en la actualidad la voz se encuentra mediada por una serie de tecnologías que la amplifican, la multiplican, la distorsionan y también la vacían. Esta exposición pretende hacernos reflexionar sobre el lugar que la voz (como signo de una individualidad y/o sociedad, así como materia de un habla) ocupa en nuestro imaginario, en nuestra cultura.




CRISIS IN PROGRESS. Entre la inquietud y el espasmo.

Curadores: Dorota Biczel y Emilio Tarazona

Participan: Félix Álvarez / Luz María Bedoya / Miguel Cordero / Nicole Cuglievan / Carlos León-Xjiménez / Miguel López López / Christians Luna / Alfredo Márquez / Ishmael Randall Weeks / Janine Soenens / Eduardo Villanes.

Inauguración: 7 agosto, 7:00 pm.


La neblina ha sido, este año, más que una condición climática de las primeras semanas del otoño, una metáfora casi profética de los meses sucesivos. A la distancia, algo parecía comerse la ciudad, desaparecerla, revelando una condición atmosférica de la que podían emerger nuevas presencias en medio de un paisaje que, hasta ese momento, en el Perú, se suponía despejado y en crecimiento continuo. Envueltos en el contexto, la alusión es aun poderosa: todo parecía cubrirse de cierta inquietud y cierto espasmo, inducidos simultáneamente por la dificultad de observar nítidamente el entorno más allá de unos pocos metros. En efecto, la nitidez de la crisis parece haberse instalado recientemente en el discurso del gobierno, alterando radicalmente la idea difundida anteriormente de que el país se encontraba en una situación privilegiada e invulnerable a sus influjos. La niebla se disipa siempre por un lado para envolver otros territorios acaso más cruciales o problemáticos –como las fricciones creadas por la sobre-explotación de los recursos naturales o de grupos sociales enteros, que inciden sobre el tema siempre presente de la exclusión– y los medios de comunicación juegan aquí un papel importante en esa conocida estrategia.

En el discurso de políticos y agentes financieros las palabras “progreso” o “crecimiento”, frecuentemente utilizadas para referirse al desarrollo del país –con su alusión al movimiento hacia adelante o al proceso orgánico y biológico–, reflejan un tipo particular de dominación cognitiva sobre el uso del lenguaje. Ellas pueden parecer apropiadas después que la modernidad las ha deslizado en el habla cotidiana. Por el contrario, “crisis” podría resonar como la ruptura o interrupción de un proceso. Todas esas palabras reflejan una miopía del sistema de valor dentro del capitalismo neoliberal, orientado a una maximización de beneficios sobre lo invertido en el tiempo mas corto posible. En este sistema, el Producto Bruto Interno (PBI) es usado como una forma recurrente para hablar del bienestar del país, donde el sentido del “valor” es definido solo en la dimensión monetaria del dogma económico. Esta última tiende a analizar el mundo inestable de los cambios y flujos de la vida cotidiana desde una abstracción en cifras.

Cuando las personas, la naturaleza y la cultura son sometidas bajo las leyes de la economía neoliberal, devienen recursos a ser utilizados para la producción de objetos o servicios dentro de la lógica del mercado y del consumo, y a su vez instrumentos para toda especulación financiera. Una continua explotación que incrementa los beneficios de diferentes tipos de capital (natural, humano o cognitivo) y que tiende a mantener y reproducir del orden social existente. El punto medular de los recientes enfrentamientos en Bagua afirma un componente local que se resiste a convertirse en materia prima para extinguirse y volverse una moneda virtual visibilizada solo en diagramas o índices de “desarrollo” propagados por el gobierno. Un riesgo decisivo aquí es el derecho (sin alusión a orientación política alguna en este término, usado para referirnos a las normas jurídicas establecidas universalmente para los seres humanos) a concebir un propio sistema de valor expresado en un lenguaje propio, no restringido por los requerimientos de las políticas de expansión neoliberales. Si el valor del medio ambiente y de la tierra son el corazón del conflicto en la selva, una pregunta es aquí si un desplazamiento e inflexión similar –contraria a una evaluación basada en el rédito inmediato de lo invertido– es también posible (y cómo) desde el interior (o desde los márgenes) del sistema artístico.

En efecto, la crisis está trabajando, significativamente, en la tarea de dinamitar los consensos que parecen haber investido de cierto optimismo a-crítico a las perspectivas abiertas por los nuevos circuitos económicos y ámbitos de difusión para la práctica artística local surgidos en los últimos diez años. Se trata aquí de buscar otras coordenadas para nuevas expectativas –ajenas a las que caracteriza toda cotización o proyección bursátil– y contribuir al trazado de futuros que –a diferencia del sistema prepotentemente impuesto como modelo de civilización–, sean sostenibles. Hasta hoy, estas sociedades emergen fuertemente en el deseo, en la imaginación que moviliza los actos concretos y, más allá de toda incertidumbre, oponen al propio miedo la esperanza.

(Foto: detalle, con colores modificados, de una propuesta de Carlos León-Xjiménez. "Precarious Institute for Economic Survival Strategies", Berlin 2006-Lima 2009)

Algunas exposiciones en Lima: Miguel Aguirre, Sandra Gamarra, José Luis Martinat, Janine Soenens...

No he podido anunciar ninguna exposición de Lima del último mes, pego aquí algunas cosas que me han llegado por mail.

Miguel Aguirre con Biopic; y La ilusión del uso de Sandra Gamarra en los dos pisos de la galería Lucía de la Puente. Se trata de dos artistas que radican desde hace varios años en España y cuyo trabajo se ha mantenido de forma constante en el soporte pictórico. No he podido ver ninguna de las dos exposiciones y mi comentario va a resultar extremedamente parcial pero ambas me parecen muy sugerentes: Aguirre por un lado observando cómo han sido representadas en el cine determinadas figuras de la historia universal, advirtiendo con ello los modos de inscripción de ciertos acontecimientos en la memoria colectiva; y Gamarra por otro dando un paso más en su trabajo de análisis del sistema del arte iniciado con su proyecto LI-MAC (un Museo de Arte Contemporáneo de Lima ficticio), que luego de representar el lugar de los espectadores en distintos espacios institucionales se desplaza ahora a mirar los espacios arquitectónicos, esquinas, pisos, intervalos, rincones, u otros lugares aparentemente vedados de la observación de los lugares que sirven de aparente soporte a las 'obras de arte'. Esto último además parece plantear un diálogo bastante sutil con las fotografías de Louise Lawler quien desde fines de los 80s -y no se si hasta ahora, pero su trabajo me encanta- se dedica a fotografiar los contextos de las obras, observando precisamente los espacios intermedios, las zonas de descanso, los reflejos, entre otros elementos que, al igual que la serie de pinturas de Sandra Gamarra, presentan al arte no como meros objetos y significados a desentrañar sino como una suma compleja de relaciones y cuyo sentido es siempre arbitrario y contingente. Ambos proyectos se complemetan de una forma sorprendente, trazando una observación aguda sobre los modos de ilusión y haciendo un desmontaje del propio ejercicio pictórico en el acto de la representación. Creo que no ha podido haber mejor arranque de año con ambos para la galería Lucía de la Puente, ya que sin duda Aguirre y Gamarra son de lo más agudo y crítico que tenemos actualmente desde la pintura contemporánea.

Miguel Aguirre, Judas Iscariote, de la serie Biopic
óleo sobre papel, 34,6 x 48,5 cm.

Sandra Gamarra, La ilusión del uso VII,
óleo sobre tela 195 x 162 cm.

José Luis Martinat -quien reside en Suecia- inaugura mañana en la galería Revolver una exposición individual bajo el título Contenedor donde mostrará piezas del 2006 hasta el presente. Como la exposición no ha inaugurado y tampoco tengo demasiadas certezas sobre las piezas no puedo decir mucho. La primera exposición de Martinat en Lima fue en la galería Punctum con la pieza Bedrock city, curada por Jorge Villacorta, pieza que volvimos a mostrar en la exposición Tránsito de imágenes (puntos de fuga hacia el arte último) en el MALI en el 2006. Y el año en la exposición Tener Lugar, que co-curé con Sharon Lerner en el Centro Fundación Telefónica, pudimos mostrar Mainroad, una pieza notable donde Martinat elimina los personajes de la serie animada del Coyote y el Correcaminos y presentar un paisaje que extraña y descoloca. Y por algunos comentarios de Martinat se que en esta oportunidad se mostrarán videos, dibujos e instalación. Reproduzco la invitación.


En el Centro Fundación Telefónica se vienen presentando varias piezas recientes de Janine Soenens. Ya Emilio Tarazona ha colgado un post sobre la exposición así que no haré más comentarios -además no he visto tampoco la exposición-. De Janine Soenens pues aquellos que pudieron ver su primera individual en Lima el año pasado, titulada El invariable entusiasmo de Sísifo, habrán guardado el recuerdo de una de las primeras presentaciones más sólidas de los últimos años. Reproduzco el still de uno de sus videos exhibidos.