Conferencia anual del CIMAM 2009. Fair Trade: The Institution of Art in the New Economy

En noviembre de este año se celebra la conferencia anual del CIMAM (International Committee of ICOM for Museums and Collections of Modern Art), que en esta ocasión será en el Museo Tamayo de México. Con ocasión de ello la Fundación Cisneros ha difundido una convocatoria para becas de aviaje para favorecer la presencia de investigadores, críticos y teóricos latinoamericanos interesados en atender las sesiones. La programación pinta bastante bien, sobre todo por la presencia del filósofo Enrique Dussel, sin duda uno de los referentes claves en el pensamiento político latinoamericano reciente, particulamente en el campo de la ética, el proyecto emancipatorio, el giro decolonial.

Reproduzco en este post las sesiones programadas para noviembre en México (en inglés tomadas de la web), y en el siguiente post la convocatoria de ayuda de la Fundación Cisneros.
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05.05.2009
CIMAM 2009 ANNUAL CONFERENCE – MEXICO – NOV. 09/10 – MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORÁNEO / MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO (MUAC)

CIMAM 2009 ANNUAL CONFERENCE – MEXICO – NOV. 09 – 10

Sessions will take place during the mornings at the Museo Tamayo Arte Contemporáneo and at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC). After lunch participants will be divided into working groups to discuss the topics raised during the morning sessions.

FAIR TRADE: THE INSTITUTION OF ART IN THE NEW ECONOMY

We live in an era of crisis that, according to lmmanuel Wallerstein, is systemic. As a result, the world-system – as a capitalist world-economy – and its main structures of knowledge have entered a period of chaotic transition to some new order, subversive of received truths and universalisms.

Museums need to develop historical paradigms which help us better understand our world. We need to comprehend the present in relation to the past, and think about the possibilities that the future lies ahead. The museum has an obligation to point to certain ways and not others. And that choice cannot be technical nor dictated by formal rationality, but involves what Max Weber termed substantive rationality. When ‘anything goes’ is the rule and the confusion of ideas is general, this choice or set of choices are sometimes perceived as rigid, elitist or dogmatic. How many times have we heard the gloomy voices of those who call for a newly coined type of eclecticism as a way of protecting a pretended democratization of culture? Substantive rationality, however, is exactly the opposite. It is the exercise of reconciling what we learn from science and morality, and always denotes an ethical choice.

In this period of crisis and transition, how do we develop new paradigms? What to do in face of a past we do not recognize ourselves in and a present we do not like? What is the role of the ‘museum’ in the contemporary world? Is there any alternative to the ‘modern’ museum or to that responding to the culture of the spectacle? We would like to think that there is.

Day 1: Museo Tamayo Arte Contemporáneo

LEARNING FROM CRISIS

As museums look at the present political and economic landscape and its implications for the coming years, we see this moment of uncertainty as an opportunity to look toward the development of different possible models for management and exchange within public and private institutions.

KEYNOTE SPEAKER

Enrique Dussel – Philosopher and founder with others of the movement referred to as the Philosophy of Liberation. Professor in the Department of Philosophy at the Iztapalapa campus of the Universidad Autónoma Metropolitana (Autonomous Metropolitan University, UAM) and also teaches courses at the Universidad Nacional Autónoma de México (National Autonomous University of Mexico, UNAM)

SESSION 1

Michael Govan – CEO and Wallis Annenberg director LACMA, Los Angeles

François Piron (respondent) – co-founder of castillo/corrales a shared office space and collectively-run gallery initiated early 2007 by a group of artists, curators, critics and writers.

SESSION 2

Osvaldo Sánchez – director, Museo de Arte Moderno (MAM), México

Dmitry Vilensky (respondent) – artist and coordinator of Chto delat/What is to be done? Saint Petersburg

Chto delat/What is to be done? was founded in early 2003 in Petersburg by a workgroup of artists, critics, philosophers, and writers from Petersburg, Moscow, and Nizhny Novgorod with the goal of merging political theory, art, and activism. Since then, Chto delat has been publishing an English-Russian newspaper on issues central to engaged culture, with a special focus on the relationship between a repoliticization of Russian intellectual culture and its broader international context. These newspapers are usually produced in the context of collective initiatives such as art projects or conferences.

Day 2: Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC)

OFF-CENTER CENTERS

Latin America and the growing off-center centers, such as Southeast Asia, the Middle East and Eastern Europe, offer interesting examples of both public and private funding initiatives within their art institutions. Examples include the use of traditional State/public models that are being re-energized for positive programmatic results; while others include private local organizations that have exercised influence on the expansion of international institution exchange. As artists, collections, museums and other cultural resources from the off-center centers become increasingly known within Europe and North America, new possibilities have increased for collaborations, exhibition sharing and development, as well as cross-context intellectual capital and fund-raising.

Within the current context of institutional fragility, these exchanges offer the possibility of greater mobility of cultural resources. These negotiations can be developed in a manner less focused on economic factors and rather on fair trade as a step toward a future reciprocity of cultural wealth. New models will need to emerge in this process, whereby public and corporate roles are re-signified to achieve a new balance. Through these discussions, the CIMAM conference hopes to generate creative thinking about the global resources that we all look to productively share.

SESSION 1

Cuauhtémoc Medina – Independent critic and curator

Galit Eilat (respondent) – curator and founding director of the Digital Art Lab, Holon and co-editor in chief of Maarav. Teacher at Tel Aviv University in the Department of Film Studies SESSION 2

Geeta Kapur*– Independent critic and curator

Natalia Majiluf (respondent) – Director of Museo de Arte de Lima (MALI), Perú

Each session will feature a speaker presenting a 50 minutes paper, followed by a respondent drawing out particular lines of thought for a 20 minutes period. Following, participants will be divided into working groups to discuss the topics raised during the morning sessions. Each working group will be conducted by 2 moderators. We expect these workshops to be places for the cross-fertilization of ideas and the building of relationships, allowing people-to-people contacts, and providing delegates a chance to discuss the issues arising away from the formalities of the plenary sessions. After the second group meeting, each working group instructor will offer a compilation of their conclusions and recommended actions. This format is not designed to force consensus, but to find common grounds of shared experiences in which differences are acknowledged and respected. Over the next days, a drafting committee will meet to consolidate recommendations into a summary report that will then be emailed to members and posted on CIMAM’s website. The report is also intended to feed into the themes for the Conference in the following year.

Apariciones Fantasmales: Arte después del movimiento chicano

Desde octubre pasado se viene presentando en el Museo Tamayo de México la exposición Apariciones fantasmales: Arte después del movimiento chicano, curada por Rita González, Howard N. Fox, y Chon A. Noriega, y organizada por el Los Angeles County Museum of Art (LACMA). El viernes pasado además se organizó en el Tamayo el Simposio Sitio, presencia y ausencia. Apariciones y estrategias del arte después del movimiento chicano, donde tanto artistas de la exposición como historiadores conversaron sobre la aparición del arte urbano de corte conceptual y efímero, que es el eje de este proyecto curatorial de revisión histórica.

Reproduzco la información general del Museo Tamayo tomada de aquí.
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Apariciones Fantasmales: Arte después del movimiento chicano

El Museo Tamayo Arte Contemporáneo presenta la exposición Apariciones fantasmales. Arte después del movimiento chicano, organizada por Los Angeles County Museum of Art (LACMA) que trata sobre la herencia del arte chicano tras el movimiento por los derechos civiles chicanos de los años sesenta y setenta. Esta es la primera revisión extensiva –luego de veinte años– que explora el desarrollo de la producción actual por parte de artistas estadounidenses de origen mexicano, desde el punto de vista del arte conceptual y urbano.

El título de la exhibición sugiere que históricamente los chicanos han constituido una “cultura fantasmal” en la sociedad estadounidense, al ser ignorados de manera constante, sin ser reconocidos ni valorados por la cultura predominante.

Christina Fernandez. Lavandería #2 _ 2002. Impresión a color montada en sintra. Cortesía de la artista y Gallery Luisotti, Santa Mónica

Los artistas de esta muestra colectiva comparten el interés en lo que se ha llamado “arte conceptual de forma urbana” o lo que los curadores llaman metafóricamente “apariciones fantasmales”. Participan 30 artistas, incluyendo colectivos y colaboraciones, con un total de 91 obras, entre instalación, fotografía, video, escultura, pintura y collage.

Con la curaduría de Rita Gonzalez, Howard N. Fox, y Chon A. Noriega, curadores del Los Angeles County Museum of Art, esta exposición es el resultado del esfuerzo del LACMA y del Centro de Investigación en Estudios Chicanos de la Universidad de California en Los Ángeles, instituciones que comparten el interés por una visión más amplia del arte latino.

Luego de haber sido presentada en Los Ángeles, la muestra inicia su itinerancia en nuestro país en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, donde permanecerá del 16 de octubre de 2008 al 11 de enero de 2009, con el apoyo de la Embajada de los Estados Unidos, para posteriormente presentarse en Texas y Nueva York.

El objetivo de Apariciones fantasmales. Arte después del movimiento chicano es considerar lo que, en opinión de los curadores, es una de las características distintivas del arte chicano reciente: privilegiar los enfoques conceptuales sobre los métodos representativos y expresar la ausencia social en lugar de la esencia cultural.

La exhibición también centra la atención en tendencias intervencionistas; examina estas modalidades que empezaron a desarrollarse a finales de los años sesenta y añade una nueva perspectiva a nuestra comprensión de las ideas en constante evolución sobre la identidad étnica, la política cultural y el ejercicio artístico.

Sin desatender el contexto histórico, pone énfasis en la más reciente generación de artistas emergentes y varias figuras influyentes de Estados Unidos, quienes en algunos casos no trabajan bajo la etiqueta de “arte chicano”; sin embargo, elaboran comentarios críticos y políticos en el ámbito local y global, mientras combinan la alta y baja cultura y además implementan estrategias clandestinas.

Asco (colectivo conformado por: Harry Gamboa Jr., Gronk (Glugio Nicandro), Willie Herrón III, Patssi Valdez) Spray Paint LACMA · 1972. Pintura de lata LACMA. Impresión digital de fotografía a color de Harry Gamboa Jr. Fotografía cortesía de UCLA Chicano Studies Research Center Archive

Como ocurrió con los primeros exponentes y grupos chicanos conceptuales, los artistas de Apariciones fantasmales sitúan su obra en las encrucijadas de las luchas locales en el espacio urbano, los flujos transnacionales de cultura y las prácticas del arte global; se inscriben conscientemente dentro de las más diversas tendencias del arte contemporáneo. Varios de ellos tienen carreras internacionales aunque su arte refleja la experiencia chicana en diversas ciudades, desde San Francisco y Los Ángeles, hasta San Antonio y Nueva York.

El punto de partida de la muestra es, como su nombre lo indica, el movimiento chicano, pero lo considera como un contexto, una influencia, no como la base de un nombre propio para los artistas. Las obras presentadas en Apariciones fantasmales demuestran el enfrentamiento con la política del espacio a partir de una sensibilidad intensificada por lo glocal; es decir, la voluntad de situar una identidad local concienzuda tanto en el mundo artístico como en las calles.

Los artistas tratan de responder a las cuestiones del espacio por medio de la desestabilización del monumento y la arquitectura; también revelan un interés en cómo las identidades urbanas y los relatos históricos nunca contados se combinan tanto en las obras públicas como en las destinadas a la sala de exposición. Abordan los sitios por varios medios, desde los estudios de percepción hasta la crítica institucional. Consideran con amplitud las tácticas al nivel de la calle, encuentran inspiración en paisajes industriales, grafiti, arte y carteles callejeros, e idean intervenciones tanto en lugares permitidos como prohibidos.

En palabras de Rita Gonzalez estos artistas crean algo diferente respecto a la identidad cultural, el comentario social, la protesta política, la expresión personal y es necesario que el público los vea.

Los inicios
Como ya señalaba Harry Gamboa Jr., artista y fundador del colectivo Asco, en 1981: “los medios (…) han relegado, en general, la influencia de los chicanos en Los Ángeles a la de una cultura fantasma”. Aunque la población chicana creció a ritmo acelerado a lo largo del siglo XX en California y el suroeste de Estados Unidos, durante muchos años los chicanos rara vez fueron visibles en los medios masivos de comunicación, hecho que llevó a Gamboa y a sus seguidores de Asco, a crear sus propias formas alternativas de medios, que incluyeron performances en las calles al estilo guerrilla y escenificaciones de las fotos fijas que llamaron No Movies.

Las obras
La influencia de Asco en la generación más joven de artistas es evidente en las formas urbanas fugaces que constituyen las instalaciones de Arturo Romo-Santillano, Scoli Acosta, Shizu Saldamando, Mario Ybarra Jr. y Cruz Ortiz. Estas prácticas son una forma de activismo urbano que denota la presencia en la vida real de una cultura aparentemente “fantasma”.

Por otro lado, varios artistas utilizan el lenguaje artístico minimalista y conceptual en un contexto urbano. Rubén Ortiz-Torres ha creado pinturas abstractas que se basan en diseños de camuflaje. Los dibujos en proceso de Danny Jauregui están inspirados en los disturbios de Los Ángeles de 1992. En White Minority (2005), Juan Capistran utiliza el lenguaje visual formal del arte minimalista, aludiendo a las elegantes geometrías de las Black Paintings de Frank Stella de los años cincuenta y sesenta; sin embargo, muchos espectadores reconocerán con mayor facilidad los cuatro paneles verticales de la pintura como la insignia del grupo de punk hardcore Black Flag. Del mismo modo, en One and the Same (2005) Adrian Esparza desenmaraña el tejido de un tradicional sarape mexicano y reelabora parte de él como una composición abstracta que evoca los dibujos murales del artista conceptual Sol Lewitt.

Margarita Cabrera. Vocho (Yellow) · 2004. Vocho (amarillo). Vinilo, guata, hilo y partes de automóvil. Fotografía cortesía de Sara Meltzer Gallery

Numerosos artistas de Apariciones fantasmales abordan la idea del espacio público como lugar para la comunicación, así como sitio de movimiento, congregación, conflicto, dispersión y hasta exclusión. Alejandro Diaz, con ironía cómica, llevó su condición de “intruso”, en el sentido económico, artístico y social, a la puerta de Tiffany & Co., la afamada joyería de la Quinta Avenida en Nueva York, donde se puso a vender “pinturas” hechas a mano sobre cartón. Por su parte, las pinturas de Carolyn Castaño se inspiran en los expresivos letreros, pintados a mano, de los negocios de inmigrantes.

Ruben Ochoa crea efectos especiales al sobreponer fotografías impresas por medios digitales de paisajes a gran escala, en los muros de las vías rápidas, con lo que, en esencia, las paredes dan la sensación de desaparecer. La obra de Christina Fernandez se centra en los reveladores desechos que quedan en un paisaje urbano deshabitado. Asimismo, las fotografías de Delilah Montoya muestran las “cosas abandonadas” por los inmigrantes indocumentados en su viaje a través del desierto de Arizona. Margarita Cabrera, Gary Garay, Julio César Morales y Jason Villegas “rehacen” conceptualmente los objetos manufacturados que se relacionan con el TLC y con el cruce de la frontera, en tanto que Eduardo Sarabia trata como fetiches los artículos de lujo de la narcocultura.

Algunos exponentes llevan las formas arquitectónicas de entornos urbanos a las salas del museo y con ello derrumban las distinciones entre el interior y el exterior. El trabajo de Sandra de la Loza, como la Pocho Research Society, hace una “re-dedicatoria”, en el sentido conceptual, al Fort Moore Pioneer Memorial, en el centro de Los Ángeles, para relatar una versión menos idealizada de la historia de la guerra entre México y Estados Unidos que el monumento conmemora. Nicola López “construye” una visión apocalíptica a partir de fragmentos del trasfondo urbano y sus tipos sociales. El díptico fotográfico de Ken Gonzales-Day amplifica el espacio de la fotografía y redibuja los sitios de violencia étnica y racial, que han sido borrados de la historia estadounidense.

En lugar de idealizar la noción de mestizaje, varios artistas ponen énfasis, en términos más generales, en la idea de híbrido; esto es, el proceso mediante el cual dos cosas se vuelven una tercera. La idea cobra dimensión psicológica en la fotografía de Carlee Fernandez, quien crea autorretratos que incluyen fotografías de los hombres que han influido en su formación e historia personal como artistas, escritores o su mismo padre.

Otros artistas se deleitan con los híbridos fantásticos que resultan cuando se injertan cosas disímiles, como en las figuras polimorfas que habitan las pinturas de Victor Estrada. El arte del sonido de Los Jaichackers (Julio César Morales y Eamon Ore-Giron) proviene directamente de su interés en la cultura de los DJ: exploran varias ciudades en busca de actos musicales locales, graban la música y después la mezclan con otros géneros para producir fusiones musicales completamente nuevas, como “reggaeton y pop ligero” o “metal negro mexicano”.