ramona fue "una inyección de ironía, de provocación, de ingenio, de frescura"

"ramona llega a su fin" como ya hemos señalado en este blog, no sin pena. ramona fue una de las primeras e ineludibles referencias editoriales de muchos de los que empezamos a leer y a escribir crítica en esta última década, intentando por sobre todo mirar América Latina, y procurando sortear las grandes dificultades que todavía existen para que revistas y proyectos independientes circulen de forma regional. Siendo honestos debo decir que ramona siempre fue mi preferida. Creo que no hay revista translocal que haya disfrutado tanto leyendo como ésta, quizá para mi solo comparables con la --ciertamente más seria-- Revista de Crítica Cultural de Chile (editada por Nelly Richard) y la agudísima colombiana Valdez (editada por François Bucher, Lucas Ospina y Bernardo Ortiz). He ahí mi 'top 3' local de una criticidad corrosiva que realmente se va a extrañar! Ahora mismo ramona está incorporando a la web todo su archivo digital, todas sus ediciones en pdf, que pronto serán de público acceso y de libre descarga (ya hay muy buena parte subida de su colección con un muy buen buscador).
Hay mucho que decir sobre la revista y este no es todavía nuestro acto de despedida. Precisamente aprovecharé el siguiente post para comentar su última edición travesti (Ramón), titulada Transmariconizando el Sur, del cual fui co-editor, y que marca también la última edición de sus números regulares. Pero antes de comentar ello quiero reproducir la breve entrevista de Martí Manen a Guadalupe Maradei, miembro del equipo editorial, publicada hace pocos días en a-desk y que dibuja un poquito sobre lo que fueron esos 10 años.
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"Una inyección de ironía, de provocación, de ingenio, de frescura"

Entrevista con Guadalupe Maradei, miembro del grupo editor de la revista ramona

por MARTÍ MANEN

Después de 100 números (y un especial final) ramona se despide. Se trata de una de las revistas más importantes sobre arte y pensamiento producidas en latinoamérica. De la pulcritud del papel y el blanco y negro, desde la calidad en el texto, ramona se ofrece como archivo de si misma en la red y, al mismo tiempo, se diversifica en múltiples proyectos.

Marti Manen - ¿Cómo empezó ramona?

Guadalupe Maradei - El proyecto empezó a cobrar forma en los albores de este nuevo siglo en una reunión en casa del artista argentino Sebastián Gordín, pero era un sueño de larga data del coleccionista de arte contemporáneo Gustavo Bruzzone. Allí coincidieron el coleccionista con el artista conceptual Roberto Jacoby, quien diseñó la línea artístico-editorial del proyecto. La elección del nombre “ramona” es un homenaje a la prostituta Ramona Montiel que creó Antonio Berni como figura central de muchas de sus obras. Sobre la historia del personaje hay un dossier especial en el número 12 de la revista. ramona fue concebida como forma de devolver la voz a los artistas, refractar sus pensamientos, sus poéticas y sus percepciones de la escena artística.

MM - ramona es/era una revista donde lo importante eran los contenidos textuales y, al mismo tiempo lograba una comunicación empática con el lector. ¿Cómo definirías el estilo de ramona?

GM- Una inyección de ironía, de provocación, de ingenio, de frescura. Despojó al discurso sobre el arte de monotonía y solemnidad.

Heterogénea y plural. Un mosaico de voces que se convirtió en una polifonía crítica porque nunca ocultó sus contradicciones.

Valiente y vital. Como dijo uno de sus colaboradores: “ramona es una linterna en la boca del lobo”. Planteó debates desacralizadores del campo artístico y no tuvo miedo de hablar sin tapujos de sus mecanismos de legitimación.

Iconoclasta. Se dedicó a las artes visuales pero se negó a publicar las imágenes para potenciar el discurso escrito como creación autónoma no subsidiaria de la imagen; para diferenciarse de las publicaciones que privilegian la fetichización y la mercantilización de la obra; y para revertir la carencia general de textos de calidad que marcó históricamente al circuito artístico local.

MM- ramona ha sido uno de los lugares importantes desde los que acercarse a temas vitales en arte desde Argentina y otros países. ¿Cómo se llenará el vacío?

GM - ¡No sabemos!

MM - 100 números son muchos números. Durante el tiempo de publicación, ramona ha visto como en su interior surgían proyectos paralelos (pensando en la web, por ejemplo): ¿son ahora estas derivaciones más importantes que la revista en papel?

GM - No, en absoluto. Siempre funcionaron como espacios complementarios, en términos de contenidos y en términos de gestión. En ningún momento compitieron en cuanto a relevancia o notoriedad. Por ejemplo, todos las novedades que fueron surgiendo en relación con nuevos proyectos de Fundación START se difundieron e impulsaron en primer lugar desde ramona y, en sentido inverso, el material publicado en formato impreso en estos años y que representa un importante archivo y fuente para la investigación sobre la situación, preocupaciones y debates del campo artístico y cultural argentino contemporáneo, puede consultarse en una de las secciones de la web llamada “colección ramona”: una herramienta de libre acceso, consulta, y de carácter gratuito, que pone el contenido y trabajo realizado por ramona a disposición de investigadores, académicos, estudiantes y público en general. “colección ramona” está disponible on-line, para el uso permanente por parte del público, a través de su índice temático, onomástico y la búsqueda por concepto específico.

MM - ¿Qué recomendaciones da ramona para la escritura en arte?

GM: Toma de postura ideológica, trabajo creativo de escritura, libre flujo del deseo.

MM - ¿Ve ramona más conexiones a nivel global que en sus inicios?

No, desde los primeros números pueden observarse nexos con la escena artística internacional tanto en la instancia de producción de la revista (ha tenido numerosos corresponsales argentinos en el exterior y colaboradores extranjeros entre los cuales se destacan Liam Gillick de U.K, Thierry de Duve de Bélgica, Nelly Richard de Chile, Dmitry Vilensky de Rusia, Brian O’ Doherty de Irlanda, Claire Bishop de U.K, Suely Rolnik de Brasil, Susan Douglas de Canada, Robert Store de USA, Kevin Power de U.K, Arthur Danto de USA, Gianni Vattimo de Italia, Abbas Kiarostami de Irán), como en la instancia de recepción: la leyeron en Berlín, Barcelona, Nueva York, Lima, México, Bogotá (alguien contó incluso que en Brooklyn se hacían tardes de lectura de ramona). Fue invitada a Documenta 12 Magazines en Kassel 2007 y a distintas ferias internacionales y hay ejemplares de ramona en decenas de bibliotecas, centros culturales y museos del mundo. Lo que sí cambió en los últimos tres años es el modo de sistematización de ese material: se han producido y publicado varios números especiales sobre la escena artística de distintos países del mundo o sobre artistas argentinos residentes en el exterior y también se impulsó una sección llamada “Textos claves”, alimentada por textos inéditos en torno a problemas de estética y teoría cultural, que investigadores contemporáneos de diversas latitudes cedieron para su publicación y partir de los cuales ramona llevó adelante un proyecto muy interesante de traducción y divulgación.

Comentarios sobre La Comunitat Inconfessable (Pabellón de Catalunya) y el Pabellón de Murcia de la Bienal de Venecia

A propósito del pabellón de Murcia curado por Jota Castro, y de Catalunya curado por Valentín Roma, en la reciente Bienal de Venecia reproduzco un intercambio de opiniones publicado ya hace un mes en el blog de A-desk. Copio solo los comentarios a partir de un artículo de Martín Manen. Si bien hice el anuncio del Pabellón de la Urgencia es este blog es una lástima que no haya podido haber anunciado a tiempo el proyecto curatorial de Valentín, que involucra el trabajo de Daniel García Andujar (Technologies to the People), Pedro G. Romero (Archivo F.X.), Joan Vila-Puig y i Elvira Pujol (Sitesize), y cuya labor de hormiga se fue gestado en paralelo a Subversive Practices que co-curamos e inauguraba tan solo una semana antes de la Bienal. Espero aún poder pasar por Venecia y ver el proyecto antes del cierre.

Otras opiniones sobre la exposición La Comunitat Inconfessable curada por Roma, y que según me han comentado también ha sido uno de los proyectos más agudos en Venecia, pueden verse aquí: artículo de Xavier Antich y artículo de Carles Guerra, publicados en La Vanguardia. Una entrevista con Valentín Roma, publicada en a-desk, puede verse también aquí.
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Identidad nacional e identidad europea. O como meterse en un lío.
Valentín Roma:
Martí, Me han sorprendido dos ideas de tu texto que me gustaría comentaras un poco más exhaustivamente si tienes tiempo. Una es la relación que planteas entre el pabellón catalán y el murciano y la otra es la continuidad que ves entre la idea de catalanidad planteada por el noucentisme y su pervivencia hasta hoy en el proyecto de Catalunya para la Bienal de Venecia. Te expongo mi interpretación y comentamos. No estoy nada de acuerdo con que La comunidad inconfesable y El Pabellón de la Urgencia. La sociedad del miedo, sean propuestas que trabajan sobre ideas de diversidad e historia ni siquiera desde perspectivas diferentes. Al hilo de esto también leí hace unos días que David G. Torres decía en su blog que en Catalunya habíamos hablado poco del pabellón murciano "posiblemente porque las comparaciones duelen". Sin entrar en las apreciaciones personales de cada uno creo que podríamos llevar esto a un terreno más abstracto y matizar algunas cosas importantes para abordar estos dos proyectos. Según mi opinión, uno de los principales problemas de la aplicación de la "clave política" a la interpretación del arte es la la facilidad con la que se llega al cliché, al eslogan y a cierto sensacionalismo desactivador. Lo político, si es que esta categoría existe de forma aislable, se convierte así en una especie de vinagreta mala que elimina cualquier matiz de sabor y cualquier elemento específico. Más allá de otras consideraciones acerca de cómo se están gestionando en la Comunidad de Murcia las inversiones en materia de promoción cultural, creo que la propuesta de Jota Castro para la Bienal de Venecia ejemplifica un tipo de prospecciones que, repito, a mi modo de ver, son una especie de potaje o gazpacho populista y profundamente inocuo. Sólo desde esa perspectiva culinaria de juntar todo en una misma olla se me ocurre que un artista de una trayectoria incuestionable como Hans Haacke pueda compartir discurso con una propuesta tan comercial y naïf como la de Rainer Ganahl, o que Alfredo Jaar, que ya hemos visto todos su grandísima "radicalidad" en el nuevo Arts Santa Mònica de Altaió, se relacione con Fernando Bryce, que me parece un artista muy interesante y obsesivo en su propia coherencia. Ya te decía antes que nos movemos en conjeturas personales y cada cual interpreta según su propio prisma, pero más allá de cómo se resolviesen los dos pabellones creo que ambos partían de una tesitura totalmente opuesta que, en el caso de Catalunya, no era inflaccionar esa especie de metadiscurso de lo político en lo estético, sino mostrar algunos ejemplos particulares, entre otros muchos posibles, de proyectos artísticos colectivos que tienen en la base de su idiosincrasia y en la dinámica de su actividad la reflexión sobre qué significa la idea de comunidad o comunitarismo al aplicarla al territorio del arte. La otra cosa que me llamó la atención es la lectura noucentista que realizas del pabellón de Catalunya. El rigor, el control, la mirada abierta y la modernidad sin desmadres no creo que formen parte de La comunidad inconfesable y, si me apuras, ni siquiera pienso que sean los valores fundamentales del proyecto noucentista, que ideológicamente hablando es un proyecto que sirve a la burguesía catalana para reafirmarse como clase hegemónica y para proyectarse al resto del estado español. Eso sin contar sus revivals mediterranoides o la mirada esa medio hortera y espiritualizante a la Grecia Clásica. Que eso pueda ser una manera de entender cierto nacionalismo cutre no te lo discuto y que desde la apología del Mediterráneo se hayan hecho mil campañas de promoción de Barcelona tampoco, pero creo que entre el ruralismo de Guerau de Liost y las referencias también "rurales" de Pedro G. Romero a la producción de monedas laicas durante la Guerra Civil hay una gran diferencia. Disculpa el rollo y perdona, también, las referencias particulares que hago a tu texto que es, sin duda, más general. Igual si continuamos debatiendo podemos hablar de otros aspectos.


Martín Manen:
Hola Valentín. Ya avisaba en el título que me metía en un lío, así que está perfecto comentar las diferencias y similitudes de apreciación. Como ves, no entro en el texto a valorar los contenidos de los pabellones de Murcia y Catalunya. El motivo es obvio: además de lo que hay dentro el hecho de que sea la primera edición de ambos pabellones permite -y obliga- a realizar cierto análisis digamos "externo". Los objetivos, independientemente de las exposiciones presentadas, de los pabellones son de algún modo distintos. Y aquí el paralelismo con el Noucentisme en el caso catalán. (me sorprendo a mi mismo escribiendo algo como "caso catalán")

Antes de tu propuesta, y como has apuntado en alguna ocasión, ya se define en las bases del jurado del pabellón catalán de qué tiene que ir la cosa. Creo que esta voluntad de comunicar una "manera de fer" ordenada, lógica, con sentido, trabajada, seria, rigurosa, capaz de investigar, con base intelectual, sin excesos de "rauxa" y más tirando hacia el "seny" viene marcada por el proceso de definición de lo que es el pabellón, independientemente de lo que se exponga en él, aunque lo expuesto deba aceptar los márgenes o pueda participar o jugar con ellos.

No puedo creerme, como dices, que el rigor no forme parte de La comunitat inconfessable. Estamos hablando de propuestas de investigación como base de los proyectos presentados. Mal iríamos si, por ejemplo, toda la investigación de Pedro G Romero no pudiera sustentarse mediante el rigor de la investigación, para hablar de un artista que esconde una enorme cantidad de capas y capas de material histórico e información en la mayoría de proyectos que realiza...

La idea del artículo era intentar ver qué papel queríamos jugar en todo esto que define diariamente un proyecto político de enorme envergadura como es la Unión Europea en un momento en que la definición de la identidad individual sigue viéndose afectada -o aún más- por cuestiones geográficas o fronterizas. Qué papel queríamos jugar frente a los grandes nacionalismos, los micronacionalismos, los "buenos" y los "malos", pensando también que en cualquier situación de crisis económica se dispara el factor nazi y se pueden decir auténticas locuras que no pasa nada. Si el contexto arte era un lugar en el que hablar de definiciones, pensando en ese otro momento previo a una segunda guerra mundial que nos puso en absoluta alerta frente a los totalitarismos identitarios. Si nos parece aburrido, rancio y demodé todo lo que suene a nacionalismo, si nos metemos al trapo o si esquivamos la cosa como si no fuera con nosotros.

Como ves, en el texto hay distintos elementos. Venecia, los nuevos pabellones, otras varias exposiciones, algunos nombres de referencia y un poco de lanzarse con todo lo que está pasando en este momento intentando mirarlo desde cierta distancia para ver si existen conexiones, si aparecen temas debajo de manifestaciones aparentemente muy distintas o si, por lo contrario, equivoco el tiro completamente.

"Hoy día el artista circula con nombre propio pero sin apellidos nacionales" Entrevista con Gerardo Mosquera

En el último número de la revista A-desk se publica una entrevista al crítico cubano Gerardo Mosquera que aquí reproduzco.
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“Hoy día el artista circula con nombre propio pero sin apellidos nacionales”

Entrevista con Gerardo Mosquera

por DESIRÉ VIDAL

Gerardo Mosquera es una de las voces más reconocidas de Latinoamérica. Su conocimiento de la situación global del arte (su paso por el New Museum en Nueva York o la Rijksakademie en Amsterdam son ejemplos de ello) es paralela a su capacidad de lectura crítica del arte generado en los distintos países de Latinoamérica. Mosquera habla de política, de Venezuela y Cuba, así como de la situación en Argentina.

Desiré Vidal: Has comentado cómo existen y se comparten una serie de códigos internacionales en el mundo del arte, algo así como un latín culto que deriva en nuevas lenguas populares. Comparabas, como ejemplo, el trabajo de un artista de Palestina con otro de Brasil en que si bien hay elementos propios del lugar, necesariamente ligados al contexto como el modo de resolver técnicamente una obra, los formatos, los sujetos y las problemáticas son las mismas. ¿Es posible que suceda esto en aquellos países que estarían fuera del mainstream, de los circuitos internacionales del arte actual por una postura política decididamente antiglobal, de discursos localistas e individualistas, como es el caso de Venezuela con Chávez o Cuba?

Gerardo Mosquera: Lo que está haciendo Chávez es realmente loco. Venezuela tenía y todavía tiene colecciones de arte contemporáneo, nacional e internacional, impresionantes, fruto de las fortunas millonarias de la época del petróleo que, hoy día están inmovilizadas. Cuando Chávez tomó el poder, se encargó personalmente de eliminar e incluso ridiculizar públicamente a los directores y responsables de los centros y museos de arte públicos, profesionales altamente cualificados, con carreras muy prestigiosas como curadores, críticos, historiadores... respetados internacionalmente. Un buen día, escuchando la radio, estas figuras se enteran de la noche a la mañana que han sido despedidos de sus cargos, por el propio Chávez anunciando “Y ahora vamos a limpiar los museos de la burguesía. Mª Elena Ramos, directora del Museo Nacional de Bellas Artes, ponchaaaaá (término importado de la jerga del beisbol), y así sucesivamente. Fue una situacion lamentable y patética.

DV: Lo realmente preocupante es su amplio radio de acción e influencia, que si bien puede suponer un alzamiento de un nuevo modo de pensar y actuar y ser latinoamericano, despierta desconfianza por sus modos poco transparentes y democráticos.

GM: No, no creo. Por suerte ahora con la caída del precio del petróleo se quedó sin dinero y su poder irá a menos. Todo pare indicar que financió la campaña de Cristina Kirchner, el vuelo en que engancharon la famosa maleta era el decimotercero de ese avión, por lo que posiblemente otras maletas iguales habrían entrado antes. Su influencia en otros países latinoamericanos le vino por el dinero, pero ahora ya no tiene tantas maletas. Pienso y confío en que eso no va a durar. De hecho, en estas recientes elecciones, salió elegido por un pequeño margen, el país esta divido en dos.

DV: ¿Y Cuba?

GM: En Cuba al régimen le quedan diez años. Se salvó que lo ha mantenido Chávez.

DV: Usted sigue viviendo en Cuba

GM: Sí, vivo ahí, pero estoy totalmente marginado por el régimen, soy un inxiliado, un exiliado dentro de mi propio país. No puedo enseñar, no puedo publicar, dar una conferencia, no puedo hacer nada, no hay acceso a internet, nada. Allá puedes hacer cosas subterráneamente, uno solo por su cuenta. pero en cuanto te organices con otros la cosa se complica. Cada vez que salgo tengo que pedir un permiso al Estado, todo un tramiterío burocrático que demora días, de modo que suelo salir por períodos largos para trabajar en diferentes lugares. Ellos me conceden los permisos porque me invitan de entidades e instituciones internacionales prestigiosas a las que no les interesa decir que no para evitar escándalos, y es que cada vez que viajo tengo que justificar a donde voy, con quien, para qué...

DV: ¿Y todo el trabajo que realizaste para la Bienal de Cuba y en el Ministerio de Cultura?

GM: Sí, así es, pero, aparte de eso, mi trabajo más importante en la época fue el de crítico de arte. Durante la década de los 80 tuvieron lugar procesos culturales renovadores en los que participé activamente, desarrollándome como crítico de arte. Fui uno de los protagonistas de todo ese proceso, por lo que he estado muy vinculado a la vida cultural de mi país. Esa es una de las razones por las que no me fui, para quedarme trabajando desde dentro de una manera crítica e independiente.

DV: No pueden tener acceso a Internet ni a una cuenta de e-mail. No hay acceso legal a la vastedad de la información digital ni a la red global. ¿Es palpable una brecha o distancia entre los creadores out-net y los in-net?

GM: ¡Si es que no pueden ponerle puertas al ciberespacio! Esa es una de las manifestaciones más evidentes del sinsentido del régimen. Las nuevas tecnologías han vuelto la situación incontrolable. Por ejemplo, un artista hace un vídeo en Cuba, alguien se lleva una copia fuera y eso comienza a circular, tener vida propia fuera de la isla. El Ministerio de Interior de Cuba se afana en desarrollar programas informáticos para poder rastrear conexiones ilegales al Internet... una locura. Otro caso es el blog Generación Y de Yoanni Sánchez, se llama así en referencia a toda una generación de niños que recibieron nombres que imitaban sonidos extranjeros porque era símbolo de estatus social. Es el más conocido de una cantidad de blogs independientes que han surgido en Cuba.

DV: Gerardo puedes contarme un poco más sobre cómo surgió y cómo evalúas el proyecto que dirigiste durante este año “Nueve curadores discuten su obra” ahora que has venido a cerrar el ciclo. ¿Cual es el papel del curador? ¿Que perfil y formación demanda? Es necesario un ejercicio de crítica para no repetir, no caer en formalismos...

GM: Este proyecto de formación surgió de la invitación de Lidia Blanco, directora del Centro Cultural de España en Buenos Aires, para cubrir un vacío. En Argentina hay muchos artistas, galerías, espacios, propuestas independientes, pero las posibilidades de formación para los curadores son prácticamente inexistentes. En este contexto, pensé que sería una contribución plausible convocar a una variedad de curadores internacionales a presentar su trabajo a curadores, artistas y críticos de Buenos Aires y Santiago de Chile, sobre todo a los jóvenes, en una serie de encuentros mensuales a lo largo de nueve meses. Exponer su producción como materia de análisis y discusión, creando un espacio de trabajo flexible y adaptado a las necesidades concretas de los curadores, estableciendo un networking entre todos. Para la mayoría de los asistentes supuso conocer en persona por vez primera a excelentes profesionales como Cuauhtémoc Medina, Vicente Todolí, Taiyana Pimentel... Y no fue difícil atraerlos y entusiasmarlos en este proyecto, por su perfil y por la propia seducción que despliega el pasado histórico y literario de Buenos Aires. Una de las debilidades de estos proyectos que se desarrollan en países subdesarrollados es que no se productivizan, no se capitaliza el esfuerzo que se realiza. En este sentido, es clave el papel que está desempeñando la Red de Centros Culturales de España en Latinoamerica, espacios de dinamización, activación y producción cultural dirigidos por profesionales con ideas, con ganas, que no son burócratas. En muchos lugares estos centros han supuesto locus de renovación cultural, como sucedió con el desaparecido centro cultural de La Habana.

DV: Sí, comparto esa opinión, sin duda. Sin embargo, estos equipamientos culturales que cuentan con más recursos, medios, redes e infraestructuras que los netamente locales, suelen ejercer un rol de apadrinamiento de la movida cultural de la ciudad, tanto, que en algunos casos, acaban desarrollándose relaciones de dependencia o eclipsando las iniciativas independientes o más modestas.

GM: Sí, es posible, pero qué vas a hacer, ¿¡que se mueran de hambre!? Creo que no entran en competencia ya que cada uno tiene un papel importante por hacer y cada uno cumple su ciclo, que en el caso de los proyectos surgidos de artistas y colectivos suelen tener una vida relativamente breve per se, sean en Buenos Aires o Londres. El papel de una institución es diferente, y los centros culturales de España cubren un vacío institucional evidente en muchos casos. La actividad artística en general está muy necesitada de renovación de aires, de entrada de nuevas miradas, y es que para lo grande que es el país la escena artística de primer orden es reducida si lo comparas con Brasil o incluso Colombia.

DV: Estuviste trabajando para el New Museum of Art de New York. ¿Desde allá cual es la mirada que se tiene de acá?

GM: No buscan el exotismo porque ya no interesa. No te quieren por tu origen, por de donde vienes, sino por a donde vas. Hoy día el artista circula con nombre propio pero sin apellidos nacionales. Si bien hay circuitos a los que les interesa explotar los tópicos y estereotipos de la nación de origen del artista para un mercado muy concreto, eso no tiene ningún sentido hoy día en el circuito internacional del arte, especialmente cuando comprobamos que el arte contemporáneo se aprende, se descubre y se distribuye por Internet, o cuando lees la hoja de vida de cualquier artista y ves que su itinerario profesional discurre en diversos países o ciudades. Lo que interesa es cómo la diferencia produce nuevos significados en los códigos internacionalizados.

DV: ¿En qué proyecto estás trabajando ahora?

GM: Ahora mismo estoy trabajando en un proyecto en Córdoba (España) con los patios tradicionales, un espacio de exposición potente por todas las líneas discursivas entre lo público y lo privado, lo tradicional y lo contemporáneo… Me interesa trabajar con lugares o escenarios fuera de la protección del cubo blanco. Se llama El patio de mi casa. Arte contemporáneo en patios de Córdoba y se presentará del 15 de octubre al 29 de noviembre. Va a estar bueno, resulta muy interesante trabajar con los propietarios de estos patios patrimonio cultural de la ciudad y con los artistas visitantes.

Hoy: Luis Alvarado en La Culpable.

Hoy en La Culpable!!
Luis Alvarado es investigador, organizador de conciertos y productor de compilados de música local independiente, fue editor de la revista Autobús hace algunos años (con un blog del mismo nombre); muy vinculado a la producción de video y al arte contemporáneo, como curador hizo la exposición Resistencias. Primeras vanguardias musicales en el Perú (2006) en el Centro Fundación Telefónica y co-curó Urbe & Arte. Imaginarios de Lima en transformación (1980-2006), que devino en el libro Post-Ilusiones. Nuevas visiones. Arte crítico en Lima (1980-2006), del cual es co-autor. Ha sido también productor del reciente archivo de música experimental con el proyecto de la Sonoteca del Centro Fundación Telefónica.

Este recorrido personal por su trabajo y por su intereses a partir de su trabajo, permitirá un corte transversal DE la escena musical de la última década desde una sensibilidad muy vinculada a la producción independiente. No se lo pierdan!!!

Y este jueves 24 los curadores y críticos catalanes Montse Badia y David Armengol nos hablarán de su trabajo independiente y en la revista A-desk.