'Speak, Memory. On archives and other strategies of (re)activacion of cultural memory', en el Cairo

Como algunos saben desde hace tres días me encuentro en Cairo, Egipto, participando del simposio 'Speak, Memory. On archives and other strategies of (re)activacion of cultural memory', una iniciativa de discusión tremendamente importante organizada por Laura Carderera y Townhouse Gallery. Lamentablemente las discusiones y el programa es realmente intenso y me será imposible reseñar lo conversado, pero ciertamente estos dos primeros días han permitido contraponer y friccionar distintas iniciativas de recuperación y reactivación de archivos (o a través de estrategias de archivo), sean institucionales o independientes, principalmente de Medio Oriente y Asia. Mi contribución particular fue el primer día, casi sobre el arranque, sobre el trabajo realizado hasta hoy con la Red Conceptualismos del Sur, compartiendo mesa con Kristina Khouri del proyecto 'The History of Arab Modernities in the Visual Arts Study Group', y me alegra mucho que haya habido tan intensa recepción y afinidad crítica de varios de los invitados y participantes respecto al trabajo que hemos realizado hasta hoy. Ciertamente entre América Latina y Asia y Medio Oriente hay poco o prácticamente ningún contacto en materia de investigación e intercambio crítico, pero dado el interés de generar redes de los mismos proyectos y la particular afinidad que ha surgido entre varios de nosotros no tengo dudas en que eso puede cambiar en años siguientes, e incluso que Lima pueda recibir alguna de estas iniciativas y ser parte de estas discusiones. Los puntos de contacto y preocupaciones son bastante similares, incluso en sus modos de entender la relación con el Norte, pero sobre eso sería larguísimo comentar ahora. Entre los proyectos y presentaciones que rápidamente me gustaría destacar está la de Vasif Kortun sobre Platform Garanti de Estambul, un espacio de producción crítica y artística realmente excepcional; la presentación de Claire Hsu sobre el inmenso proyecto Asi Art Archive en Hong Kong --que tal vez deba pronto visitar-- el cual es sin duda la iniciativa más ambiciosa de recuperación y publicación de fuentes de arte asiático; la presentación de Negar Azimi sobre el Arab Image Fundation; el proyecto artístico de Adam Broomberg y Oliver Chanarin sobre surrealismo egipcio; y el proyecto de Barnaby Drabble llamado Curating Degree Zero, una iniaciativa de exploración y experimentación sobre los límites y formatos de la curaduría. Hoy habrán también presentaciones interesantes: las de Sean Dockray y su proyecto de piratería AAAARG.ORG, el trabajo del grupo indio PAD.MA (Public Access Digital Media Archive), el proyecto e ideas del 'archivo universal' del Museo Reina Sofía de Madrid, una conferencia de Beatrice von Bismarck sobre el trabajo de la artista alemana Peggy Buth, entre otras discusiones que prometen un buen final! Reproduzco algo de información (en inglés) del evento.

Luego de este encuentro enrumbo para Beijing por empaparme un poco de iniciativas y proyectos locales, y luego a Shanghai para la conferencia internacional anual del CIMAM “COMMON GROUND FOR MUSEUMS IN A GLOBAL SOCIETY”, que también promete discusiones interesantes. Intentaré volver a postear antes de viajar a China.
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Speak, Memory. On archives and other strategies of (re)activacion of cultural memory'

Borrowing from the title of Vladimir Nabokov’s classic autobiography, 'Speak, memory' is a three-day event structured around presentations, panel discussions, screenings, and artist talks exploring the rich array of methodologies that can be adopted to unearth, revisit or reactivate past artistic practices.

Recently, the Middle East has seen the emergence of a series of archival and historiographic endeavors focused on a local and regional history of modern and contemporary art. In response to the scarce and scattered art historical documentation of the region’s most recent past, a growing number of researchers, curators and artists have begun collecting documents and recording the oral histories of artistic practices and exhibitions that have seemingly been forgotten, misinterpreted or dismissed.

As these research projects gain momentum, private collectors and newly created museums are also slowly acquiring artists’ archives, magazines and other remnants of the region’s 20th century cultural history. These developments are not unique to the Middle East. A similar phenomenon has been taking place in Latin America, where private collectors, foreign museums and universities have been buying and exporting privately held archives related to artistic production of the 60’s and 70’s.

The current situation calls for a critical discussion between institutions, collectors, artists, curators, and researchers interested in reactivating recent cultural memory in a way that enables the creation of a multiplicity of narratives and ready access to these histories. 'Speak, memory' seeks to instigate an informed debate on the challenges and strategies for the preservation of modern and contemporary art histories, focusing on those that have been scarcely documented or are underrepresented in dominant art historical narratives. In addition, the symposium will present archival initiatives that stand out for their successful organizational model, accessibility and discursive potential, as well as online platforms that are already providing possibilities for collaboration. Rather than being a one-time event, the symposium aims to create a network of archival initiatives and broader historiographic endeavors that can facilitate a series of ongoing conversations and collaborations.


Speakers
Susan Meiselas
Beatrice von Bismarck
Kristine Khouri - Study Group on the History of Arab Modernities
Miguel López - Red Conceptualismos del Sur (Southern Conceptualisms Network)
Adam Broomberg and Oliver Chanarin
Negar Azimi and Yasmine Eid-Sabbagh - Arab Image Foundation
Heba Farid - CultNat
Vasif Kortun - Platform Garanti
Barnaby Drabble - Curating Degree Zero Archive
Celine Condorelli - Il n'y a Plus Rien ('There is Nothing Left')
Lucie Ryzova and Hussein Omar - Downtown History and Memory Centre (Dhakirat wust al-balad)
Claire Hsu - Asia Art Archive
Farah Wardani - The Indonesian Visual Art Archive (IVAA)
Jesús Carrillo - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS)
Sebastian Lütgert, Jan Gerber, Sanjay Bhangar, Namita Malhotra, Ashok Sukumaran and Zinnia Ambapardiwala - PAD.MA,
Sean Dockray - Aaaarg.org and The Public School

For more information, please visit http://www.speakmemory.org/

Venue:
Rawabet Theater
3 Hussein El Meamar Pasha
off Mahmoud Bassiouny St
Downtown Cairo, Egypt
Tel: 012-3903834

'Memorias Diversas / Lugares Comunes. Diálogos y conflictos en los procesos de la memoria', 26 y 27 de octubre

Desde hoy se presenta seminario internacional 'Memorias Diversas / Lugares Comunes. Diálogos y conflictos en los procesos de la memoria', una iniciativa de debate sumamente importante del Instituto de Democracia y Derechos Humanos junto con otras instituciones. Reproduzco el anuncio del evento. Más información aquí.
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	En el marco de la creación del Lugar de la Memoria en nuestro país, el IDEHPUCP busca promover un mayor diálogo e investigación sobre los sitios de memoria y los procesos sociales que se desarrollan en torno a ellos. En este Seminario se reflexionará sobre las razones de la construcción de estos espacios y las diversas formas en que se puede materializar el recuerdo, con el fin de aportar ideas al debate público y brindar elementos de juicio a los actores involucrados en la toma de decisiones.
Horst Hoheisel (Alemania) Patricia Tappatá (Argentina) Romy Schmidt (Chile) José Antequera (Colombia) Página web: www.pucp.edu.pe/idehpucp Teléfono: 626-2000 anexos 7514 y 7517 Correo electrónico: impacto_idehpucp@pucp.edu.pe

'No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico', en el MAM de México D.F.

Motivos de tiempo nuevamente me impidieron anunciar la imprescindible exposición que está curando Sol Henaro en el Museo de Arte Moderno de México D.F. que revisa por vez primera la corrosiva producción del No-Grupo (1977-1983), uno de los colectivos más agudos e irónicos de la experiencia de los llamados 'grupos' mexicanos a los cuales Juan Acha sería muy próximo. Reproduzco la invitación y unos fragmentos del texto de la curadora.
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No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico

Los esperamos el próximo jueves 7 de octubre

Museo de Arte Moderno

Ciudad de México

20:00 hrs.

El No-Grupo (activo entre 1977 y 1983) se caracteriza por un humor cáustico y una irreverencia iconoclasta total ante los canales oficiales del momento. Si bien durante su fundación fue importante la participación de Andrea di Castro, Hersúa, Sandra Isabel Llano, Katya Mandoki, Roberto Realh de León o Susana Sierra, éstos dejaron de formar parte al poco tiempo y fueron en cambio Maris Bustamante, Melquiades Herrera, Alfredo Núñez y Rubén Valencia los artistas que conformaron y dieron forma a la producción del No-Grupo durante sus seis años de acción y quienes aún disuelto el grupo, continuaron parte de la postura que los caracterizó como grupo.

El tejer nuevos relatos sobre la historia del arte reciente resulta un proceso delicado precisamente por la mediana distancia temporal, por la escasez de archivos sobre el periodo y los afectos que la atraviesan pero también es sin duda un acontecimiento donde son posibles los testimonios de muchos de sus protagonistas y donde resulta inaplazable la construcción de nuevas memorias. En tanto primera exploración crítica de este ejercicio colaborativo de los 70’s-80’s, la exposición No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico, aparece como un ejercicio necesario que desde el presente, da a conocer a nuevas generaciones y redimensiona para otras, la producción y postura del No-Grupo.

Ya salió el catálogo de 'Subversive Practices: Art under Conditions of Political Repression. 60s-80s/ South America / Europe'

Hace un par de semanas empezó a circular el catálogo de la exposición Subversive Practices: Art under Conditions of Political Repression. 60s-80s/ South America / Europe, que co-curamos junto a Emilio Tarazona el año pasado en Alemania y donde se presentó un conjunto bastante amplio de experiencias críticas peruanas situadas entre el golpe militar de Velasco de 1968 y el autogolpe de Fujimori de 1992. El catálogo está dividido en las distintos subcapítulos curatoriales, y en el caso nuestro hemos compilado una constelación de imágenes, documentos y registros de experiencias críticas importante de considerar --muchas de las cuales incluso no habían sido exhibidas ni reproducidas previamente. Nuestra sección incluyó obras, experiencias y documentación y proyectos de Hugo Salazar del Alcázar, Lucy Angulo, Luis Arias Vera, Teresa Burga, Jorge Eielson, Rafael Hastings, Taller E.P.S. Huayco, Francisco Mariotti, Alfredo Márquez, Yvonne von Möllendorff, Grupo Paréntesis, Herbert Rodríguez, Jesús Ruiz Durand, Emilio Hernández Saavedra, Juan Javier Salazar, Sergio Zevallos, entre otros. La publicación que ha resultado de este proyecto que involucraba a curadores de diversos países, tiene alrededor de 600 páginas e incluye conjunto numeroso de textos e ilustraciones. Reproduzco el anuncio del libro de la web de la institución y algunas páginas del mismo. Espero que si les interesa puedan adquirirlo. Dejaremos un par de ejemplares también en la biblioteca del MALI.
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Subversive Practices: Art under Conditions of Political Repression: 60s–80s / South America / Europe

Eds.: Hans D. Christ, Iris Dressler
Published by Hatje Cantz
ISBN: 978-3-7757-2755-6
584 pages, German-Englich, 804 illustrations (541 in color)
Format: 17 x 24 cm, Hardcover
Price: 39,80 Euro
Members of WKV: 35 Euro
Online Order
or at:
Christian Wick
Fon: +49 (0)711-22 33 7-16
Fax: +49 (0)711-29 36 17
wickremove-this@remove-thiswkv-stuttgart.de

The catalogue Subversive Practices, published in the framework of the eponymous exhibition at the Württembergischer Kunstverein in 2009, focuses on experimental and conceptual artistic practices generated under conditions of political repression in South America and Europe during the nineteen-sixties to eighties. Artistic practices are explored that not only call into question the traditional conception of art, the institution, or the relationship between art and public, but that were also posited against the existing political systems of power. Subversive Practices offers—besides documentation of the exhibition, in which over three hundred works were presented, and an introduction to its thematic fields—contributions by the thirteen co-curators as well as texts, manifestos, and scripts originating in the nineteen-sixties to eighties, with most translated into German and English for the first time.

With texts by
Ramón Castillo / Paulina Varas, Lutz Dammbeck, Hans D. Christ, Fernando Davis, Iris Dressler, Cristina Freire, Sabine Hänsgen, Miguel A. López / Emilio Tarazona, Ileana Pintilie Teleaga, Valentín Roma / Daniel García Andújar, Annamária Szőke / Miklós Peternák, Anne Thurmann-Jajes

With historical texts by
Juan Acha, Gábor Altorjay, Jorge Eielson, Miklós Erdély, Carlos Ginzburg, Ion Grigorescu, Indigo-Group, Mirko Lauer, Francesco Mariotti / José Andrés Lacko, Andrej Monastyrskij, Manuel Vázquez Montalbán, Paul Neagu, Gyula Pauer, Luis Pazos, Juan Carlos Romero, Edgardo Antonio Vigo, Horacio Zabala

and
Bibliography; Register; List of works; exhibition's documentation

Artists
Carlos Altamirano, Gábor Altorjay, Lucy Angulo, Ângelo de Aquino, Luis Arias Vera, Artists for Democracy, Auto-Perforations-Artisten, Artur Barrio, Horia Bernea, Ricardo Bofill / Taller de Arquitectura, Leonor Chocano, Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC), Micha Brendel, Teresa Burga, Ulises Carrión, Dalibor Chatrný, Carlfriedrich Claus, Fernando França Cocchiarale, Colectivo de Acciones de Arte (C.A.D.A.), Alberto Corazón, Attila Csernik, Lutz Dammbeck, Guillermo Deisler, Eugenio Dittborn, Juan Downey, Jorge Eielson, Miklós Erdély, Roberto Evangelista, Constantin Flondor, Die Gehirne, Generative Art Group, Carlos Ginzburg, Daniel Giralt-Miracle, Ion Grigorescu, Grup de Treball, Grupo Paréntesis, Grupul Sigma, Gyula Gulyás, Claus Hänsel, Rafael Hastings, Tamás Hencze, Paulo Herkenhoff, Emilio Hernández Saavedra, Joseph W. Huber, Pavel Ilie, Indigo-Gruppe / Indigo Group, IPUT, Kanal X, Iosif Király, Károly Kismányoki, Jiří Kocman, Kollektive Aktionen / Collective Actions, László Lakner, Leslie Lee, Carlos Leppe, Gastão de Magalhães, Ernesto Maguiña, Oskar Manigk, Francesco Mariotti, Alfredo Márquez, László Méhes, Norbert Meissner, Gonzalo Mezza, Yvonne von Möllendorff, Antoni Muntadas, Paul Neagu, Olaf Nicolai, César Olhagaray, Clemente Padín, Letícia Parente, Catalina Parra, Gyula Pauer, Luis Pazos, Dan Perjovschi, Géza Perneczky, Sándor Pinczehelyi, Júlio Plaza, Féliks Podsiadly, Pere Portabella, Mario Pozzi-Escott, Consuelo Rabanal, Robert Rehfeldt, Herbert Rodríguez, Juan Carlos Romero, Lotty Rosenfeld, Jesús Ruiz Durand, Juan Javier Salazar, Hugo Salazar del Alcázar, Sau-Kerle (aka Schleim-Keime), Valeri Scherstjanoi, Cornelia Schleime, Tamás St. Auby (aka Tamás Szentjóby, Tamach St. Aubsky, St. Jauby, Tamás Stjóby, Tamás Szentjóby), Petr Štembera, Gabriele Stötzer, Taller E.P.S. Huayco, Péter Türk, Regina Vater, Manuel Vázquez Montalbán, Cecilia Vicuña, Edgardo Antonio Vigo, Sala Vinçon, Krzysztof Wodiczko, Ruth Wolf-Rehfeldt, Horacio Zabala, Sergio Zevallos, Zwitscher-Maschine und andere.

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Politics and 'The Political' at the 29th Sao Paulo BIennial - Octavio Zaya

Y ya que estamos en el tema, publico el durísimo texto de Octavio Zaya sobre la reciente Bienal de Sao Paulo ---la cual aún no he visto, por lo cual me abstengo de comentarlo. No obstante, creo que texto bien podría permitir seguir pensando sobre los modos complejos de nombrar lo político en un evento como la Bienal. El texto ha sido publicado en Art Agenda, y de momento solo en inglés, idioma en el cual lo reproduzco.
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Politics and 'The Political' at the 29th Sao Paulo BIennial.

The Hanged and the Unhanged

How do you follow, and what do you do after "The Void," the so-dubbed 28th edition of the São Paulo Biennial (2008)? Its Artistic Director, the internationally known and experienced curator Ivo Mesquita, left the huge second floor of the Oscar Niemeyer building entirely empty as a comment on the intricate bureaucratic politics of the event, and on biennials in general. His budget had been reduced as well, from the $12 million of the previous 27th Biennial to a mere $3.5 million, and he left a debt of some $2 million. He selected just over 40 artists to convey a radical curatorial statement, while trying to place the 28th Biennial "in living contact" with the art of the world.

In contrast, this year's 29th edition, said to be anchored by the notion that "it is impossible to separate art from politics," has benefited from major advantages: the commitment and resolve of the new president of the Foundation (elected last year), the well-respected consulting executive Heitor Martins, who presided over a spectacular turn in the finances of the SP Biennial; as well as a new Biennial Council, directly linked with the arts. On top of all that, this edition had at its disposal a very healthy and generous budget of $17.5 million and 159 artists to boot.

In July 2009, Moacir dos Anjos was appointed Chief Curator of the 29th edition of the SP Biennial. He served as Director of the Museum of Modern Art of Recife, Brazil, between 2001 and 2006; and as co-curator of the Brazil participation as guest country at ARCO'08 in Madrid. A specialist in Nelson Leirner, Cildo Meireles, and Rosângela Rennó, dos Anjos immediately revealed his intention of "reasserting the relevance of the São Paulo Biennial" after its rather serious institutional crisis, and of vindicating what he called the "experimentalism" of biennials as the fundamental principle of his platform. He conceived an ambitious project, inspired by the Brazilian poet Jorge de Lima's major work, Invenção de Orfeu (1952), from which dos Anjos took the title of the 29th edition: "Há sempre um copo de mar para um homem navegar" (There's always a cup of sea to sail in).

By mid-November 2009, at the same time that dos Anjos disclosed the composition of the international team of curators who were to assist him in developing his project, it was announced that he was about to share the directorship of the Biennial with Agnaldo Farias, better known for his involvement and work in the two worst biennials in the history of São Paulo, those directed by Nelson Aguilar (1996) and Alfons Hug (2002). When the Biennial opened to the public on September 25th, the Brazilian press covering the Biennial devoted its attention to Farias, often without mentioning dos Anjos, who had already disappeared from the public eye. Farias had become the de facto Chief Curator of the 29th edition of the Biennial.

What happened in between I cannot say. It will most likely remain a subject of speculation and dispute, among the secrets that always surround events of this kind. The story is very telling, however, not only about the dynamics that may have doomed this promising edition, but also the shortsightedness of those in a position to prevent it. For this Biennial not only has a spectacular team of curators—Rina Carvajal, Sarat Maharaj, Chus Martínez, Yuko Hasegawa, and Fernando Alvim (who nevertheless ended up fighting among themselves for lack of proper direction)—but it also has the support and enthusiasm of a whole art community, a public ready to turn the corner from oblivion and irrelevance, the means to get there, and a multitude of artists with impressive works to make it happen.

The result, instead, is boring, to say the least. Forget the utopian dimension that dos Anjos envisioned from the verses of Jorge de Lima, whose Invention of Orpheus sings of "the power to sail on, even without ships, / even without waves and sand". Forget experimentation and forget risk. But please don't get it wrong: when Rina Carvajal announced in November 2009 that the Biennial was going to take up the relations of art and politics, I'm sure she could not have foreseen the dispersal and misplacement of artists and their works—works that, in context, could have offered a compelling, even revisionary understanding of the complex ideas and influences that preceded what today passes as "political art." And I'm almost convinced that the contributions of Chus Martínez would have made clear the direction of those routes and openings that talented artists such as Jonathas de Andrade, Tobias Putrih, Mário Garcia Torres, Tamar Guimarães or Antonio Vega Macotela could only manage to insinuate, individually, in this general confusion.

In truth, there was enough to have "an extraordinary Biennial," as Carvajal had dreamed of, but not enough to make sense of it. A purpose, a direction, or a clear idea of how to relate artists, artworks, times, and places to one another was missing. And the 29th SP Biennial really has it all: from wonderful terreiros (meeting places) with a variety of functions to art-fair-style, monumentally ugly-tacky sculptures; from political manifestos to social documentaries; from opportunist trivialities to philosophical conundrums; from porno-misery to graffiti; from anthropological entertainment to psycho-poetry; from light shows to poetic pedagogy. It was all there together, leveled, as if in an art fair, without purpose and without sense; loosely framed, instead, between Flávio de Carvalho's revelation ("All of the ideas here exposed, all of the conclusions reached, are attempts to attain a supposed truth… an illusory phenomenon imperceptible to the naked eye") and Anri Sala's predicament via The Clash (Should I Stay or Should I Go?).

There are also "political scandals," some more entertaining than others. The one instigated by Roberto Jacoby's work, a sort of electoral office managed by an Argentine Brigade for Dilma Rousseff, the Workers' Party candidate to the Brazilian presidency, threatens to be milked until the end of the Biennial. According to the Biennial Foundation, a report by the Electoral Attorney General's office considered the work to be "an electoral offense," breaking the law that prohibits "the transmission of propaganda of any nature" in places run by public authorities. Agnaldo Farias declared to the press: "We can not contest the court ruling because we even run the risk of going to jail. If we had known in advance that the work dealt with Dilma, we would have warned the artist, because we'd have known there would be problems." Consequently, the work was covered from view, literally censored from the exhibition. As for the curator's claim not to have known the nature of the work: he could have seen it perfectly reproduced in his Biennial's catalogue and its website.

The apparent paradox that this situation has happened within the context of an exhibition that insists on the relations of art and politics attests to what Jacoby wanted to achieve in the first place: "forcing the art establishment to become involved in a discussion on the verifiable fact that, today, in a geopolitical space like Latin America, there is more experimentation, more creativity, and—ultimately—more hope in the realm of politics—from institutions to social movements—than in the contemporary art system."

Whatever you may think of the work, it seems beyond the pale when a curator decides to censor a work by protecting himself behind the alleged decision of a tribunal that expressed the possibility that Jacoby's work may be required to comply with an electoral law. The least that an artist could expect from a curator is the total and unequivocal defense of the art space as "territory of full liberty," as editor Marcos Augusto Gonçalves characterizes it. But instead of evaluating and answering for Jacoby's politically confrontational work with artistic and aesthetic criteria, Farias allows it to be judged by an electoral law to which he subscribes his authority and his exhibition, thus confusing politics and the political. That is, Farias's decision dangerously obliterates any distinction between what Jacoby is dealing with (politics) and that other meeting ground between politics and the police (the political), where rights and freedoms confront the established order of control.

In brief, under Farias's conservative and reactionary direction of the 29th edition of the SP Biennial, scattered and adrift, is a missed opportunity, lacking much sense or much guts. As if playing a game of daring to fall with a noose around his neck from a place high enough off the ground that the fall would hang him, Farias’s failure was already foretold. And so, the complexity and poetry that dos Anjos proposed became, simply put, a matter for the police to deal with. I’m almost sure that this is precisely what the three live vultures in Nuno Ramos’ gigantic and brutalist sculpture were anticipating.

—Octavio Zaya

Octavio Zaya is a curator and writer based in New York since 1978. Director of the journal Atlantica (CAAM, Canary Islands), Curator at Large of MUSAC (Leon, Spain), and co-Director of RADAR, MUSAC's journal. He was one of the curators of Documenta 11 (2002) under the Direction of Okwui Enwezor.

Respuesta de los curadores al texto 'Arde San Pablo: el fantasma de la política en la Bienal'

Reproduzco la carta emitida hace casi diez días por los curadores de la Bienal de Sao Paulo como respuesta al texto 'Arde San Pablo: El fantasma de la política en la Bienal', un comunicado hecho circular ante la censura de la obra de Roberto Jacoby en la Bienal. Debo decir a modo personal que el comunicado me resulta bastante decepcionante, y dentro de las varias cosas que pueden comentarse lo que más me hace ruido es que el tono policial y defensivo que optan los curadores en su mensaje, el cual es abiertamente despolitizador y que termina convirtiendo el debate en una búsqueda de culpables antes que de entrar a pensar los conflictos, antagonismos y ambivalencias que una experiencia como ésta revela (incluso para la propia práctica curatorial y sus dinámicas institucionales). La carta circulada por Jacoby y la Brigada Argentina por Dilma (que muchos, yo incluido, sucribimos) era ciertamente confrontacional y corrosiva, pero creo yo que apuntaba a abrir el debate sin concesiones ni medias tintas, hablando desde un lugar que puede ser discutible pero que colocaba distintos puntos de fuga para pensar las contradicciones de un arte en una institución que se pretende política en nuestros tan despolitizados tiempos. Y mi sensación es que la respuesta de los curadores no está a la altura de las circunstancias. Es comprensible que haya la inteción de salvar el cuerpo y la institución, pero convertir el debate a una mera defensa burocrática y a un procolo de procedimientos es un poco decepcionante para un proyecto curatorial que se quiere audaz. Ya en un post anterior coloqué la muy sugestiva alusión que hacía Gustavo Buntinx a lo que él llama las estrategias de la literalidad en el arte político, y lo que de contradictorio emerje en esas operaciones. No me extenderé más, pero creo que una respuesta así, y más aún desde la institución organizadora, cancela toda la posible carga libidinal de continuar una discusión en torno a un experiencia crítica que tiene, ciertamente, más aristas complejas y filudas que lo que desde la mera gestión burocrática se puede reconocer.
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29a. Bienal de São Paulo - Comunicado

Em resposta ao texto São Paulo Arde: o espectro da polítca na Bienal, divulgado pelo artista Roberto Jacoby em seguida à solicitação de retirada ou encobrimento de parte da obra El alma nunca piensa sin imagen, exibida na 29ª Bienal de São Paulo, os curadores-chefes da exposição vêm a público declarar o seguinte:

1. Ao contrário do que o texto afirma, em momento algum o projeto apresentado à curadoria da 29ª Bienal de São Paulo pelo Sr. Roberto Jacoby fazia referência direta à campanha presidencial no Brasil. Em todas as inúmeras comunicações feitas (por email, skype e telefone), o artista afirmou querer refletir sobre processos eleitorais a partir de uma campanha fictícia e hipotética. O conteúdo das informações fornecidas pelo artista está expresso no texto que apresenta sua obra, publicado no catálogo e no site da exposição.

2. O fato de as imagens dos candidatos Dilma Roussef (PT) e José Serra (PSDB) estarem publicadas no catálogo e no site da 29ª Bienal de São Paulo não atesta, em absoluto, o conhecimento prévio da curadoria sobreo conteúdo do trabalho tal como apresentado no espaço expositivo. As imagens foram entregues pelo artista apenas ao final do prazo de fechamento da edição do catálogo, com o objetivo suposto (nenhuma informação específica ou diferente daquelas anteriormentes fornecidas foi oferecida pelo artista) de simbolizar a referida campanha fictícia e hipotética, dada a fácil identificação das imagens com o tema do trabalho. Não aceitá-las significaria deixar as páginas do catálogo em branco e não confiar na palavra do artista sobre o conteúdo de sua participação na 29ª Bienal de São Paulo. Presunção que se mostrou, como o desenrolar dos fatos iria provar, pouco prudente.

3. Ao iniciar a montagem do trabalho, o artista e demais membros de sua equipe vestiam camisetas em apoio à candidata Dilma Roussef e passaram a desenrolar e a exibir partes das fotografias dos candidatos que afixariam em seguida nas paredes (registre-se que tais fotografias foram produzidas sem controle e sem qualquer conhecimento da instituição, por decisão do artista). Simultaneamente, foi publicada matéria no jornal O Estado de São Paulo sobre o suposto conteúdo do trabalho do artista para a 29ª Bienal de São Paulo, a partir de entrevista feita com Roberto Jacoby: estabelecer um comitê de campanha para Dilma Roussef no interior da 29ª Bienal de São Paulo, chamado “Brigada Argentina por Dilma”.

4. A curadoria imediatamente alertou o artista para os possíveis problemas que esse projeto poderia causar, por estar infrigindo Lei Federal que proíbe a realização de propaganda eleitoral em prédios públicos (o pavilhão da Bienal é propriedade da Prefeitura de São Paulo) durante o período de campanha política. Essa infração seria ainda acompanhada por uma outra igualmente grave: fazer campanha eleitoral com recursos públicos (a 29ª Bienal de São Paulo é majoritariamente financiada com recursos públicos provenientes da Lei Rouanet). O Sr. Roberto Jacoby tranquilizou os curadores, afirmando que não descumpriria nenhuma lei brasileira, e que não nos preocupássemos. Segundo nos garantiu, os jornalistas teriam interpretado mal o que havia dito. Uma vez mais, confiamos e acreditamos no artista. Recorremos na imprudência.

5. Na noite de abertura da 29ª Bienal de São Paulo para convidados (21 de setembro), o Sr. Roberto Jacoby e os demais membros da “Brigada Argentina por Dilma” distribuíram ao público, ao contrário do que o artista havia afirmado, farta propaganda eleitoral em favor de Dilma Roussef, além de difundirem, em monitor posto na sala de exposição, depoimentos gravados de várias pessoas em apoio à candidata.

6. Alertados por membros do próprio Governo Lula (preocupados com a possível repercussão negativa que o uso de recursos liberados pelo Ministério da Cultura fossem utilizados para fazer campanha ilegal de sua candidata) e por juristas consultados informamente, a Presidência da Fundação Bienal de São Paulo decidiu consultar formalmente a justiça eleitoral sobre a situação. A resposta foi bastante clara: o trabalho do Sr. Roberto Jacoby configurava crime eleitoral e poderia, se autuado e julgado como tal, comprometer a capacidade da instituição em estabelecer convênios com órgãos públicos no futuro . A Presidência da Fundação Bienal de São Paulo e a curadoria da 29ª Bienal de São Paulo decidiram não incorrer em riscos que, causados pela má-fé do Sr. Roberto Jacoby, pudessem comprometer o processo de recuperação da instituição, que há menos de dois anos era dada como falida. Como gestores públicos, seria ato de injustificável irresponsabilidade com um bem público que ora é devolvido à sociedade brasileira.

7. Ao contrário do que o texto divulgado pelo Sr. Roberto Jacoby afirma, o alerta de um dos curadores a respeito dos riscos de penalização pessoal da situação se referia ao próprio artista, e não aos curadores. Se a instituição Fundação Bienal de São Paulo era, perante a justiça, certamente co-responsável pela situação, do ponto de vista pessoal era o artista quem estava infrigindo a lei eleitoral do país. Esperamos, contudo, que essa falsa informação contida no texto tenha sido devida a um problema de “desentendimento línguístico” e não a mais um ato de má-fe do artista.

8. Deixe-se aqui claro que a postura da curadoria da 29ª Bienal de São Paulo é a de defender toda e qualquer proposta artística desde que não esteja transgredindo normas legais. Pode-se discordar dessa postura (“covarde”, diria o Sr. Roberto Jacoby), mas acreditamos que é uma postura responsável e ética quando se está trabalhando com recursos públicos, arrecadados e distribuídos também sob preceitos estabelecidos em lei em um regime democrático. É por essa razão que a curadoria está defendendo a permanência de outras obras que também têm se mostrado polêmicas na 29ª Bienal de São Paulo ao mesmo tempo em que solicitou ao Sr. Roberto Jacoby o encobrimento ou retirada unicamente dos itens de sua obra que configuravam propaganda eleitoral em favor da candidata Dilma Roussef. Enquanto as primeiras não estão infrigindo qualquer lei acordada por princípios democráticos (ainda que pessoas ou grupos sociais se sintam ofendidos por elas e se manifestem ativa e livremente contra a permanência dessas obras na mostra dentro e fora do espaço da Bienal), o trabalho do Sr. Roberto Jacoby desafia a lei brasileira que regula campanhas eleitorais no país.

9. Ao contrário do que o documento divulgado pelo Sr. Roberto Jacoby sugere, todo elemento discursivo e participativo que seu projeto continha (debates, oficinas, etc) foi mantido, inclusive com críticas diretas e com frequência ofensivas aos curadores da 29ª Bienal de São Paulo, à instituição e ao sistema da arte em geral. A idéia de que o artista e sua “Brigada Argentina por Dilma” redigissem o texto aqui comentado (São Paulo Arde: o espectro da polítca na Bienal) e o afixasse no espaço expositivo foi, ademais, uma sugestão da própria curadoria, como o próprio Sr. Roberto Jacoby certamente pode atestar. A lastimar apenas a inclusão não-autorizada dos nomes de respeitadas pesquisadoras brasileiras como signatárias desse documento, que, em correspondência privada aos curadores e também aos responsáveis pela divulgação do texto do Sr. Roberto Jacoby, afirmaram não ter concordado nem com o conteúdo nem com os termos do texto escrito pelo artista e que não haviam autorizado a inclusão de seus nomes na lista de seus apoiadores, levando-as a ir pessoalmente ao espaço expositivo para retirar o seu nome da mesma. É lamentável que, mesmo após a manifestação das pesquisadoras, a lista continue a ser divulgada em diversos sítios da internet com suas assinaturas, induzindo os leitores a grave erro. Também ficou acertado entre curadoria e artista, sob o testemunho de diversos outros membros da “Brigada Argentina por Dilma” e da Bienal de São Paulo, que o presente texto, esclarecendo os motivos da curadoria, seria redigido e afixado junto ao texto do artista no espaço expositivo. Assim, em momento algum, a sua “máquina de produzir antagonismos”, como ele mesmo a designa, foi desativada. Os únicos elementos dela retirados foram aqueles que configuravam crime eleitoral no Brasil, conforme dito acima.

10. A posição de vítima em que o Sr. Roberto Jacoby se coloca não condiz com a natureza de seus atos durante todo o processo que antecedeu a abertura da 29ª Bienal de São Paulo. Além dos fatos já relatados acima, o artista e demais membros da “Brigada Argentina por Dilma” criaram, ao longo da montagem da mostra, situações que visaram tão somente acirrar os ânimos entre o grupo e a instituição, em prática que desnuda as práticas políticas que o Sr. Roberto Jacoby realmente preza. O mais grave é que tais práticas tiveram como alvo preferencial o trabalho de outros artistas presentes na mostra, que em dois casos foram literalmente escalados por membros da “Brigada Argentina por Dilma”, colocando em risco a sua integridade (fatos lamentáveis presenciados por dezenas de pessoas que trabalhavam no prédio incluindo, em uma das ocasiões, um dos curadores-chefes). O desrespeito explícito pelo trabalho alheio (também expresso em provocações verbais durante todo o processo de montagem) diz muito do grau de autoritarismo que a prática do Sr. Roberto Jacoby embute, ainda quando travestida de correção política.

11. Por essas razões, é razoável supor que o Sr. Roberto Jacoby não se importe nem um pouco com os desdobramentos negativos que seu trabalho viesse a provocar sobre a inserção da Bienal de São Paulo no corpo social brasileiro, posto que parece basear sua prática em uma oposição simplista e retrógada entre artista e instituição. Menos que um real comprometimento com as mudanças sociais que uma eventual vitória da candidata Dilma Roussef possa representar para o Brasil e o continente latino-americano, o que parece de fato lhe interessar é a criação de um embate artificial entre o seu trabalho e os limites do meio artístico, causando o máximo de efeito midiático em proveito próprio. Não temos quaisquer problemas em admitir que, no presente caso, chegamos aos limites da instituição, e que tal admissão permita que o trabalho do artista “funcione” a contento. Não surpreendentemente, o Sr. Roberto Jacoby afirmou, durante a reunião em que comunicamos a impossibilidade da permanência dos elementos da propaganda eleitoral na obra, que documentaria todo o processo de retirada/encobrimento desses elementos para inclui-lo como parte de projeto para a próxima Bienal de Veneza. O texto supra-referido, acreditamos, certamente também será parte desse trabalho, e desde já autorizamos este nosso texto a também ser integrado ao projeto do Sr. Roberto Jacoby, caso ele assim o deseje e desde que o inclua na íntegra. Nossa contribuição à sua prática.

12. Quanto à referência à inclusão do Tucumán Arde na 29ª Bienal de São Paulo sob o título Grupo de Arte de Vanguardia, em que o Sr. Roberto Jacoby afirma tratar-se de mais uma prova da falta de comprometimento da curadoria com a radicalidade do fato político, temos a declarar o seguinte: 1. São amplamente conhecidas as divergências que existem, entre pesquisadores do tema (inclusive entre alguns dos signatários do documento escrito pelo artista), sobre as formas de apresentação e de nomeação desse complexo evento ocorrido na Argentina em 1968; 2. Optamos por adotar o formato e a maneira de titular em diálogo com pesquisadores e curadores do Museu de Arte Contemporánea de Barcelona (MACBA), proprietário do acervo documental que foi emprestado para exibição na 29ª Bienal de São Paulo. Chega a ser constrangedora, contudo, a aproximação, sugerida no texto divulgado pelo Sr. Jacoby, entre o evento Tucumán Arde e o projeto por ele apresentado na 29ª Bienal de São Paulo em termos de sua relevância politica. Este, sim, é um fato que diz muito a respeito dos abusos que a palavra “política” é hoje submetida no campo da arte.


Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias

Curadores-chefes da 29ª Bienal de São Paulo

'Art ⇔ Archives: Latin America and Beyond', foro en Austin 15-17 Octubre

Me encuentro en Austin para participar del encuentro Art ⇔ Archive: Latin America and Beyond, organizado por el Center for Latin American Visual Studies (coordinado por Andrea Giunta y Roberto Tejada) del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Texas en Austin, en colaboración con la Universidad Autónoma de México y la Universidad de Barcelona. Esta es la segunda edición de este Forum que aspira a convertirse en una instancia imprescindible de discusión crítica sobre estudios visuales latinoamericanos, y que en esta segunda oportunidad tiene al tema de 'archivos' como eje principal de discusión. El número de intervenciones ha sido prácticamente triplicados y los debates se ven altamente complejos e interesantes. Debo agradecer, por cierto, a la Fundación Cisneros que me otorgó una beca de movilidad para asistir a este encuentro. Reproduzco de momento (y por el escaso tiempo) información muy suscinta del Forum. Se puede ver más aquí, y el programa completo aquí. Colgaré pronto algunas notas sobre mi intervención (que gira en torno a las enormes potencialidades, mímesis y redefiniciones críticas del proyecto del Museo Travesti del Perú de Giuseppe Campuzano en torno a la noción y prácticas de 'archivo' --su archivo travesti--, una discusión que me importa muchísimo), pronto.
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Art ⇔ Archives: Latin America and Beyond
International Research Forum for Graduate Students and Emerging Scholars
15 – 17 October 2010 – The University of Texas at Austin

It gives us great pleasure to welcome you to the International Forum organized by the CLAVIS: Center for Latin American Visual Studies, Department of Art and Art History at University of Texas at Austin, 15-17 October 2010, in collaboration with the Universidad Autónoma de México and in association with the Universidad de Barcelona.

The forum is a pioneering event in the field of Latin American visual studies and its participants include graduate students, artists, art historians and critics from UT and from Latin America. We will share three extraordinary days of sessions to get to know and discuss the most recent research on Latino/Latin-American Art.

• Program: Please find it attached or download at <https://webspace.utexas.edu/af9725/Forum%202010%20PROGRAM%20.pdf>
• Selected Abstracts: <http://www.finearts.utexas.edu/aah/files/2010_Selected_Abstracts.pdf>
• Selected Papers: <https://webspace.utexas.edu/af9725/Selected%20Papers%20-%202010%20Forum.pdf>
• Permanent Seminar Blog: <http://blogs.utexas.edu/psla/art-o-archives/>
  

Art ⇔ Archives: Latin America and Beyond
The archive and its uses have concerned modern art and modernity writ large. At the crossroads of various epistemologies, and germane to the articulation of discourses, archives act as vehicles for research projects (both artistic and academic). They generate fictions poised between the well-kept secret and the open source. In the last several decades, there has been a marked return to questions involving the archive, particularly concerning Latin America. Given that authoritarian regimes throughout the region have often suppressed or destroyed archives, and because there has been negligence in terms of stewardship, it has become especially salient to return to the question of the archive, no longer as a luxury, but as a matter of political urgency. The forum will address how archives are constructed at various levels, from the national and international, to that of a research project or as part of artistic practice, as well as its use in exhibition displays.

The forum will consist of a series of small, parallel working sessions in order to engage participants in collective discussion and exchange.

Simposio Internacional en Estética y Emancipación 'Fantasma, Fetiche, Fantasmagoria'

Reproduzco el afiche e información sobre el Simposio Internacional en Estética y Emancipación 'Fantasma, Fetiche, Fantasmagoria', con la participacion de pensadores y teoricos tan relevantes como Ackbar Abbas, Gustavo Buntinx, Luis Camnitzer, Hamid Dabashi, Enrique Dussel, Marcelo Exposito, Nestor Garcia Canclini, David Theo Goldberg, Michael Hanchard, Brian Holmes, Branden Joseph, Claudio Lomnitz, Saree Makdisi, Achille Mbembe, Sarah Nuttal, Raqs Media Collective, Nelly Richard, Suely Rolnik, Boaventura de Sousa Santos, Gayatri Chackravorty Spivak y Eduardo Subirats!! Este evento organizado por el MUAC de Mexico es, sin duda, uno de los eventos de discusion critica internacional mas interesantes de este 2010. Si tienen oportunidad de asistir no lo piensen dos veces! La imagen del afiche es, como se ve, en base a uno de los afiches de la Reforma Agraria de Jesus Ruiz Durand.

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SIMPOSIO INTERNACIONAL EN ESTÉTICA Y EMANCIPACIÓN:
FANTASMA, FETICHE Y FANTASMAGORÍA

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), en colaboración con el Instituto de Investigación de Humanidades de la Universidad de California (UCHRI, por sus siglas en inglés), y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), llevarán a cabo el Simposio Internacional en Estética y Emancipación: Fantasma, Fetiche y Fantasmagoría (FFF). Evento académico de primer orden que celebra el Centenario de la Universidad Nacional de México mediante una revisión critica del discurso postcolonial en su significación para las diversas realidades políticas, sociales y culturales a 200 años de los procesos independentistas en América Latina.

El Simposio Internacional en Estética y Emancipación: Fantasma, Fetiche y Fantasmagoría, tendrá lugar los días 28, 29 y 30 de octubre de 2010 en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario. Entre sus ponentes se incluyen académicos, pensadores y artistas como Ackbar Abbas, Gustavo Buntinx, Luis Camnitzer, Hamid Dabashi, Enrique Dussel, Marcelo Expósito, Néstor García Canclini, David Theo Goldberg, Michael Hanchard, Brian Holmes, Branden Joseph, Claudio Lomnitz, Saree Makdisi, Achille Mbembe, Sarah Nuttall, Raqs Media Collective, Nelly Richard, Suely Rolnik, Boaventura de Sousa Santos, Gayatri Chakravorty Spivak y Eduardo Subirats. Abierto a todos, este Seminario pondrá especial énfasis en atraer a la comunidad universitaria —estudiantes, investigadores y académicos—, así como a los agentes intelectuales y sociales que conforman la estructura cultural del país, interesados en trazar nuevas vías de pensamiento para nuestro tiempo.

Fantasma, Fetiche y Fantasmagoría tiene como punto de partida el bicentenario de las guerras independentistas latinoamericanas y pretende provocar un cuestionamiento en torno al problema de la emancipación, principalmente desde las dinámicas postcoloniales del Hemisferio Sur, trascendiendo el tono celebratorio, acrítico y nacionalista de las efemérides independentistas. Fantasma, Fetiche y Fantasmagoría fomentará la creación de puentes que superen las distancias entre el discurso de emancipación en Latinoamérica, las discusiones en torno a los movimientos sociales y estéticos en la región y, en un sentido más amplio, los ámbitos de la teoría crítica y postcolonial en un discurso contemporáneo que permita pensar las especificidades de cada proceso a la vez que marcar los espacios de tensión y aporía.

Este encuentro busca afirmar la vigencia del quehacer de la Universidad en un plano continental, y del MUAC como Museo Universitario que plantea la intersección del saber, el arte y la inquietud política. En el marco del Centenario de la institución, el Simposio busca subrayar la función de la UNAM como promotora del pensamiento crítico y puente del diálogo entre geopolíticas, donde la Universidad buscará poner en diálogo la diversidad de las reflexiones que el proyecto de emancipación, iniciado hace dos siglos, plantea tanto a la producción de memoria social, como la invención cultural y artística, en el entrecruce entre distintas disciplinas, tradiciones, generaciones, teorías y prácticas, al norte y el sur.

Simposio Internacional en Estética y Emancipación: Fantasma, Fetiche y Fantasmagoría
28, 29 y 30 de octubre de 2010.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón.
Centro Cultural Universitario / UNAM.

Costo: $100.00 pesos mexicanos por día; 50% de descuento a estudiantes y profesores.
Se darán constancias de participación a los asistentes que lo solicite en la mesa de registro. Venta: En taquilla del MUAC a partir del 15 de octubre de 2010.

Mayores informes http://www.muac.unam.mx/proyectos/campusexpandido/
Reservaciones: internationalsymposium@muac.unam.mx
Tels.: +52 (55) 5622 6999 Ext. 48828

Nueva serie de libros 'Conversaciones', de Fundación Cisneros / Colección Patricia Phelps de Cisneros

Reproduzco información (en inglés esta vez) sobre el reciente lanzamiento de una serie de libros editado por la Fundación Cisneros / Colección Patricia Phelps de Cisneros, titulados Conversaciones. ¡La colección parece prometer títulos y diálogos ciertamente interesantes! Espero tener el primero de Carlos Cruz Diez y Ariel Jiménez muy pronto (y sería muy bueno que circule por Lima). Reproduzco la nota que me llega vía e-flux.
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October 9, 2010

Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros

Conversaciones/Conversations
A New Publication Series

www.coleccioncisneros.org

The Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros (FC/CPPC) announces the publication of CONVERSACIONES/CONVERSATIONS, a new series of bilingual books composed of unique in-depth conversations between modern and contemporary artists from Latin America, and critics, curators, and art historians.

The inaugural title in the series, Carlos Cruz-Diez in Conversation with/en conversación con Ariel Jiménez documents a conversation between preeminent Venezuelan artist Carlos Cruz-Diez and FC/CPPC Chief Curator Ariel Jiménez and is now available in bookstores and through D.A.P., www.artbook.com.

Carlos Cruz-Diez in Conversation with/en conversación con Ariel Jiménez
Based on conversations that occurred over a span of thirty years, Ariel Jiménez provides a deep and engaged account of the life and work of Carlos Cruz-Diez, one of Latin America's foremost artists, and a leading practitioner of Kinetic and Op art. Born in Venezuela in 1923, Cruz-Diez traveled in Western Europe throughout the 1950s, absorbing Bauhaus color theory and trends in geometric abstraction. He returned to Venezuela in 1957 to help initiate a massive wave of experimentation in Abstract, Concrete, Op and Kinetic art. Along with his fellow artists Jesús Soto and Alejandro Otero, Cruz-Diez shared an interest in the relation between color and perception, which he has continued to pursue in installations, environments and public sculptures.

ISBN: 9780982354421
Publisher: Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York /Caracas
Format: Hbk, 6 x 9.25 in. / 248 pgs / 64 color / 30 b&w
Distribution: D.A.P.
Forthcoming titles in the series include:

Tomás Maldonado/María Amalia García [December 2010]
Jac Leirner /Adele Nelson [Spring 2011]
Waltercio Caldas/Ariel Jiménez
Luis Camnitzer/ Cuauhtémoc Medina
Ferreira Gullar/Ariel Jiménez
Alfredo Jaar /Luis Pérez-Oramas
Gyula Kosice /Gabriel Pérez-Barreiro
Cildo Meireles /Paulo Herkenhoff
Liliana Porter /Inés Katzenstein

For more information and reviews please visit www.coleccioncisneros.org

The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), founded in the 1970s by Patricia Phelps de Cisneros and Gustavo A. Cisneros, is one of the core cultural and educational initiatives of the Fundación Cisneros. Based in New York City and Caracas, the CPPC's mission is to increase understanding and awareness of the diversity, sophistication, and range of art from Latin America. Additionally, the CPPC works to advance scholarship of Latin American art, promote excellence in visual-arts education, and encourage a high level of expertise among Latin American art professionals. It achieves these goals through the preservation, presentation, and study of the material culture of the Ibero-American world, including modern and contemporary art, colonial and federalist art and objects, and the works of traveler artists to Latin America, as well as the material evidence of Latin America's indigenous peoples. CPPC activities include exhibitions, publications, grants for scholarly research and artistic production, and the internationally-recognized education initiative Piensa en arte/Think Art.

Nuevo libro 'Linea y cuerpo', editado por Felipe Mayuri e Ivan Fernandez Dávila

Entre las varias cosas que no pude anunciar en las semanas anteriores se encuentra el anuncio del libro 'Linea y Cuerpo', editado por Felipe Mayuri Poma e Iván Fernández Dávila. Aunque con mucha tardanza reproduzco aquí el anuncio del lanzamiento con los datos de la publicación. Aún no he visto el libro pero me parece notable que se continuen impulsando esfuerzos editoriales de este tipo, y particularmente sobre el dibujo reciente! Espero poder tener el libro pronto.
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Presentación de Libro de Arte Peruano

LINEA Y CUERPO

Casa de la Literatura, 29 de septiembre, 6:45pm

(Antigua Estación de Desamparados, Jr. Ancash 207, Centro Histórico de Lima)

Cordialmente están invitados a la presentación del libro de arte peruano LINEA Y CUERPO, publicación que cuenta con la participación de 57 artistas locales donde exponen diversos trabajos en torno al concepto del cuerpo desarrollado bajo la disciplina del dibujo.

El libro será presentado por Felipe Mayuri Poma e Iván Fernández-Dávila, editores de LINEA Y CUERPO, la cita es en la Casa de la Literatura Peruana (Antigua Estación de Desamparados, Jr. Ancash 207, Centro Histórico de Lima) el miércoles 29 de septiembre a las 6:45 p.m. En la ceremonia habrá una proyección de los trabajos artísticos.

Los artistas expositores son:

Cesar Caycho – José Carlos Vargas – Mingo Yepez – Tomás Arellano – Daniel Vargas – Luis Alberto Espinoza – Samuel Pintos – Roberto Peremese – Esther Oblitas – Alexandra Rodrigo – José Carlos Velayarse – José Antonio Torres – Giancarlo Vento – Elizabeth López – Mónica cuba – Ana Teresa Barboza – Luz Letts – Valentino Sibadón (Radiochu) – Ángel Loaiza – Eliana Otta – Renzo Nuñez Melgar – Javier Bellido – Giancarlo León Waller – Iván Huerto – Julius Sobrino – John Chauca – José Ignacio Iturburu – Andrea Cánepa – Vladimir Ramos – Marcos Palacios – Valia Llanos – Milton Miranda – Marita Ibañez – Cecilia López – Asad López de Castilla – Carla higa – Nereida Apaza – Miguel Miranda – Daniela Ortiz de Zevallos – Martín Dulanto – Cherman – Milena Golte – Jim Marcelo – Moico Yaker – Nicolás Lamas – Abel Bentín – Juan Carlos Zeballos – Diana Trigueros – Andrés Chavez-Alcorta – Rudolph Castro – Shila Acosta – Adriana Ciudad – Mauricio Delgado – Stefania Polo – Juan Salas – Pablo Patrucco – Fernando Bryce.

Informes:

Felipe Mayuri Poma: felipe.mayuri@gmail.com - 991 060605

Iván Fernández-Dávila: ivanesteban27@hotmail.com - 986711071

Un documento de sí misma - Gonzalo Galarza Cerf

Reproduzco una nota sobre la exposición retrospectiva Teresa Burga. Informes. Esquemas. Intervalos. 17.9.10, publicada ya hace varias semanas en El Comercio. La exposición va hasta el 17 de octubre en las salas del ICPNA de Miraflores, y hasta el 7 de noviembre en las salas del ICPNA de San Miguel. La nota es de Gonzalo Galarza Cerf.
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ANTOLOGÍA. “Teresa Burga. Informes. Esquemas. Intervalos.17.09.10”

Un documento de sí misma

RESCATAR LA OBRA Y FIGURA DE TERESA BURGA TOMÓ A EMILIO TARAZONA Y MIGUEL LÓPEZ CUATRO AÑOS. EL RESULTADO LO VEMOS EN DOS EXPOSICIONES QUE EVIDENCIAN LA AUDACIA Y ENTREGA DE UNA MUJER CLAVE EN EL ARTE PERUANO DE LOS AÑOS 60, 70 Y 80

Por: Gonzalo Galarza Cerf

Domingo 19 de Setiembre del 2010

La imagen detalla casi exhaustivamente a la persona: aparece Teresa Burga (Iquitos, 1935) de frente y de perfil. Sus datos. El día en que se hizo el autorretrato: 9 de junio de 1972. Los otros índices de perfil hechos con lápiz sobre papel. El levantamiento topográfico de su rostro resuelto con operaciones logarítmicas (antes de estudiar Arte en la PUCP se graduó como arquitecta en la UNI). Al costado, las mismas imágenes de su cara cubiertas con papel milimetrado: cotas que nos indican la distancia de su nariz a los ojos y más detalles de estudio. La pieza se llama “Informe de rostro” y es, conjuntamente con las otras dos (informe de corazón y de sangre), una de las obras conceptuales más paradigmáticas del arte conceptual peruano para los curadores de “Teresa Burga. Informes. Esquemas. Intervalos. 17.09.10”.

Dicen Emilio Tarazona y Miguel López: “Se junta en ella una obsesión en el tiempo por crear documentos no solo en el dibujo sino también un documento de sí misma a través de todas las vías posibles de representación no subjetiva. Hay una suerte de desconfianza en su trabajo con la representación, por eso hay como un guiño con la serie Lima imaginada. Es una especie de cerrar los ojos y buscar otros medios de representación mucho más veraces de la imagen que te bota la realidad. Además en su obra hay un rechazo a la tradición expresionista del arte de esos años”. Es curiosa esa obsesión por la objetividad y el registro de sí misma como estudio para alguien que tras su aparición en el año 65 y su última muestra del 81 con un comprometido y crítico proyecto titulado “El perfil de la mujer peruana” (hecho con Marie-France Cathelat, en el que participaron especialistas de distintas áreas y que tuvo como resultado un libro y una exposición) desapareció de la escena hasta hacerse completamente invisible.

Eso fue lo que encontraron Tarazona y López hace cuatro años: un vacío. Cuando se les ocurrió trabajar sobre la artista peruana apenas la conocían. Burga empieza a exponer en el 65, con grabados sobre su “Lima imaginada”. Previamente había hecho pintura expresionista y después había girado hacia el arte pop con el grupo Arte Nuevo, que encabezaba la vanguardia peruana de ese período. Después parte a EE.UU. a estudiar gracias a una beca y cuando vuelve se entrega al conceptualismo.

“Su obra ha estado casi oculta durante esas décadas y poder recuperarla es también intentar decir que es necesario volver a esos años y repensar en cómo se ha escrito la historia del arte durante todo ese tiempo y ver qué se ha privilegiado”, apuntan los curadores.

Reconstruir la memoria de Burga incluye haber recuperado dibujos, fotografías, partituras, videos, objetos pop, instalaciones, slides, planos y estadísticas. Piezas agrupadas en dos salas y que evidencian su exploración sobre los límites del lenguaje y ese obsesivo registro del tiempo en el proceso de creación. ¿Por qué, tras dos estallidos en los 60 y 70, y esa exposición en los 80, desaparece? “El resto de su obra más conceptual y experimental no tenía un soporte. Y hasta hoy no lo tiene. Es demasiado atípico”, resuelven Tarazona y López, quienes han rescatado a la persona y a la artista comprometida.

MÁS INFORMACIÓN
Lugar: Galería del Icpna. Dirección: Av. La Marina 2469 y Av. Angamos Oeste 120, Miraflores. Horario: de mar. a dom. de 11 a.m. a 8 p.m. Entrada: Libre.

Visibilizar un itsmo dudoso. Entrevista a Virginia Pérez-Ratton - Ernesto Calvo

El curador y ex director del MADC de Costa Rica, Ernesto Calvo, me envía generosamente un link a una entrevista muy reciente realizada a Virginia Pérez-Ratton, en mayo pasado, publicada en Exit Express. Reproduzco sus comentarios de presentación y la entrevista, también colgada en su recien inaugurado blog.
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Visibilizar un itsmo dudoso. Entrevista a Virginia Pérez-Ratton

Con el fallecimiento de Virginia Pérez-Ratton, la región centroamericana pierde quizás a la mayor "arquitecta" de la transformación y visibilidad del arte contemporáneo de los últimos 20 años en el llamado "itsmo dudoso". En esta conversación-entrevista, que le realicé hace unos pocos meses para la revista Exit Express (n.52, mayo 2010), se expresan algunos de los alcances y logros de la labor realizada por Virginia a lo largo de estos años, pero también sus posiciones críticas y nada complaciente, sus dudas y apuestas a futuro... Ojalá que algunas de esas perspectivas sirvan, en todo caso, más allá de los habituales panegíricos que son tan típicos en estos momentos -incluso por aquellos que nunca apoyaron su visión y esfuerzos- para darle continuidad y profundizar este camino trazado por ella.

Ernesto Calvo

Visibilizar un “istmo dudoso"

Luego de casi 20 años aportando su labor de gestora, ensayista y comisaria al frente de algunos de los proyectos más importantes que han dado impulso y una proyección inédita al arte contemporáneo en Centroamérica, a Virginia Pérez-Ratton se le ha concedido en Costa Rica el Premio Magón 2009 (premio nacional de cultura). Tomando como pretexto este merecido reconocimiento, le realizamos está entrevista, donde conversamos acerca de sus múltiples labores al frente de instituciones como el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (1994-1998) y TEOR/éTica (1999-actualidad), así como de los esfuerzos curatoriales y editoriales llevados a cabo desde estas instituciones.

. Teniendo en cuenta que usted ha sido crítica con el conservadurismo y la falta de perspectivas estratégicas, y con la burocracia e improvisación que ha signado a veces a la política cultural en Costa Rica, cómo recibe este premio nacional de cultura?

Pues lo recibo como viene, es decir, producto de circunstancias que permitieron otras opciones en muchos de los premios nacionales: que se premiara a un músico electroacústico como Otto Castro, o que un bloguero ganara el premio a la difusión cultural, representan un nuevo momento en estos reconocimientos. Y lo recibo con alegría por lo que puede contribuir a visibilizar el arte contemporáneo y el trabajo que se realiza en ese campo, todo lo cual, aunque parezca mentira, resulta conocido solo de ciertos grupos.

. Con bastante frecuencia se ha reconocido su labor como gestora o curadora de eventos en Centroamérica, pero a veces ha quedado relegado el importante trabajo editorial desplegado en el MADC primero, pero sobre todo desde TEOR/éTica. Podría conversar un poco sobre esta imprescindible faceta?

Para mí es una labor fundamental desde el momento en que se comienza a trabajar en la organización de exposiciones o eventos, en cualquier lugar, pues es parte de una construcción de memoria que quedará para el uso e interpretación de otros. Cuando comencé a investigar sobre el arte en Centroamérica y sobre sus relaciones con la situación política regional, me encontré con una situación de carencia de referencias, poca documentación, y sobre todo, mucha publicación incompleta, sin fechas de obras, sin las informaciones mínimas del trabajo. Todo esto dificultaba la investigación. En el Caribe, excepto Cuba, la mayor parte de las escenas artísticas tenían el mismo problema. Por ello es que me propuse desde el MADC y luego más intensamente desde TEORéTica, tratar de paliar al menos en parte esas carencias, empezando por las exposiciones que íbamos haciendo, y por apoyar la iniciativa de Luis Fernando Quirós, curador de diseño y jefe del Centro de Documentación del MADC, para la publicación de la revista Fanal, que tuvo 16 números durante mis casi 5 años de gestión (94 a 98) . No pude hacer todos los catálogos que hubiera querido en el MADC, pero en TEOR/éTica lo hemos logrado de forma sistemática desde 1999, todos bilingües, para poder acceder a públicos de otras latitudes. Para los años que vienen, quisiera poder editar una colección de pequeñas monografías de un buen grupo de artistas centroamericanos.

Es cierto que no se mencionan tanto las publicaciones, y tampoco hay un reconocimiento de TEORética como una verdadera editorial de arte. Pero tampoco se reconoce a lo interno la labor crítica, tanto a través de mis propios ensayos como a través de aquellos comisionados a criticos externos al MADC o a TEOR/éTica. Desde fuera constantemente se me solicita ya sea colaborar con textos o autorizaciones para reproducir otros, pero localmente, es bastante poco estimulante.

. Considera que esta permanente labor editorial, que implica un gran esfuerzo no solo financiero, sino de activación de la memoria y la reflexión regional, recibe el apoyo suficiente tanto de financiamiento como de lectores, sobre todo en el contexto centroamericano?

No, no recibe el apoyo suficiente, definitivamente. Ni siquiera las pequeñas librerías, en San José y Guatemala por ejemplo, que parecieran interesarse en las publicaciones, cumplen con informar sobre las ventas o con el pago de las mismas. Y los lectores, pues no son muy locuaces! Se termina distribuyendo gratuitamente con tal de que circulen, y esto nos ha traído muchas visitas de profesionales de fuera, incluso libreros, interesados en consultarlas o que nos piden que les sean enviadas. Localmente, solo un grupo de estudiosos son los asiduos “clientes”.

. Según he oído, tiene ya preparado para publicar un libro de reflexiones sobre arte contemporáneo en Centroamérica. Podría comentar sobre esto?

Sí, la vice rectoría de cultura de la Universidad de Valencia en España, en la persona de Rafael Gil, me ha invitado a publicar el segundo número de la colección Miradas, que se centra en arte latinoamericano. El primero fue el que se publicó el año pasado con el titulo La Bienal de la Habana para leer. Este segundo volumen contó con la labor de editor de Manuel Picado en San José, y con una presentación de Paulo Herkenhoff. Incluye ocho textos, desde 1996 hasta 2009, que fueron seleccionados pensando en que el libro abarcara la región. No hay ensayos monográficos ni sobre escenas nacionales, más bien se trata de textos que tuvieron una importancia particular en un momento específico, o que contribuyeron a un cambio perceptual del arte centroamericano. El libro esta en maquetación y entra pronto a prensa, creo que estará listo en el transcurso del primer semestre de este año, y hay un par de editoriales anglófonas interesadas en una posible versión en inglés.

. Qué próximos eventos y publicaciones prepara TEOR/éTica, para asegurar la continuidad y a la vez la renovación de esas estrategias que usted ha mantenido a lo largo de estos años, como gestora fundamental del arte contemporáneo en la región centroamericana?

Esperamos poder organizar un simposio a fin de año, un “TEMAS CENTRALES II” para justamente retomar ciertas ideas y planteamientos de ese momento, hace ya 10 años, y analizar el cambio. Tamara Díaz organizó en el 2009 un encuentro llamado “Editadas inéditas” y se tomaron acuerdos para un trabajo conjunto a nivel regional en lo que a comunicación, difusión y diálogo se refiere. Este será uno de los “temas centrales” que abordaremos en el simposio, para dar seguimiento al encuentro del año pasado. En cuanto a publicaciones, está pendiente un volumen sobre la fotografia centroamericana a partir de los 90, que incluirá una contextualización de la emergencia de la fotografía en el desarrollo de la performance. Y la colección de pequeñas monografías es algo que aun tenemos que financiar pero que es parte de los planes. En el plano audiovisual, se han producido 12 videos documentales sobre mujeres artistas, para la televisión, y quisiera poder financiar otros 12 sobre artistas en general, no solo de las figuras femeninas.

. Con respecto al posicionamiento del arte centroamericano a nivel internacional, pienso que en este momento se ha producido una especie de reflujo de los esfuerzos colectivos, y más bien se han potenciado las incursiones y estrategias individuales (tanto de artistas como de curadores) que se posicionaron sobre todo a finales de los noventa. Qué piensa de está relación global-local en este particular momento, teniendo en cuenta específicamente el casi siempre precario contexto de Centroamérica?

Sí, podría considerarse que hay una especie de repliegue en el sentido que apuntas. Es un poco paradójico pues en los noventas, hubo un proceso liberador que condujo a los artistas a erigirse en su yo individual y a plantearse la realidad sin la obligación de una pertenencia política, pero al mismo tiempo, había un sentimiento de colectividad, de comunidad, de responsabilidad social en el arte, lo que se consolidó poco a poco hacia inicios de los 2000. Actualmente, los planteamientos parecen mucho menos densos, hay mucho de ligereza, y al mismo tiempo, un cierto olvido del Otro. Creo que hay una fuerte influencia de los panoramas políticos actuales, que son poco esperanzadores. O digamos que mucho de lo que se produce es en cierta forma el resultado del fracaso de la agenda cultural que propusieron los planes de paz de los noventa: en estos, supuestamente cada estado tendría un papel protagónico en recuperar el espacio cultural con una apertura a todos los sectores. Esta apertura se ha dado gracias al trabajo del sector independiente, pero aparte de Costa Rica, poco se ha hecho desde el estado central en los demás países.

. En un sentido relativamente similar, en años recientes, a pesar de los esfuerzos realizados por diversas instituciones, gestores y artistas, siento una especie de disolución –o incluso involución- de la efervescencia y el entusiasmo que se sentía en los años noventa y hasta fechas recientes dentro del arte contemporáneo centroamericano. Comparte esta percepción?

Comparto esta impresión, a pesar de que al mismo tiempo, se han consolidado ciertas figuras a nivel global y hay una escena emergente con algunas figuras prometedoras. Hay un desencanto político a varios niveles, no solo del artista visual, sino de una generación entera. Es una actitud radicalmente diferente de la esperanza que surgió en los noventas con los planes de paz, y percibo a veces una menor capacidad de riesgo y un mayor cinismo. Se nota una proliferación de objetos, de obras aparentemente articuladas, pero que finalmente no producen mucho sentido, e incluso algunas de ellas son de alguna manera refritos de otras apenas anteriores. Esto fue evidente en la bienal centroamericana del 2008 que tuvo lugar en Honduras. Considero que es preciso retomar la construcción de significados y darle más espacio al pensamiento crítico.

Por otro lado, los esfuerzos de los curadores y de algunas instituciones no han tenido el suficiente acompañamiento por parte del sector de promoción y circulación del arte, el sistema galerístico no ha avanzado mucho, y aun está por ampliarse y consolidarse un coleccionismo un poco más ilustrado. Además, no existe una verdadera labor crítica fuera del trabajo de los mismos curadores, que pueda contribuir a la formación de criterio. Esto afecta también la labor que se hace desde la curaduría y la investigación y la deja aislada.